La cabecera departamental, Totonicapán, a dos mil 435 metros sobre el nivel del mar, es la más alta del país.

En tiempos prehispánicos, el asentamiento situado en las planicies de Patzac era el segundo en importancia en el señorío quiché. Su nombre, Chuimequená: “lugar sobre el agua caliente”.

Los mexicas que acompañaron a Pedro de Alvarado en la conquista, lo cambiaron a Totonicapán, derivado del vocablo náhuatl totonilco —”lugar de agua caliente”—, pues a lo largo de los riscos de Momostenango hay fuentes termales.

Toto es ciudad prócer. Allí nació Atanasio Tzul, quien en 1820, harto de los leoninos impuestos eclesiásticos y el agobiante tributo a la Corona, encabezó una revuelta contra los españoles.

Al tener dominio de la situación se le nombró rey de los quichés y le pusieron la corona de San José. A su esposa, Felipa Soc, la de Santa Cecilia. Veintinueve días duró el reinado. Ocho días lo azotaron los españoles. Luego lo mandaron amarrado a Xela. Un año después, 1821, lo soltaron.

El teatro

En ese precioso departamento, en el centro de su cabecera, hay un teatro que es una belleza. Su construcción comenzó en 1911, durante el gobierno de Manuel Estrada Cabrera (1898-1920).

El arquitecto, según dicen, fue Enrique Jones, el mismo que diseñó el de Xela. Y los constructores: el maestro Agatón Boj y sus hijos. Algo pasó. Cayeron en desgracia con el señor presidente, y el trabajo se paró.

Fue en 1924, después del final del tirano, que el teatro encendió luces, acomodó público y abrió el telón.

El terremoto de 1976 lo dañó. Tuvo que esperar al gobierno de Portillo para que lo reconstruyeran. Curiosamente hicieron un buen trabajo; lo dejaron como nuevo. Don Mariano Tax Tzic lo cuida desde entonces.

Gracias por la vida

El martes recién pasado, el grupo local Las Hormigas estrenó su obra Gracias a la vida, en el Teatro Municipal de Totonicapán. Estos son unos solidarios jóvenes, maestros y estudiantes universitarios que llevan 10 años compartiendo teatro por los caminos del altiplano.

Preocupados por las posibles secuelas del malhadado incidente de la Cumbre de Alaska, decidieron compartir escénicamente lo que sus corazones les decían… Tengan cuidado, en cualquier conflicto armado los más lastimados serán siempre los niños. Y con la ayuda de cuatro títeres articulados de tamaño natural, que ellos mismos elaboraron con pino blanco y pino rojo, sin decir una palabra y privilegiando el arte en su presentación, contaron la historia.

Es teatro para adultos, es fuerte, cuesta digerir el sufrir de un niño. La actuación es muy buena. La música marca la acción. Violines cuando lloran, marimba cuando juegan.

La escenografía es minimalista: tres tallos de milpa seca, con hojas. Una olla al fuego, un poncho y una gallina, amarilla. Los protagonistas son cuatro hermanitos que se quedaron sin padres.

Los actores son Edwin Puac, Jesús Puac, Camilo Ramos Yax y José Juan Cua.

Los apoyaron los del grupo Hélvetas y Guillermo Santillana de Armadillo, admirables todos.

Buen teatro. Buena idea la ecuanimidad. Ojalá un día tuvieran la facilidad de presentar su propuesta en otros lugares.

En el arte sucede lo mismo. Cuando las autoridades malcuidan el Centro Cultural Miguel Ángel Asturias y dejan que se muera el Teatro de Bellas Artes, la iniciativa privada construye el Teatro Fantasía, en el Irtra Petapa; el de Don Juan, en el Centro Histórico, y el de Las Máscaras, en Tikal Futura. Además, centros comerciales como Fontabella y Santa Clara, zona 10, se convierten en faros de promoción musical, oasis escénicos para el artista nacional.

Teatro Fantasía

Entrada gratuita para los trabajadores y sus familias. Construido hace un año en el Irtra Petapa. Es un anfiteatro cubierto con un domo. No tiene paredes, y el suave viento sur de la tarde pasea por el recinto. Aforo, mil 491 personas. Cómodos asientos, ilimitada vista al escenario. Iluminación, sonido, tramoya y efectos especiales de primer mundo. Arquitectos: Mario Roca Cermeño y asociados.

La dirección artística es de Georgina Pontaza, profesional teatral de gran experiencia, carácter y buen gusto, que comenzó sus estudios con la actriz Alma Monsanto.

En el teatro se presentan comedias musicales sucintas, elenco propio y soberbios montajes, acompañados con actos de vodevil para permitir el cambio de vestuario.

Actualmente está en escena, los sábados y domingos, a las 14, 15 y 16 horas, un colaje con bailes y canciones de las obras que subieron a las tablas en el 2012. Complementan con un ingenioso mago y coreografías aéreas de gran belleza.

Recorrido

Fontabella, centro comercial que se encuentra en la 4a. avenida y 12 calle de la zona 10, mantiene un programa de arte continuo desde que comenzó operaciones. Alrededor de su fuente principal —fonta bella— hay actividades musicales en vivo varias veces por semana.

La música puede dividirse grosso modo en clásica, que corresponde a una cultura cortesana europea, de una época particular. Y la popular, que es la de los pueblos, en diferentes períodos de su desarrollo.

La popular puede volverse clásica, como el tango, el mambo o el jazz. O puede vivir en la llanura, como el joropo, la cueca o el vallenato. Siempre serán cultura. Esto es algo así como las tierras bajas y altas, ambas son tierras. Hay algunos que se aferran con las uñas a las tierras altas y creen que son las bellas. Quizá es porque no conocen el mar.

La Tribu de Ben Leví

Hijos de la Tribu de Leví es el nombre de un grupo de jazz que actuó el jueves 10 de enero en Fontabella. Cuatro estudiantes de la Escuela Superior de Arte de la Universidad de San Carlos y una maestra de la Orquesta Sinfónica Nacional.

Jazz acústico con delicada tendencia Dixie. Jasson Angel —trompeta— mantiene a rienda corta su corcel. El clarinete, Ben Leví Girón, se impone. Omar Meliá en el teclado es luz y energía. Andrés Castillo en la guitarra, dobla como bajo. Y Laura Pellecer —contrabajo— le habla, lo deja cantar. Esa noche presentaron un programa de clásicos.

Flauta

El viernes 11 de enero, aprovechando la sombra en el jardín oriental que refresca la solana del mediodía, se presentó un delicioso concierto de flauta transversa interpretada por el maestro Byron García, catedrático del Conservatorio Nacional de Música. Cambiante público, de plácidas caras y tímidos aplausos.

Arpa celta y voz

Ese mismo día, cayendo el sol, subieron a escena Brendy Boj —arpa— y Andrea Pellecer —voz—. Interpretaron música del mundo. El arpa celta, diatónica y compacta, guardó en sus cuerdas las voces de varios instrumentos que fueron soltadas al aire al comando de unos expertos dedos.

Pellecer ha cantado toda su vida. Últimamente interpreta música barroca. Su voz es expresiva, versátil y limpia. Ambas generan una cálida presencia en el escenario.

Caras nuevas

Lo fascinante de la actividad cultural de Guatemala es la cantidad de caras nuevas que aparecen en escenarios y talleres. Su calidad y su entrega es la luz que aportan al campo. Mientras florezcan jóvenes artistas, vamos bien. Ellos nos guiarán a los nuevos oasis de belleza.

La Cenicienta, versión musical del clásico cuento de hadas de Charles Perrault (París 1628-1703) y Despertar de primavera, polémico drama del alemán Franklin Wedekin (Hanofer 1864 – Munich 1918) que trata, con sorprendente franqueza, los graves conflictos de la adolescencia, son las obras que se presentaron en estos días.

Ambos trabajos fueron puestos en escena, adaptados y dirigidos por Luis Pedro Abril A., director teatral y empresario graduado de la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut, y que por más de dos años trabajó en Broadway. Luis Pedro, cuarta generación de la familia involucrada en teatro, es un joven emprendedor, de trato cortés y amable que hace honor a sus visionarios antepasados.

LA CENICIENTA

Esta es una historia de la cual, incluyendo algunas versiones de las culturas nativas americanas, se conocen más de 450 variaciones. La más antigua es la china, Ye Xian, que data del 800 d. C.

Perrault, erudito francés, la convirtió en cuento infantil al escribirlo en forma literaria sencilla, limar algunas de sus ásperas espinas e introducir una hada madrina. En esta versión se basó Walt Disney para hacer la película animada (1950) que universalizó la historia.

La lección todos los cuentos la tienen: que la bondad triunfa sobre la vileza y que todos necesitamos una hada madrina, un poco de suerte, para triunfar en la vida.

Puesta en escena

El escenario tuvo un efectivo trabajo de luces. Bellos telones, de ágil recambio. Vestuario vistoso, sin ser fastuoso. Actuación, bastante buena, en general. Admirable la de los 15 niños ratoncitos.

Cenicienta se proyecta como una joven especialmente dulce. El Chamberlain tiene una agradable personalidad. La madrastra, festinadamente cruel. Las hermanastras, como siempre, antipáticas, chillonas y feas.

El hada, con un agradable acento caribeño. El príncipe, enamorado. El rey, feliz por su hijo. Las zapatillas, de cristal, y la carroza, una calabaza.

Durante la presentación hubo aplausos espontáneos. El público infantil se involucró en la acción y se mostró contento con el resultado de la historia. Los adultos revivivieron su niñez.

Obra recomendable. Domingos, 11 horas. Teatro abril: 9 av. y 14 calle esquina. Admisión, Q25, parqueo propio, gratis.

DESPERTAR DE PRIMAVERA

El drama Despertar de primavera es fundamental en el amanecer del teatro moderno. Fue estrenado en 1891 en Alemania, y produjo uno de los mayores escándalos que se hayan visto en esa regimentalizada sociedad.

La obra trata, en forma abierta y natural, los terribles problemas que los adolescentes afrontan cuando tienen padres, maestros y/o guías religiosos ignorantes y deshumanizados.

“¿Cómo vienen los bebés al mundo?”, pregunta una jovencita. “Mañana te cuento”, le responde. “No mamá, dímelo ahora”. “Mañana te digo”. “Dímelo hoy”. “Mirá, primero te casás, luego amás —mucho, mucho— a tu marido y entonces tenés un bebé, y así es. ¿Nada más?… Nada más”.

Siguiendo el despertar de los adolescentes de un pequeño pueblo alemán, Frank Wedekin perfila su tragedia: explosión de hormonas, borrascoso mar de preguntas e inseguridades.

Melchior le pregunta a su compañero: “Moritz ¿qué te pasa?, te veo cansado”. No puedo dormir. Toda la noche paso pensando en muslos de mujer, rodeados de encajes blancos; no me dejan en paz”, contesta.

“Fácil de arreglar, eso nos pasa a todos, te frotás y te aliviás”. ¡Ah! Al rato no puede abandonar la constante práctica, de su nueva libertad. Su padre lo encuentra en ello. “¡Patojo degenerado!” Lo cinchacea y no explica nada. Desconcertado, Moritz no encuentra salida a la vida y se suicida.

El escándalo en el estreno fue de proporciones hecatómbicas, pero permitió a padres, maestros y adolescentes empezar a hablar. En el siglo XX, pasada la primera mitad, convirtieron la obra en un poderoso musical. Gran éxito, que aún brilla en los principales escenarios del mundo.

Luis Pedro Abril —el director— redujo la historia. La enfocó para atemperar los puntos de escándalo y se respaldó con voces frescas y vibrantes coros y enérgicas coreografías.

La escenografía, sorprendentemente sencilla, muy creativa. Las actuaciones, vívidas, inocentes, creíbles. La música, poderosa, nos recuerda que la adolescencia es tan corta, como la primavera.

Obra muy recomendable para adultos y adolescentes. Teatro Abril, domingos a las 14 horas. Admisión, Q25. Parqueo cuidado, gratis.

La comedia ligera sigue siendo la que más público atrae. Es comprensible. Sin embargo, el teatro dramático conserva su cuota de adeptos que se incrementa cuando, como en este año, hubo osadía en los montajes, además de las obras que se repiten periódicamente —El señor presidente, La dama del alba, La barca sin pescador, etcétera— se mostraron excelentes trabajos de Kafka, Shakespeare, Ionesco, Darío Fo y Mark Twain, entre otros.

Decidir cuál de esas obras fue la mejor del año es tarea imposible y que no le haría honor a la justicia, pues hay demasiadas variables entre los trabajos.

Este año se inauguraron dos nuevas salas teatrales: la de Don Juan, en el Centro Histórico, y Las Máscaras, en Tikal Futura. Y va bastante adelantada la remodelación de la sala del antiguo cine Lux.

El teatro Abril se ha consolidado como líder en la presentación de obras musicales dedicadas a jóvenes y niños. Posee una escenografía de primer mundo y una colección espectacular de trajes.

El teatro de la UP mantiene su tónica, sin mayor innovación. Esperamos que sus nuevas autoridades le den un chispazo para sacarlo de su letargo.

En el de Cámara Hugo Carrillo se presentaron algunas compañías visitantes muy buenas y se han estrenado obras como La Colonia Penitenciaria de Kafka, que constituyó un verdadero acontecimiento teatral. En Solo Teatro, la sala se ha mantenido ocupada. Allí se estrenó el musical Chicago, gran esfuerzo, bella presentación. El teatro del IGA inauguró su renovación con el estreno de la obra de Dick Smith No Panic in the Titanic, y después se han dedicado a ver ópera en video.

El Tenorio estuvo en escena para el día de muertos, y el Teatro de Bellas Artes carece de rumbo (Aló, Ministerio).

Dos cosas

Al teatro de Guatemala actualmente le hacen falta dos cosas. Dramaturgia que se salga del clisé ramplón, de los temas resobados… que no repita lo que la gente ya sabe.

Y, público. En una metrópoli que rebasa los dos millones de habitantes, en un país grande como el nuestro, tiene que haber más. Feliz año. Nos vemos en el teatro.

Este autor, nacido en 1948 es un genio artístico. Entre sus creaciones sobresalen los musicales: Cats, Evita, A Phantom of the Opera, Sunset Boulevard y la canción Amigos para Siempre, de las Olimpiadas Barcelona 1992. Tiene 12 musicales más y una bellísima misa de réquiem, dedicada a su padre.

A los 22 años de edad (1970) se alió al escritor lírico Tim Rice para producir un musical sobre los últimos días de Jesús de Nazareth.

Su intención fue resaltar la esencia humana del personaje. Sus alegrías, ilusiones, penas y temores. A Judas lo dibujaron como uno de los más antiguos y leales amigos de Jesús. Alguien quien pensaba y expresaba su opinión.

El tercer protagonista de la obra es la ternura que María Magdalena sentía por el nazareno: “He’s a man, he’s just a man”. Esta relación, en la que los demás personajes sirven de coro es adornada por los solistas que interpretan a Pilatos, Caifás, Anás, Simón y un extravertido Herodes.

Lloyd Webber quería tener el control total sobre la producción de su musical, pero estaba corto de fondos. Con sus ahorros y algún préstamo familiar grabó un disco de larga duración con la pista musical de la obra. Fue un éxito instantáneo a escala mundial; por lo bello de su historia, por lo jubiloso de su rock. Esto produjo plata. Con ella montó su obra como quiso. Broadway y el West End de Londres cayeron a los pies de Jesus Christ Superstar.

Además de la enorme capacidad para crear éxitos artísticos que comparte con su compatriota W. Shakespeare, tiene su misma habilidad económica. Shakespeare murió millonario. Sir Lloyd Webber (Caballero de la corona, ahora) vale fácil unos 700 millones de libras.

En escena

Guiados por la visión e inclaudicable mano de la maestra Ivonne Reyna, los artistas subieron al escenario. Maestros y alumnos en sabrosa camaradería. Los de la orquesta lucían kufiyas —paños palestinos— en sus cabezas. Los de las voces parecían usar ropa de paca.

La música, dirigida por Héctor Castro, sonó bien. Sin embargo, el rock se percibió romo. Faltaron los brillos acerados, los alaridos de pasión. Puede ser que los músicos, siendo tan jóvenes, no hayan captado la esencia del rock, la que vive libre, fuera del pentagrama.

En las voces, la soprano Lisbeth Tiu, María Magdalena, tiene una presencia escénica de primer mundo.

El tenor William Márquez, que le dio vida a Jesús, tiene voz privilegiadamente versátil. Falta un poco de potencia y consistencia. El barítono Gabriel Carballo —Judas— tiene potencia y control en su voz, queda debiendo en dicción y demuestra una riesgosa faceta al interpretar a su personaje sin seguir la trama. En cuatro ocasiones empujó fuertemente a Jesús y eso arruina la obra. Porque en ella, Judas, aunque discrepe, es amigo de Él, se sabe su discípulo. Judas cree que Jesús no merece la muerte. ¿Por qué morir, cuando el mensaje ha sido esparcido, por qué esta muerte tan prematura?… “I only did what you wanted me to do”… (Yo solo hice lo que tu querías que hiciera), dice Judas..

La historia

Se inicia con la gloriosa entrada de Jesús “y 50 mil seguidores” a Jerusalén y concluye —el viernes— con la crucifixión, exigida a gritos, por el mismo populacho que lo había vitoreado el domingo anterior.

El público, que llenó la sala, gozó la presentación. Más de cuatro minutos de aplausos. Este trabajo, que se sale de la cotidianidad, volverá a estar en escena para Semana Santa.

Entonces se incluirán las seis canciones que no fueron interpretadas en esta ocasión y la orquesta tendrá, idealmente, una adecuada ecualización en la amplificación.

El templo, junto a un palacio de recreo, fue mandado a construir —con mano de obra barata— por el obispo Francisco Marroquín, en las faldas del Volcán de Agua, en 1547. Fue dedicada a San Juan Bautista. Su apariencia es modesta; su estilo, barroco temprano; su fachada, sobria, un poco rústica. Tiene una sola nave, muy bien conservada. Desde su construcción, ningún terremoto ha alterado su estructura.

Los habitantes de San Juan del Obispo —San Juan, por el Bautista, y del Obispo, en honor de Marroquín—, son en buen número descendientes de los tlaxcaltecas que acompañaron a Pedro de Alvarado durante la conquista de Guatemala, en 1524.

Los artistas

El Ensamble Antigua, especializado en música barroca, está radicado en la ciudad colonial del Valle de Panchoy.

Los integrantes: Carolina Palomo, en el clavecín; Nadir Aslam, violín barroco; Lourdes López, chelo; y la soprano lírica Diana Ramírez.

En esta ocasión fueron acompañados por dos músicos huéspedes: Kristin Hayes, con una flauta picuda, de voz casi humana, y Eric Peterson, percusión, con un piccolo triángulo de cristalino trino y un animoso pandero, de chispeantes voces altas.

El concierto, que incluyó música de Bach, Haendel, Quantz y varios autores renacentistas y barrocos italianos, es parte del programa Música en las Aldeas, patrocinado por el mecenas de las artes, Jorge Castañeda, de Casa Santo Domingo y también del fondo Aporte para la descentralización cultural (Adesca).

Su meta es compartir la cultura de la cabecera con los habitantes de las aldeas que forman el municipio.

No en balde la ciudad, Monumento de América, es poderoso faro de atracción para el turismo cultural.

despedida

Durante esta velada, el público, atento, intenso, alcanzó para llenar tres cuartos de la nave de la iglesia. Fue notoria la asistencia y la admiración en los rostros de muchos extranjeros.

Los aplausos fueron fuertes y sostenidos. Carolina, y los demás, correspondieron con sonrisas y un corto encore, que reavivó las palmas.

Voces y bodas de oro

Con  un concierto de lujo en el antiguo Paraninfo —salón de actos académicos— de la Universidad de San Carlos, se celebraron los primeros 50 años del pequeño coro de voces mixtas masculinas conocido como Orfeón Iximché. Y fue apropiado que allí se hiciese, ya que  en esa universidad estudiaban, en el agitado año de 1962, los jóvenes que lo fundaron.

En esos tiempos, ser universitario no era un derecho para todo el mundo, era honor de unos pocos. Entonces sólo existía una universidad en Guatemala, la de San Carlos. En sus aulas  interactuaban los mejores estudiantes de  provincia de la capital y unos cuantos centroamericanos. Era un crisol de nacionalidad a donde, sin más vestidura que la del talento, asistían muchachos de diferentes estratos sociales y de diferentes etnias.

En esa universidad había un coro, grande y prometedor, como sol de amanecer a la orilla del mar. De sus integrantes nació la idea de formar un pequeño coro de cámara, que fuese más fácil de mover. Escogieron para ello, una forma de octeto; duplicación del cuarteto mixto básico, primer tenor, segundo tenor, barítono y bajo.

Los fundadores del Orfeón fueron Adolfo Guillén, Marcio Martínez, Amílcar Acevedo, Eduardo Bocaletti, Eddy Herrera, Juan Francisco Paredes, Nery Rodríguez y Guillermo Zeigssig. De ellos, los dos primeros ya trascendieron, los otros siguen cantando.

La noche del homenaje fue de nervios, notas y armonías. Trece piezas interpretaron. Iniciaron con Domine non sum dignus y concluyeron con el segundo himno nacional, Luna de Xelajú. Compartieron escenario con el Coro Universitario, su alma mater, su raíz germinal.

Ana Frank  

En 1958 el director teatral Domingo Tessier decidió poner en escena una obra recientemente estrenada, sobre la vida de una adolescente judía, Ana Frank, que escondida en una buhardilla, con su familia y unos amigos, trató de escapar del exterminio nazi.

El material original, escrito en forma de diario, le dio dimensión humana al holocausto. Le puso cara, lo vio con unos intensos ojos negros, de mirada triste.

Tessier contaba con excelentes actores para los personajes adultos:. Mildred Chávez, Luis Herrera, Herbert Meneses, Consuelo Miranda, Norma Padilla y  Ernesto Sapper.

Para reclutar a las actrices adolescentes, Prensa Libre organizó un concurso. Tres plazas: Ana Frank, su suplente y Margoth, su hermana. Ochenta y tres jóvenes participaron.

En primer lugar quedó Graciela, la Chiqui Barrios. Suplente, Ana María Solís, y como Margoth, Uberlinda Castillo. Graciela para ese entonces llevaba siete años trabajando en radio teatro infantil con doña Marta Bolaños de Prado.  Estrenaron el 5 de noviembre, en el Conservatorio, un éxito. Se mantuvieron en cartelera más de seis meses. Las funciones nocturnas las actuaba Graciela, las de matiné, Ana María. Admisión: 50 centavos.

Graciela participó en un par de obras más, pero Julio y las niñas que vinieron, la  separaron de las tablas.

Setenta años después de haber trabajado toda su vida y dejar encaminados a sus hijos, regresa al escenario. Hace tres años se inscribió en la Escuela Superior de Arte de la Usac. Y ahora, pocos días antes de cumplir 70, le da vida, junto a sus compañeros de estudio, a una afortunada versión contemporánea de la Barca sin Pescador, de Casona.

El trabajo está muy bien, es atractivo. Graciela se posesiona con garra y conocimiento de su personaje, la abuela. Y se gana los aplausos, por actriz, y por mujer.

Inició la temporada con Les Sylphides, coreografía, compendio de ballet clásico, que por su belleza e importancia está en el repertorio de la mayoría de las compañías serias del mundo. El Ballet Guatemala la ha puesto en escena desde la década de 1950.

Este es un ballet blanco, romántico, diseñado por Michael Fokine (Mijail Mijalovoch Fokin, 1880-1942), autor de más de 70 coreografías de gran aceptación, entre ellas La muerte del cisne, El pájaro de fuego y El espectro de la rosa.

Las Sïlfides es el primer ballet que se creó sin argumento, y también fue el primero en el que no se usó música clásica como acompañamiento. Su partitura, escrita por Friédéric Chopin, consiste en una polonesa, tres valses, dos mazurcas, un nocturno y un preludio. Había también una tarantela, pero últimamente ya no se incluye.

Este ballet se estrenó en 1908, en el Mariinski de San Petersburgo. Desde entonces el mundo de la danza ya no fue el mismo; se abrieron caminos de libertad expresiva.

El trabajo transmite las sensaciones que un joven poeta experimenta mientras sueña. (Como todos los poetas, que son poetas, sueña con mujeres: la amada, la patria, la muerte). Su ensoñación en este caso son las Sílfides. Espíritus perfectos de hermosas mujeres que en una noche de luna e ilusión danzan en el bosque, envueltas en sus vaporosos velos blancos.

La puesta en escena la semana pasada fue un remontaje de Nancy Urla, guatemalteca graduada del Royal Academy of Dance, Londres. De entrada fue extraño ver el telón de fondo pintado con una escena marina en lugar de un bosque, como era de esperar. Fue rara emoción cuando falló por completo el sistema de reproducción y amplificación de sonidos del teatro. La bailarina que ejecutaba un solo en ese momento —Claudia Yax— con gran profesionalismo continuó la danza en silencio sin perder un paso o cambiar un ápice la expresión de su rostro, de clásica belleza. El público solidario la acompañó batiendo enardecidamente sus palmas. Así fue.

El Calendario Danzante

La novedad de la noche fue el estreno de un nuevo ballet creado por Richard Devaux, El calendario danzante, donde se expone una interesante percepción del Oxlajuj B’aktun.

El maestro diseña una coreografía que toma como centro un sol vivo y como cuerpo el calendario maya en movimiento. Habla de transición, de evolución. De un planeta con graves problemas ecológicos que con ayuda de viejos sabios mayas reencuentra la vida. La tierra reverdece, se inicia una nueva era.

Para acompañarse musicalmente, Richard escogió la partitura de Oxígeno, del vanguardista compositor francés Jean Michel Jarré. Este concierto, si así se le quiere llamar, fue creado en la bullente época de los 60’s. Es el primer trabajo totalmente interpretado por medio de sintetizadores y además fue un tempranero llamado de atención hacia la desidia con la que se trata al planeta Tierra.

Armar este trabajo con el Ballet Guatemala fue arriesgado, pues se utilizó una compañía de danza clásica para montar un ballet moderno; de movimientos abstractos. Es como si a un pintor retratista se le pidiese que hiciese un trabajo impresionista, es arriesgado. Los pinceles son los mismos, los colores también, pero la educación de los pintores es diferente. Uno es perfeccionista, exacto, el otro es emocional. La misma relación existe entre el bailarín clásico y el moderno. El clásico sigue técnicas rígidas, virtuosas, usa zapatillas de punta. El otro baila descalzo, anhela libertad.

El ambiente sobrio, neutral, facilita enfocar la atención en los danzantes. La iluminación rica. El plástico que cubre las tablas del escenario durante las presentaciones de ballet fue colocado con descuido. Estaba arrugada en varias partes con los consiguientes tropiezos para el desarrollo de la danza. El vestuario, bien hecho, dice lo que hay que decir. El nivel técnico del cuerpo de danza es bueno, susceptible de mejora.

Este doble programa se volverá a presentar el sábado 18 y domingo 19 de agosto. El 11 y 12 se tienen en cartelera dos trabajos nacionales: Momentos, de Nancy Urla, y Amor Brujo, del mismo Richard Devaux.

El 25 y 26 sube a escena el Quijote, coreografia de Petipá, música de León Minkus. Un clásico.

Karin, vivaz soprano lírica ligera, persona de trato fino y expresivo gesto, llenó de música el ambiente acompañada del Q-Quarteto Quijivix: Luis Fernando Quijivix, teclado; Erick Rodríguez, saxo tenor, saxo alto y flauta transversa; Fernando Martín, batería; y Érick Quijivix, contrabajo, más la agradable voz del tenor Giovanni Pasarelli.

El programa empezó con el tradicional himno Adeste Fideles, ¡Navidad!. Karin llevaba sobre sus hombros un ligero abrigo negro que fue propiedad de su amiga italiana Katerina Serri, recientemente fallecida a quien dedicó Moon River, canción de amigos. El vaivén de It’s the most wonderful time of the year, se dejó oír. Passarelli hizo presencia. Cantó el villancico francés Petitte Pappa Noël, bien plantado, voz sólida, grata, nítido manejo del idioma. Siguió Karin, con la bella pieza Somewhere over the rainbow —nada que ver con Navidad, puro Mago de Oz—. Prosiguió a Oh Tannenbaum (1550), pieza tradicional alemana que dedicó a su papá. Concluyó la primera parte con una emotiva interpretación del Ave María, de Schubert.

Sumándolo todo, fueron 20 piezas musicales. La mayoría en clave de jazz, música que tiene gran afinidad con la soprano, que como el jazz, camina por la vida con la justa libertad y sin miedo a improvisar.

Fernando Martín ejecutó un solo de batería en el Niño del Tambor, que fue de ritmo y sonoridad astrales.

Giovanni, el tenor, se va para Argentina. Va a continuar su arte en otros aires. Esperamos que el día de regreso sea pronto para repetir café oscuro y lírico canto en la Antigua. Las voces buenas siempre han hecho falta en Guatemala.

Lo que más disfrutamos es haber sido testigos de la dedicación de miles de artistas guatemaltecos que constituyen el verdadero tesoro nacional. Por ejemplo, Mario Chang, tenor de talla mundial, actualmente en el Metropolitan Opera House, de Nueva York.

En el 2011 funcionaron nueve orquestas sinfónicas juveniles en Guatemala. En este año la Orquesta Sinfónica Nacional ha reverdecido. Sangre nueva mezclada con la experiencia de virtuosos produce un sonido esperanzador.

En danza son miles y cada vez más, los bailarines que invierten su energía en esta bella vertiente del arte. Coreografías originales. En la lírica, pareciera que cada día trae una nueva voz. Lejanos los tiempos en los que Luis Felipe Girón abría la brecha para hacer camino.

En teatro, el público regresa a las salas. Retornan al país actores y directores formados afuera. Aún persiste una severa anemia de dramaturgia guatemalteca.

La marimba está viva y robusta. Los fabricantes del maravilloso instrumento no son suficientes para suplir la demanda que de él existe. El corazón de todo ha sido el artista. El que día a día, semana con semana, Sol o Luna, vive y le da vida al arte. Para el artista nuestro voto y agradecimiento.

El 2012 se ve bien. Cerca está la reinauguración del Teatro del IGA que tanta falta hizo durante el 2011. También abrirá sus puertas el hermoso teatro que Hugo Aldana ha construido en el Centro Histórico, en la 7a. avenida, adelantito de la catedral. Pero lo más importante es que habrá nuevas autoridades nacionales. Tenemos la esperanza que sean poseedores de la honorabilidad, energía y sabiduría que este país necesita en sus máximos guías. Les deseamos éxito en su función; para el bien de todos.

Durante el desarrollo del espectáculo se presentaron 13 números bailables donde predominó el jazz. Cinco de las coreografías fueron estrenos, creación de la norteamericana Meghan Way. Escenografía sobria, notable trabajo de luces que resalta el arte de los bailarines, quienes efectuaron 12 cambios de vestuario. Elegante y colorido. El cuerpo de danza lucía muy bien visualmente, bien coordinado. En las líneas las bailarinas patearon alto. No tanto como las Rockettes de Radio City, pero ya casi.

La historia

Diecisiete estampas teatrales relatan la historia de dos hermanitos representados por José Castillo y Marcella Escobar, que cuestiona el significado de la Navidad. Completan el elenco tres agradables bailarines cómicos. Mario Mendoza, Raúl Boiton y Kenneth Schellenger, que junto con dos simpáticos clowns, Ana Estrada y Kike Domínguez, pintan de humor la noche en la que un reno nariz brillante guía al trineo de Santa Claus desde el misterioso taller en el Polo Norte, donde se hacen juguetes para niños que se portan bien todo el año.

Procesión de chinchines, jovencitos y caparazones de tortuga, posada de Navidad recorre los pasillos de la platea antes del gran final: una muy bien lograda estampa del nacimiento del Niño Dios.

Este es uno de los espectáculos más elaborados durante esta temporada. Su puesta en escena es resultado de una fuerte inversión económica y arduo trabajo. Rumores tras bambalinas sugieren que el año entrante habrá nueva historia. Desde ya es recomendable apuntar en la agenda del 2012: segundo fin de semana de diciembre, Navidad fantástica. Teatro Nacional, Producciones Saravandah.

El 15 y 16 de diciembre últimos se presentaron en concierto en el salón de convenciones Ilumina, zona 10. Orquesta, coro, ensamble de guitarras y de pequeños violinistas causaron admiración y orgullo con su actuación. Guitarras, notas cristalinas, timbres bien diferenciados, ritmo que anda con agradable calma, entradas a su tiempo, faltó quizá una proyección más audaz.

La orquesta: adolescentes y jóvenes universitarios. Predominan en número las mujeres. Ellas usan güipil con bordados de serpientes —kumatz’in—, flores, kotz’ij y aves sobre un fondo rayado vertical, tejido en telar de cintura. Faja, corte azul tirando a celeste. Aretes de fantasía, zapatos de cuero, unas con calcetas, otras con generoso tacón. Hombres con camisa blanca, pantalón oscuro y zapatos negros. Comenzaron con el Danzón de Márquez, prosiguieron con Noche de luna entre ruinas. La orquesta suena bien, tiene sus muy comprensibles resbalones, pero suena bien. Corleto la conduce con cariño de padre y mano de maestro.

También se presentaron en el escenario los niños del proyecto Suzuki, acompañados de su maestra Rubidia Boror. Interpretaron Venid pequeños niños y Navidad, Navidad. Estos chicos empiezan su aprendizaje musical a los 3 años de edad. Casi coincide con la asimilación del lenguaje materno, haciéndolo más fácil. Ese es el método Suzuki (1950).

Entonces, siguiendo el toque de un redonblante, las jovencitas del coro entraron cantando El niño del tambor .

Voces que sin esfuerzo alcanzan brillantes tonos altos. Interpretaron piezas navideñas. Comenzaron a despedirse con Luna de Xelajú y terminaron de hacerlo con el emotivo Aleluya, de Haendel. El concierto duró un poco más de dos horas. Pasaronvolando.

Tangos, milongas y chacarreras, baladas de amor y cantos de revolución llenaron el acogedor local. Te recuerdo Amanda, Ojos azules, Soneto a Matilde, música de autoría propia. Poesía cantada por varoniles voces (tres tenores, un barítono y un bajo), que en feliz polifonía desgranaban el pentagrama y soltaban las notas al aire… “golondrinas de un solo verano con ansias de tierras lejanas, tu solo destino es siempre volar”.

Hay personas que al volverse viejas pareciera que dejan de ser humanos. Se les pierde la ilusión, se vuelven incapaces de soñar. Ellos son todo lo contrario, lo único que han hecho es pintar con nostalgia nuestros falaces sueños de juventud y tratar de mantenerlos vivos cantando en voz en cuello. ¡Adelante! ¡Pueblo unido, jamás será vencido!

En los instrumentos esa noche, el Pombo fue el corazón, dos guitarras españolas (o argentinas), el cuerpo. La dulzura la dio la flauta. El ritmo la clave, y la alegría el charango, instrumento de cuerdas entorchadas que tiene como caja de resonancia la caparazón de un armadillo.

Alejandro, Ariel, Rodolfo, Santiago y Eduardo pusieron las voces, los recuerdos y el corazón. Trova memorable.

Participaron el grupo Amigos de la Marimba de Carchá y los coros y Orquesta Sinfónica Juvenil Municipal.

Al mismo tiempo el evento constituyó el lanzamiento de un programa incluyente de educación en las Verapaces.

Con base en práctica

Los niños bailarines, Amigos de la Marimba de Carchá, integran un grupo fundado hace 12 años que tiene gran demanda y que ha actuado en los cuatro puntos cardinales de la Nación.

Ellos bailan todos los ritmos que las marimbas tocan: vals, foxtrot, 6 x 8, charleston, danzón, merengue, son, etc.

Las danzas que ejecutan no son de gran sofisticación, pero el lugar se transforma en un gran salón de fiesta.

Las maestras fundadoras no han tenido formación académica en ese campo, pero su entusiasmo, inteligencia y gracia natural las ha llevado a desarrollar un espectáculo de gran aceptación que suple cualquier carencia en términos de teoría escénica o dancística.

Los movimientos ágiles, los giros y la alegría con que los niños ejecutan cada presentación lleva impregnado un profundo amor por la Patria.

San Pedro Carchá, Alta Verapaz, es puerta de entrada al norte del país; el lugar es famoso por sus trabajos en plata. También lo es por la fabricación de marimbas. La Patzunera, elegante marimba propiedad del distinguido maestro Byron Santizo, que puso el hormigo en la Plaza Central, fue fabricada en Carchá, con preciosas maderas locales.

¿Y Por qué bailan?

Los bailarines danzan en parejas, 12 para ser exactos. Ellas, alegres como campanitas de cristal. Ellos, rectos y flexibles como tronco de cedro joven. Bailan abrazados, nunca se separan. “¿Por qué bailas?”, le pregunté a Andrea Cuéllar, linda chiquilla de 9 años de edad. “Porque bailando soy feliz”, respondió con una sonrisa que le venía del corazón.

Este conjunto no cobra por sus presentaciones. Vive del amor a la marimba y a la danza de todos sus integrantes y por el tesonero trabajo de Irma Ruiz y Sandra de Fuentes.

Vestuario

Hay mestizaje de estilos. Usan el corte plisado, como se hace en las Verapaces; el güipil es bordado con flores características del área, pero también hay fragmentos propios del altiplano.

Hay monocromía intencional: corte y güipil del mismo color, cada quien el color de su gusto, lo cual es una tendencia posmoderna. Usan chachales de monedas de plata y aretes de alambre con baño plateado.

Los hombres llevan pantalón negro y camisa sin cuello elaborada con la misma clase de tela del corte de su pareja. Hay asimetría de género: ellos usan zapatos de cuero negro; ellas, caites de cuero crudo.

Orquesta Juvenil

Llegó el turno de participar a los coros y orquesta juvenil. Iniciaron su actuación con O Fortuna, la rueda de la Fortuna de Carmina Burana, genial obra de Karl Orff, Múnich, 1937.

Esta maravillosa composición tiene una melodía simple que se repite y repite y va adquiriendo una fuerza tan grandiosa como la de una mar brava que se estrella contra un impávido acantilado. Es hedonismo, primitivo y fantástico. Las palomas de la Catedral volaban nerviosas ante aquel avasallador sonido.

Cambiaron a música sacra. El Aleluya, fragmento de El Mesías, de Haendel; Gloria y prosiguieron con música ligera.

La obertura Guillermo Tell, de Rossini; el Danzón No.2, de Márquez. Concluyeron con un exquisito arreglo de Luna de Xelajú, que fue cantada por el tenor David Ávalos, acompañado por los coros. Ovación y las palomas de la Catedral al aire de nuevo.

Nota final

Sabido soy de que a la Plaza Central de Guatemala se le denomina Plaza de la Constitución. Así es. Ese es nombre de casada. Pero su nombre de pila, con el cual nació y creció es Central, y todavía hay tanta gente que prefiere llamarla Plaza e incluso Parque Central.

Esta entrevista se hizo a través de preguntas concretas, bien pronunciadas, para permitirle leer los labios. Su gran sueño es tener una familia y ayudar a más niños.

¿Sabe la razón de su discapacidad?

Soy hipoacústica desde que nací. No reaccionaba a los 4 meses de edad, pero hasta los 2 años y medio, en el IGSS le dijeron a mi mamá que yo era sorda.

¿Cuándo se dio cuenta de que era diferente?

A los 12 años paso a colegio de oyentes.

¿Antes a dónde iba?

Al Jardín Infantil para sordos Rodolfo Stahl, y luego a la escuela Fray Pedro Ponce de León —del Benemérito Comité Pro Ciegos y Sordos—.

Habla con facilidad, ¿cómo aprendió?

Mi mamá. Eso mismo hago con mis alumnos. Mi mamá recibió cursos de estimulación y todos los días practicaba con ellos los sonidos, y mediante señales fui comprendiendo.

Usted es maestra, ¿fue fácil estudiar?

Fue mi sueño de niña, porque quiero ayudar a muchos niños. Vi a otras maestras y me gustó. Me costó. Estudiaba sentada en primera fila, pues así podía leer los labios y ver el pizarrón. Me gradué hace cuatro años.

¿Qué es lo que más le gusta hacer?

Ayudar a otros niños sordos como yo, a bailar y enseñar a las niñas.

La vimos bailar en el Festival de Talentos en el Teatro Nacional, ¿cómo aprendió a bailar tan bien?

Uso un aparato en el oído izquierdo —lo señala, como si fuera parte de ella—. Oigo la música y cuento los pasos, aunque no logro distinguir voces. Podría llegar a hacerlo con un implante que se hace dentro del oído, pero la operación es carísima. Cuesta cientos de miles de quetzales.

¿Cómo enseña a un niño con sordera?

Primero trabajo con vocales: con su mano en mi cara hago el sonido, para que sientan. Esta es la rutina diaria basada en los métodos oralísticos que se aplican hasta que el niño emite el sonido deseado y lo sienta en su cuerpo.

¿Cuánto tiempo lleva?

Dios mío, si se ponen pilas es muy rápido.

¿Qué la hace feliz?

Ver que mis niños responden.

¿Cuál es su sueño?

Ir a la universidad. Ya lo intenté una vez, pero desistí porque no hay facilidades en el país para los discapacitados. También se hace difícil debido a la situación económica. Me gustaría contribuir más con mi país.

La obra traducida al español por Carmen Matute y Adrián Lorenzana es presentada por medio de títeres, en la modalidad de teatro negro.

Nueve artistas se encargaron de manejar los títeres y las voces fueron dobladas por los guatemaltecos Celia Recinos, Nelson Leal, Josué Morales, Sofía Comparini y Alejandro Vidal.

El excelente trabajo de grabación, escenografía, luces y elaboración de títeres fue desarrollado por guatemaltecos, en el cual destaca la participación de la Compañía Armadillo. Tartaglia supervisó la producción, que estuvo a cargo de Donna Drake.

Mundo submarino

La historia se desarrolla en el fondo del mar. El trabajo de luminotecnia hace creíble el ambiente donde tres simpáticos pececillos encuentran el mapa de un tesoro y se van en pos de él.

En su periplo viven múltiples aventuras. El espectáculo hace viajar la imaginación y entretiene a todos. A los bebés los atrae con el continuo movimiento de los coloridos personajes elaborados por las artísticas manos de Guillermo Santillana, de Quezaltenango.

A los más grandecitos los emociona vivir lo que están acostumbrados a ver en la televisión. A los mayorcitos les pasa múltiples lecciones de vida, y a los adultos nos mantiene embobados mientras observamos la impecable técnica que usan en su teatro negro.

Funciones

La obra de 55 minutos continuará presentándose todos los domingos de julio, a las 11 y 16 horas. La admisión es de Q60.

La presentación fue creativa y fluida, con constantes cambios de ritmo e intensidad. La actuación, muy buena; involucró al público en la trama, que si bien no es lineal, tuvo la suficiente coherencia para mantener la atención.

El trabajo de Martínez Peláez usó como materia prima La Recordación Florida, de Francisco Antonio de Fuentes y Guzmán (1643-1700), de la cual hace interpretación histórica que en varios temas queda únicamente como hipótesis. En esta obra teatral parece que la toma como la verdad absoluta. Reiteradamente se enfatiza lo negativo, sin conceder nada a lo bueno. Todo es malo, todo es negro. Visión radical que pudiese ocultar intenciones aviesas: justificación subconsciente de fracasos personales, sentimientos de inferioridad. La obra sería muy buena si en lugar del trillado echar culpas se buscase estrechar manos. Esta patria nuestra tiene sed de paz. De confrontación ya fue suficiente.

Me muero

Mátenme porque me muero es una fina parodia de El enfermo imaginario, de Molière (1622-1673), que está en escena los sábados en el Restaurante Conceptos, zona 10. Teléfono: 50834621.

Siete comediantes de buen desempeño escénico guiados por Erika Urízar le dan vida a la historia, que es una dura crítica a la forma tan comercial como algunos médicos ejercen su relación con el paciente. Abusan de la confianza depositada en ellos y manipulan los temores naturales del enfermo y lo convierten en una fuente inagotable de dinero. Es una obra clásica tratada con la liviandad que impone el café teatro.

Con ganas de pelear

La Olla, obra de Plauto, ciudadano romano (254-184 a de C), adaptada por la Compañía Teatral Centauro, es presentada los fines de semana de junio y julio en la UP, con el título Con ganas de pelear.

Comedia cuya trama gira alrededor de una olla llena de monedas de oro. Mantiene el interés de la audiencia durante la 1.20 horas que dura la acción. Hay amores y egoísmo, solidaridad y avaricia. Si a esto le agregamos la actuación simpática y creíble de 11 actores en clave cómica, dirigidos por Fernando Juárez, tenemos un buen espectáculo de teatro clásico que deja trabajar a las neuronas de los lóbulos frontales.

Crítica

Conjunto de opiniones vertidas sobre cualquier asunto. En el arte juzgamos la belleza, la verdad y la bondad de las obras. Carpe diem.

Un enfoque diferente, no usaron pastores de tierras lejanas sino de nuestras montañas, seres que buscan el camino y se cansan siguiendo la estrella. Con bondades y debilidades, seres que se aman, ayudan y regañan, tan humanos como nosotros. Siete actores jóvenes dirigidos por dos profesionales mexicanos que saben de teatro y poseen una sana mente empresarial.

Espectáculo sabroso de ver. Una historia bien relatada, cantada con voces potentes y educadas. Actúan para complacer al público, no para manipularlo. Dirección, Claudia Aline. Elenco: Francisco Marín, Jorge Laguardia, Roberto Molina, María José Terraza, Érick Frías, Fiorela Mellini, Zonil Marroquín y Carlos Rivas.

Corazón

Navidad en el corazón, comedia musical puesta en escena por Abba Proyectos en Solo Teatro, jueves de diciembre. La obra, una creación de Becky Son, tiene mensaje claro: retomar el calor familiar de las navidades, promover lo espiritual sobre lo material. Ponen a diecinueve nóveles artistas en el escenario. Parlamentos sencillos, coreografía básica. Vestuario bien intencionado, de recursos medidos. Escenografía, modesta. Iluminación, mejorable.

Por otro lado, la voz y presencia escénica de Becky, es muy buena. Así como las actuaciones de Billy Lemus, David Salguero y Daniel López, quienes introducen credibilidad y simpatía en el escenario. Es una primera presentación del grupo. Pasa la prueba.

La mejor

Luego de haber visto variedad de expresiones artísticas este fin de año en diferentes escenarios del país, creo que la mejor de todas fue la presentación de la Escuela Municipal de Danza Clásica, dirigida por Reyna Silva. Su propuesta estética en el monumental Teatro Nacional, de originales y bien logradas coreografías, fue acompañada por la Orquesta Sinfónica Municipal bajo la dirección del maestro Bruno Campo y los coros juvenil e Infantil a cargo de Julio Julián y Lucía Quintana.

El espectáculo fluido, de excelente nivel técnico y disciplina en sus diferentes cuerpos de danza. Programa balanceado, con el corazón en Guatemala. Incluyó danza clásica y moderna, contando una historia bien hilvanada de tradiciones de la época: barriletes, quema del diablo, posadas, procesión de la Virgen de Concepción, convites en la plaza. El público lo entendió fácilmente y lo gozó. Fue espontáneo y generoso con las palmas que alcanzaron el nivel de ovación. A la salida del teatro todos se veían contentos. Brillante futuro se vislumbra para el arte nacional en el amanecer de una nueva década. ¡Feliz año pues!

En el 2010 el público pudo apreciar más de 175 actividades escénicas, entre dramas, teatro para niños, comedias y musicales.

La calidad de los trabajos presentó un buen nivel, ya que la mayoría fue excelentes, aunque no se puede ocultar que, unos pocos, tuvieron deficiencias evidentes. En el ambiente se pudo apreciar compromiso, juventud, capacidad y perseverancia.

Lo interesante es que los montajes se desarrollaron en más de 33 escenarios, lo que demuestra que la creatividad de los artistas no está limitada a las salas convencionales, sino que apuestan por espacios alternativos para expresarse.

Destacados

En el Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, también conocido como Teatro Nacional, se llevaron a cabo importantes actividades dramáticas, como el IV Festival Nacional de Teatro, en marzo último, en el cual se presentaron grupos nacionales y extranjeros. Tres viejos mares y Sentado en un árbol caído fueron algunos de los montajes más representativos de dicha actividad.

Otra de las representaciones que llamó la atención fue: Las Poderosas —en noviembre recién pasado—, una interesante propuesta escénica que narraba la fuerza interna de un grupo de mujeres que decidieron sanar las heridas que les había causado la violencia física y emocional.

En cada una de las presentaciones que se efectuaron en dicho recinto cultural siempre hubo limpieza y calidad técnica, lo que pone en evidencia la importancia del buen funcionamiento de esta joya arquitectónica del maestro Efraín Recinos.

El Teatro de Bellas Artes demostró que puede ser un espacio con mucho movimiento artístico. En este edificio estuvo en temporada Los Fantoches, en octubre, de la Compañía Nacional de Teatro, y también se efectuó la Primera Muestra Centroamericana de Teatro.

Nicola Segatta, violonchelo; Jennifer Rende, viola; Miguel Cueto, violín, y Giuseppe Nova, flauta, músicos de primer orden en el escenario mundial, Interpretaron a Mozart, Rossini y Haydn. Cada instrumento colaboró en la fiesta. A la derecha el chelo, con sus notas gruesas, extendidas con elegancia, hacía base. A la par, la viola; en cadenciosas ondas amalgamaba la música. Y más para acá, el violín, enérgico, quería dirigir. A la par tenía a la flauta, que reía y hablaba de todo, empezando y cambiando conversaciones. Una memorable noche, y es que no hay música sin Italia, ni Italia sin música. Boun Natale.

Fantasía Bob Porter

Musical de calidad, Bob Porter presenta en la monumental Sala del Teatro Nacional, apoyado por conjunto “Big Band” de increíble sonoridad. Trompetas, saxos y trombones con reverberante percusión. Cantantes y coros impecables, entusiastas, alegres. Cuerpo de baile enérgico. Mujeres bellas, de sonrisa permanente, torneadas piernas de educada sincronía. La acción teatral un tanto moralina. Escenografía fina, elegante. Vestuario, se lució el sastre. Iluminación, áreas oscuras ocasionales. Amplificación, excelente. Notoria la buena dirección.

Catorce números basados en música navideña, con muñecos de nieve, duendes, niños, renos y soldados de plomo. El público fue tomado en cuenta y riendo participó en la acción. La producción fue de Karina Flores y Patricia Rosenberg, de la compañía Saravandah.

Bel Canto

María Elena Bendix y su esposo Werner Seidl, ciudadano suizo, forman linda pareja que vive en San Pedro El Alto. Gozan el arte y es tradición de estas épocas organizar un concierto de bel canto en su casa.

Este año, en el área musical, Luis Felipe Girón May y nueve de sus alumnos, entre los que estaban German Merino con su potente voz de barítono; Karla Noak, soprano coloratura; Héctor Rivera, con su desenfadada presencia escénica; Jaime Arimany, columnista de este diario, le puso ganas. Otras voces que hicieron vibrar el salón fueron las de Agnes Kretzchmar, Daniel Barreda, Verónica Lottmann, Carlitos Ramírez, acompañados al piano, un bello Bluethner media cola de 1888, por Heber Morales.

Al inicio del programa, Händel, Rossini, Agustín Lara, Mozart, Schubert y Verdi. Conforme declinó la tarde, comenzaron los villancicos, de Adeste Fidelis a Noche de paz. Jornada de música, esmerada anfitriones y añejos cariños, a los pies del Hunahpú.

En la última función —12 de diciembre— la compañía Nacional de Ballet acompañada por alumnos de las escuelas Nacional, Municipal y privadas, mostraron un esfuerzo meritorio de un nivel de ejecución muy bueno.

Composición

Se trata del más popular de los ballets clásicos. El relato se centra en la celebración de la Navidad, con regalos, muñecos, títeres, mundos de fantasía, bailes rusos, árabes, españoles, copos de nieve y más. Este ballet, con música de Tchaikovsky, está basado en una obra de Alejandro Dumas —padre—, en la versión del cuento El Cascanueces y el rey de los ratones, de Earnst Hoffman; adaptación, a su vez, de un cuento de Dickens. Se estrenó en el Teatro Mariinsky, de San Petersburgo, Rusia, en 1892. Su primera coreografía se le atribuye a Marius Petipá, aunque podría ser de Lev Ivanov. Sale de ese país en 1927 al Teatro de la Ópera de Budapest. En 1934 lo presentan por primera vez fuera de Rusia, en Inglaterra. En 1944 se estrena, en San Francisco, EE.UU. A Nueva York llega en 1954 y en pocos años se convierte en el ballet clásico más popular del mundo occidental y en una tradición de las festividades de fin año, de la cual Guatemala es partícipe.

El eje de la noche fue el Coro de la Sociedad Guatemalteca, compuesto por 31 sopranos, 28 contraltos, 16 tenores y 26 bajos. Un buen grupo de ellos ha cantado por años en la Union Church. También participaron como solistas la soprano J. J. Hobbs, la mezzosoprano Liz Cass, el tenor Sam Lowry y el barítono Carlos Cardona.

La sinfónica y los coros fueron dirigidos con elegancia por Debby Lytlle, directora de Música del Colegio Maya. El escenario fue sobrio, blanco y rojo, con un “toque” navideño. El coro estuvo sólido, rotundo y enaltecedor.

Los solistas lideraron a paso firme el andar de la música. Esa noche se presentaron las primeras dos partes del oratorio.

Complementaron el programa con ocho villancicos de diferentes culturas, incluyendo uno del guatemalteco Felipe Ortega.

Fue notoria la formalidad con que el público vistió. El traje oscuro fue la tendencia que predominó en los hombres y vestido formal y joyas discretas en las damas.

En la actividad se interpretó música contemporánea en las voces de Herman May, Maritza Estrada, Sergio Iván, RebeSalsa y Luis Urbina. El conjunto formado por 11 músicos, bajo la dirección del maestro Nery Campo, fue reforzado con siete filarmónicos invitados.

“Yo soy Guatemala” dijo a viva voz la cantante Tanya Zea cuando recibió el homenaje que le brindó la Procuraduría por su vida artística, que le cantó a la vida mientras la patria moría en guerra ajena. El público aplaudió contento, aprobando la moción. ¡Tú eres Guatemala!, Tanya Zea.

Entre los homenajeados por el procurador de los Derechos Humanos, Sergio Morales, estuvo María Mercedes Girón de Blank, presidenta de Prensa Libre.

El eje de la noche fue el Coro de la Sociedad Guatemalteca, compuesto por 31 sopranos, 28 contraltos, 16 tenores y 26 bajos. Un buen grupo de ellos ha cantado por años en la Union Church. También participaron como solistas la soprano J. J. Hobbs, la mezzosoprano Liz Cass, el tenor Sam Lowry y el barítono Carlos Cardona.

La sinfónica y los coros fueron dirigidos con elegancia por Debby Lytlle, directora de Música del Colegio Maya. El escenario fue sobrio, blanco y rojo, con un “toque” navideño. El coro estuvo sólido, rotundo y enaltecedor.

Los solistas lideraron a paso firme el andar de la música. Esa noche se presentaron las primeras dos partes del oratorio.

Complementaron el programa con ocho villancicos de diferentes culturas, incluyendo uno del guatemalteco Felipe Ortega.

Fue notoria la formalidad con que el público vistió. El traje oscuro fue la tendencia que predominó en los hombres y vestido formal y joyas discretas en las damas.

Van siete años de gozar de esta magistral obra, gracias al trabajo entusiasta y eficiente de Betty Whitbeck, que en unión de su familia y amigos hace este aporte a la cultura nacional. El eje de la noche fue el Coro de la Sociedad Guatemalteca, compuesto por 31 sopranos, 28 contraltos, 16 tenores y 26 bajos. Un buen grupo de ellos ha cantado por años en la Union Church. Participaron como solistas la soprano J.J. Hobbs, la mezzosoprano Liz Cass, el tenor Sam Lowry y el barítono Carlos Cardona. La sinfónica y los coros fueron dirigidos con elegancia por Debby Lytlle, directora de música del Colegio Maya.

El escenario, sobrio, blanco y rojo, navideño. El coro, sólido, rotundo, enaltecedor. Los solistas, cálidos, liderando a paso firme el andar de la música. Esta noche se presentaron las primeras dos partes del oratorio. Complementaron el programa con ocho villancicos de diferentes culturas, incluyendo uno de nuestro Felipe Ortega. Notoria la formalidad con que el público vistió. Traje oscuro fue la tendencia para los hombres, y vestido formal y joyas discretas en las damas.

El oratorio

El oratorio es un género musical del Barroco. Todas las religiones han usado la música como método de difusión. Los protestantes que se iniciaban abandonaron la música de Roma y tomaron para sí la barroca, que enfatiza las emociones y hace amplio uso de la homofonía.

Sus composiciones, basadas en textos del Antiguo Testamento, utilizan el lenguaje autóctono de las diferentes regiones.

Georg Freiderich Handel, nacido en la región de Brandeburgo, Alemania (1685), fue autor prolífico y gran empresario. Su formación musical la hizo en la península itálica, y su vida profesional la desarrolló en Inglaterra. Compuso 46 óperas. Cuando la demanda en esa rama disminuyó, se reinventó como compositor de oratorios. Le fue muy bien; compuso 26. El Messiah, basado en textos recopilados por Charles Jenseen, lo armó en menos de un mes, entre agosto y septiembre de 1742. Lo que se celebra en ella es la resurrección de Cristo. El apoteósico Aleluya que lo identifica lo escucha el público respetuosamente de pie. Una de las características del Messiah es la gran cantidad de versiones que de él se han hecho. El mismo Handel hizo varias, pero el glorioso Aleluya se mantiene inmutable.

La juventud se hizo presente en el área de maniobras, frente a la tribuna del Campo de Marte.

Colores, ritmo y disciplina se conjugaron durante la presentación.

La Escuela Militar de Música, cuya banda inició el desfile, tiene una historia de 136 años. Participaron 16 grupos.

EXCELENCIA MUSICAL

La presentación de bandas marciales juveniles se efectuó el 12 de septiembre en el Centro Cultural Miguel Ángel Asturias. Participaron: la banda del colegio San Sebastián, fundada hace 70 años y la del Colegio Mixto Belén, de la Florida, fundada hace 52. La calidad musical fue excelente.

Inició con la enérgica obertura El Carnaval Romano, de Berlioz, la cual encendió el ambiente e hizo que el maestro Anleu, director invitado, se luciera. Siguió Andante Spianato y Gran Polonesa, de Chopin. El genio compuso La Polonesa en 1830, cuando tenía 20 años. Cuatro años más tarde le agregó el Andante Spianato; este es sólo para piano y fue interpretado de forma brillante por Milton Baldizón.

La tercera obra fue La Inconclusa, de Schubert. La música que nacía en el escenario navegaba en redondas ondas por la sala. Las notas venían vivas, el público dejó de ser y se volvió música también. Y concluyeron con Les Preludies, de Liszt, que inicia con una tierna melodía, luego el Allegro Tempestuoso seguido por un Allegro Pastoral y concluye con un trepidante Allegro Marzialle, que hace trabajar a los timbales.

Alborada Operática

Jazmina Jaeckel de Aldana, directora cultural de la Von Humboldt ayuda al desarrollo artístico de Guatemala. El 25 de agosto promovió en la sede de la Asociación una velada operática con una nueva generación de cantantes. Jóvenes alumnas de Bárbara Bickford, Karin Radermann y de la Galileo.

Gaby Fernández, Adriana González, Ninette Pérez, Ana María Molina, Sophia Díaz y Sara Diéguez cantando arias en italiano y alemán. Distintos estadios en el desarrollo de sus voces. Para poner estándares, Jazmina presentó cantantes con más experiencia, Paulina Monroy, exquisita voz. María José Morales, voz serena, experimentada, y para cerrar, el tenor Mario Chang, que se lució como en noche de estreno. La velada fue acompañada al piano por el maestro Hugo Arenas.

Fue una gran ocasión para dar a conocer a nuestras jóvenes cantantes y brindarles exposición escénica. Es el logro de alguien que con entusiasmo trabaja por el arte de Guatemala.

Mi Naranja

Luis Galich estrenó el show musical en el Stage Club, Gran Plaza, salida a El Salvador, el 26 de agosto. Apela a los recuerdos de la generación de la cual fue ícono del romance. Abrió con boleros y siguió con Sinatra. Pasó por Tom Jones y llegó a las italianas inolvidables, Al Di La (Más allá), Volare, hasta llegar a Andrea Bocelli y regresó a los boleros. La Mitad de mi Naranja la interpretó con su guapa hija Natasha, y la nostalgia alcanzó su clímax con Vuestros pies.

Luis, pelo blanco e inusual corpulencia, lució su privilegiada voz de tenor. Hay decires en el aire de que este concierto no es más que poner la mesa para presentaciones semanales.