“Alicia   podrá no ser mi vecina, pero sí vivo en el país de las maravillas”, dice nuestro lector, quien captó esta bella imagen en la Ciudad  de Guatemala.

Inolvidable imagen del alba, captada en la Ciudad  de Guatemala.

Basada en el libro del mismo nombre, escrito por Northup, la cinta 12 Years A Slave es la puesta en escena, sin concesiones, de la crueldad con la que eran tratados los esclavos en Estados Unidos. Terrorífica fotografía de los campos de caña y algodón, de las condiciones en las que vivían y del abuso de los capataces y los dueños de las tierras.

Es un filme crudo, no podía ser de otra manera, en el que la habilidad del director se nota en los estáticos primeros planos, que permiten a los protagonistas explotar toda su capacidad de interpretación. Está diseñado para que los protagonistas se luzcan.

Dos actores sobresalen: Chiwetel Ejiofor (Solomon Northup) y Michael Fassbender (Edwin Epps). Ambos llenan la pantalla y se complementan en las escenas de mayor dramatismo. Para Ejiofor es la mayor oportunidad que, hasta ahora, se le ha presentado en el cine y la aprovecha de buena forma, demostrando que tiene oficio para interpretar papeles difíciles, su trabajo es conmovedor, sin caer en la sensiblería. Fassbender es un actor de demostrado talento, acá se vuelve a poner a las órdenes de McQueen, y crea un personaje macabro.

12 Years A Slave es una gran película, a la que se le puede reclamar que hacen falta detalles en la construcción del personaje principal, algo que ayude a entender cómo fue su vida previa al secuestro. También el director falla el momento de narrar el final, pues trae un relato pausado y de repente todo se resuelve fácil y apresuradamente.

En la carrera por los premios, este filme aparece como firme candidato para ganar todo; quizá así sea, pues es una cinta realizada con ese fin. Nominaciones aparte, es un valioso aporte a la memoria colectiva, en la que las atrocidades cometidas por el hombre contra el hombre todavía suelen negarse.

La avaricia es el motor que mueve a muchos seres humanos. El deseo de poseer bienes materiales está presente en todos, en mayor o menor medida; aunque hay algunos que no llegan a manifestarlo de manera enfermiza, es innegable que cuando de conseguir riquezas se trata es fácil perder los escrúpulos.

El capitalismo voraz practicado en Estados Unidos, y en otros países desarrollados, ha tenido su máxima expresión en la bolsa de valores. En Wall Street unos pocos han amasado fortunas, mientras muchos más han sido estafados. A finales de la década de 1980, las casas de bolsa eran la puerta de entrada a un mundo de fantasías, en el que muchos jóvenes estadounidenses ganaron y despilfarraron grandes cantidades de dinero. Animados por el indetenible flujo de efectivo, gastaron a manos llenas todo lo que les ingresaba: sexo y drogas en exceso fue la consigna.

De aquellos años hay muchas historias, la de Jordan Belfort es una especialmente grotesca. Belfort llegó a Wall Street con el deseo de hacerse millonario, pero la suerte lo llevó por distintos caminos, que al final de cuentas lo regresaron al mismo lugar. Sucede que sus primeros días en la bolsa coincidieron con el desplome de finales de la década de 1980, cuando muchas casas quebraron y tuvieron que cerrar, dejando desempleados a gran cantidad de corredores.

Desanimado porque su sueño de ser corredor había quedado frustrado, se dedicó a buscar otro empleo, pero el destino es el destino, y encontró uno en un lugar que se dedicaba a vender acciones de empresas que las vendían por centavos. No era Wall Street, pero el producto a vender era el mismo y la posibilidad de ganar dinero también. A partir de ahí, Belfort entró en una veloz carrera en la que se aprovechó de muchos, estafó a miles, acumuló millones de dólares y se hizo rico, él y sus socios.

Martin Scorsese, ese genial director que cada tanto bucea en las cloacas estadounidenses, adaptó la historia al cine y le puso por nombre: The Wolf of Wall Street. Protagonizada por Leonardo DiCaprio, la película constituye una brutal puesta en escena del ascenso y caída de Jordan Belfort. Haciendo gala de un histrionismo que llega al arte, DiCaprio da vida a un personaje lleno de matices y logra una actuación memorable. El desborde de energía para representar a un tipo que lleva una vida frenética es inmenso. Todas las caras de la avaricia y la lujuria en una sola persona.

En el papel de soporte actúa Jonah Hill, ese actor con libras de más que en sus inicios realizó comedias para el olvido, pero que ha madurado y con ello ha logrado buenas interpretaciones. Hill personifica a Donnie Azoff, el socio de Belfort. Su actuación es sobresaliente, tomando en cuenta que no se deja apabullar por DiCaprio. Entre ambos dan vida a dos personas comunes, quienes guiados por la ambición se hicieron millonarios.

Narrado a ritmo de carrera de Fórmula 1, el filme es la representación de ese capitalismo voraz, al que no le importa aprovecharse de cualquiera para acumular y acumular riquezas. Scorsese muestra, sin caer en la doble moral, cómo las personas son capaces de degradarse y degradar a otros. Ante el ofrecimiento de recibir grandes cantidades de dinero cualquiera es capaz de hacer lo que le pidan.

La cinta pone en evidencia que la avaricia funciona en dos vías, tanto el estafador como el estafado son avaros y codiciosos, ambos quieren ganar dinero fácil y ser ricos; pero el primero tiene claro que para acumular riqueza hay que aprovecharse de la avaricia, devenida en ingenuidad, de los demás.

Es una película que no da tregua. Casi tres horas de metraje en los que el director bombardea con imágenes estrambóticas e increíbles, pero que todas son producto de una historia real.

La acción se inicia a partir de que Tintín compra un pequeño barco, previo regateo, en un mercado callejero. Resulta que la nave es pretendida por otras personas, quienes ofrecen al periodista más dinero del que pagó; de inmediato entiende que el recién adquirido juguete es especial, y se niega a venderlo. En efecto, algo se esconde en el navío, y los interesados no pararán hasta obtenerlo.

Se trata de la clásica historia de resolución de un misterio, en donde el héroe hace gala de su valentía e ingenio para adelantarse al villano de turno. La cinta conserva el espíritu de las tiras cómicas que aparecieron a partir del segundo tercio del siglo XX; de hecho, el cómic original circuló entre la década de 1930 y de 1960.

La habilidad de Spielberg para crear productos de entretenimiento es innegable. Tampoco se puede negar que tiene la suficiente maestría para construir universos y conseguir que el espectador se sumerja en ellos.

A medida que el filme avanza aparecen personajes como el capitán Haddock, quien se convertirá en el personaje central del misterio; Zakharine, el villano; Hernández y Fernández, los detectives de la Interpol, quienes ayudarán a encontrar la solución; entre otros. No puede faltar, por supuesto, el fiel amigo de Tintín, el hiperactivo fox terrier Milú.

El secreto del unicornio es un festín de imágenes. Producciones como esta hacen que se agradezca la existencia de la tecnología 3D. La sucesión de escenas en tiempo presente y otras en flashback son capaces de producir en los mayores una especie de efecto Ratatouille visual, por medio del cual la imaginación se transporta a la infancia. Para los pequeños, o para quienes no estén familiarizados con Tintín, se da la posibilidad de ingresar en un mundo de entretenimiento y humor.

Al echar mano de todo su oficio, ayudado por la tecnología; apoyado en un excelente guión de Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish; y acompañado puntualmente por la música de John Williams, Steven Spielberg logra una película que vale la pena ver. Se estrena hoy.

La escritora chilena hace un intento honesto de adentrarse en la forma en que las mujeres, sin importar su nivel educativo y posición económica, perciben la vida. No hay maniqueísmos, ni imposturas en lo descrito; he ahí el mérito del libro. Tampoco es el retrato de tal o cual época, pero al utilizar como escenario el Chile de las últimas cuatro décadas, y en ocasiones más atrás, las menciones de Salvador Allende y Augusto Pinochet son inevitables. El denominador común en las historias es el sufrimiento frente a la vida, pero no es una novela pesimista; son testimonios ficticios de lucha, pero que fácilmente encuentran eco en la realidad. Se trata de un libro bien escrito, una visión madura de la existencia.

Esta situación se hace más notoria en el caso de las actrices. Julia Roberts, por ejemplo, esperó varios años para que su capacidad fuera reconocida.

Otras actrices como Meryl Streep, Susan Sarandon, Sissy Spacek y Jodie Foster, aunque no les ha sido fácil, el reconocimiento les ha llegado antes que por su apariencia, por su indiscutible talento.

La carrera de Nicole Kidman sigue el patrón descrito con anterioridad. En sus primeros años, entre 1983 y 1989, tuvo que conformarse con ser la chica bonita, la acompañante del ?galán? de turno.

En 1990, durante el rodaje de ?Días de trueno?, conoció a Tom Cruise, con quien se casaría ese mismo año. Su matrimonio duró once años, y al parecer, durante este tiempo, su trayectoria fue opacada por la de Cruise.

El divorcio llegó en 2001; según parece, tal suceso fue el detonante para que todo su talento pudiera ser mostrado. Debutó en el cine en 1983, pero no fue sino hasta 1995 cuando se le vio el que, hasta entonces, fuera su mejor trabajo: ?To die for?, cinta dirigida por Gus Van Sant.

Después vinieron varios años de silencio, durante los cuales protagonizó filmes que no llegaron a trascender, entre ellos: ?The leading man?, ?The peacemaker?, ?Practical magic?, ?Eyes wide shut?.

Sin embargo, recién fue en 2001, cuando sus apariciones en ?Los otros?, de Alejandro Amenábar, y ?Moulin Rouge?, de Baz Luhrmann, le ganaron el reconocimiento del ?gran público? y de la crítica especializada.

Uno de los rasgos más consistentes en las actuaciones de Nicole Kidman es la mirada.

Sus ojos le confieren la dureza necesaria para interpretar papeles tormentosos, pero al mismo tiempo transmiten malicia y picardía, como se le vio en ?Moulin Rouge?.

A partir de entonces no ha parado de trabajar. Sus interpretaciones han dejado ver que no le importa sacrificar la estética de su figura, si el resultado final será una gran actuación, como en ?Las horas?, el gran filme de Stephen Daldry, en el que su interpretación de Virginia Woolf requirió de una radical transformación física, al grado de quedar irreconocible.

Su trabajo fue merecedor de los principales premios, incluido el de la Academia.

En 2003 ha trabajado en varios filmes, pero son sus actuaciones en ?Cold Mountain?, junto a Anthony Hopkins, y en la nueva propuesta de Lars Von Trier, ?Dogville?, las que se anuncian como sus mejores logros.

Los críticos la empiezan a poner, una vez más, en la carrera por el ?Oscar?. Esperemos que pronto lleguen a las salas de cine locales las mencionadas producciones.

No importa que género sea, al final hay un común denominador: es el hombre mismo el que propicia su propia destrucción.

En cartelera se encuentra ?Exterminio?, título en español para ?28 days later?, película del no muy conocido director Danny Boyle, quien entre otros créditos tiene en su haber la fallida ?La playa?, cinta que no tuvo mayor resonancia en taquilla, a pesar de que su protagonista era Leonardo Di caprio.

El filme está elaborado sobre la base de un guión bastante trillado. Resulta que un grupo de eco-terroristas irrumpe en un laboratorio con el fin de liberar a los animales utilizados en los experimentos que allí se realizan.

El problema es que ellos no saben que algunos simios han sido infectados con un extraño virus que los transforma en bestias llenas de agresividad. El resultado es que al liberarlos, los simios atacan de manera inmediata al primer humano a su alcance, éste se contagia, y algunos segundos después ataca a otro humano y así sucesivamente, hasta infectar a casi todos los habitantes de Londres.

El personaje principal es Jim (Cillian Murphy), quien está recluido en un hospital. Cuando despierta, veintiocho días después, se encuentra solo, y en torno a su búsqueda de respuestas se desarrolla la acción.

El mérito principal de esta producción se puede encontrar en la fotografía, y de forma específica en las tomas de la ciudad vacía, pues el tono grisáceo que adquieren las calles confiere a la cinta una atmósfera fría y llena de incertidumbre.

La idea principal del guión es mostrar que en medio del caos creado por los humanos infectados, son los en apariencia sanos quienes se vuelven más violentos y peligrosos. Otro de los aciertos se encuentra en el manejo del suspenso. Se nota que el director maneja el género, lo cual se evidencia en la utilización de la cámara y la música, recursos utilizados para provocar sobresaltos en el espectador.

?Exterminio?, es una película llena de lugares comunes; ese es su principal defecto. Las referencias hacia títulos como ?Abre los ojos?, de Alejandro Amenábar; ?Señales?, de M.N. Shyamalan; ?La noche de los muertos vivos?, de George Romero, por mencionar algunas, y por supuesto al cine de Alfred Hitchcock, son recurrentes en todo el filme.

El balance final es desfavorable, pues los aciertos no llegan a compensar, por un lado, su falta de originalidad, y por otro, la falta de carácter de los protagonistas. Ninguno de ellos alcanza una buena actuación. Habrá que esperar, ojalá que no mucho tiempo, a que el buen cine llegue a las salas locales. Calificación 6.

Algún otro de Fernando Pessoa; escuchar, en soledad, Carmina Burana; ver una estupenda ejecución de Ronaldo, jugar una gran partida de ajedrez rápido y por supuesto, ver una gran película en el cine.

Cada cual tendrá sus gustos, para los cinéfilos la oportunidad de tener uno de estos momentos está en cartelera, la película es ?Las dos torres?, segunda entrega de la trilogía ?El señor de los anillos?, la adaptación de los libros de J.R.R. Tolkien que, para el cine, ha realizado Peter Jackson. Se trata de la colosal puesta en escena de una de las mayores fantasías que ha producido la literatura, conste que la narración de los eventos en el film difiere de la del libro; sin embargo, Jackson captura a plenitud la esencia de la obra de Tolkien y la traslada con total maestría a la ?gran pantalla?.

La historia adquiere una connotación distinta a “La comunidad del anillo”, acá los personajes han tomado rumbos divergentes, Frodo y Sam van camino a la tierra de Mordor, seguidos de cerca por la amenazadora figura de Gollun; Aragorn, Legolas y Gimli, van detrás de los Orcos que llevan cautivos a los otros Hobbits; Gandalf ha caído en el abismo; Merry y Pippin luchan para escapar de sus captores; Saruman ha reunido un multitudinario ejército y está listo para iniciar la guerra; Sauron aún no se revela, pero está a punto de recuperar todo su poder.

La cinta merece todos los elogios que se le puedan dar, pues su elaboración es impecable; desde los detalles técnicos, hasta las actuaciones, pasando por la fotografía, la dirección de arte, el guión, la música, en fin, todos los elementos necesarios para construir una obra de arte. Aunque no se puede hablar de un mayor o menor logro, es necesario mencionar que los personajes están tratados de manera excelente, pues no se diluyen entre la magnitud de los efectos especiales, Elijah Wood refleja en su rostro el peso que le provoca a Frodo ser el portador del anillo; Sean Astin (Sam el compañero de Frodo), es la personificación de la lealtad y la perseverancia; Ian Mackellen le confiere una enorme estatura a Gandalf; Vigo Mortensen (Aragorn), representa en toda su humanidad a los mortales; Orlando Bloom le da una elegante presencia a Legolas; John Rhys-Davies logra una vigorosa actuación como Gimli; Christopher Lee aporta toda su presencia a Saruman.

?Las dos torres? es una producción capaz de sorprendernos en cada escena, sin duda alguna estamos en presencia de uno de los mayores acontecimientos de la historia del cine, que desde ya nos deja la ansiedad de conocer el desenlace y con la duda de descubrir cual es la medida real de lo asombroso, habrá que esperar ?El retorno del rey?. Calificación: 10/10.

(Unos escritores son muy prolíficos; otros, por el contrario, sólo publican uno o dos libros y jamás vuelven a escribir uno de los casos más significativos al respecto es el de Juan Rulfo). Cuando esto sucede, es difícil encontrar una explicación. Los críticos, sin embargo, se empeñan en especular sobre las razones de este ?fenómeno? y gastan cientos de hojas en exponerlas; algunas veces el grado de profundidad alcanzado es tal que hasta llegan a descubrir ?el agua azucarada?.

Una película relacionada con el tema es ?Descubriendo a Forrester?, producción dirigida por Gus Van Sant y protagonizada por Sean Connery. La historia se desarrolla en torno a un joven prodigio, cuyo principal interés es ser escritor y quien por ?azares del destino? llega a encontrarse con William Forrester (Sean Connery), un veterano escritor que vive aislado de todos y de todo en su apartamento del Bronx.

Forrester es respetado y admirado a pesar de solamente haber publicado una novela en toda su vida. A partir de este encuentro nace una legítima amistad entre el viejo cansado de vivir y el joven que recién empieza a hacerlo. Cada uno de ellos descubre a través del otro la parte que tienen oculta y que finalmente da sentido a su existencia.

Por medio de la relación maestro-discípulo ambos enfrentan de manera eficaz sus temores: por un lado el temor a seguir viviendo, por el otro, el temor a ser distinto, el temor de no ser aceptado por los amigos.

El recurso que utilizan para lograr lo anterior es escribir, pero no realizan simplemente un acto mecánico, ellos escriben para llenar una necesidad prácticamente fisiológica. La cinta es una conmovedora historia sobre la amistad, el honor, la lealtad y el coraje para vencer los obstáculos que imponen los prejuicios de los demás.

Sean Connery ofrece una sobria actuación, distinta a los filmes de acción que suele realizar, sin mucho alarde logra crear un personaje convincente.

?Descubriendo a Forrester? no llega a ser un gran filme debido a que su argumento no es original, pues prácticamente es un calco de ?Good Will Hunting?, también dirigida por Gus Van Sant; quien repite la fórmula que antes le ganó el reconocimiento, tanto del público como de la crítica especializada; sólo que esta vez el resultado es distinto, puesto que acá la frescura se pierde, al tiempo que los personajes se vuelven estereotipados.

Sin embargo, a pesar del antecedente y del final al estilo ?Perfume de Mujer?, Van Sant logra un buen equilibrio entre argumento y actuación, por lo tanto no es difícil abstraerse de lo anotado y disfrutar de la cinta. Véala por HBO. Calificación: 7.

Este año Williams ha actuado en dos filmes distintos a los que acostumbra. El primero es ?Insomnia?. El segundo recién ha llegado a las salas de cine locales, se trata de ?Retratos de una obsesión?, título en español para ?One hour photo?. La cinta cuenta la historia de Seymur Parrish, a quien todos llaman, cariñosamente ?Sy?, él es el técnico operador de una máquina de revelado, ubicada en una pequeña tienda dentro un centro comercial. La película tiene muy pocos fallos, todos atribuibles al guión, estos se encuentran en el planteamiento y resolución de los conflictos, situación que hace totalmente previsible el desenlace; fuera de lo señalado todo lo demás son aciertos. La actuación de Robin Williams, por ejemplo, es formidable, aunque sería injusto decir que es la mejor de su carrera pues se menospreciarían sus trabajos mencionados al principio. Sí puede decirse que está muy cercano a serlo. Williams desarrolla un personaje sorprendente, no tanto por las acciones que realiza, sino por la credibilidad que le imprime al mismo, una gran conjunción de expresión facial y corporal que, en algunas escenas, se vuelve estática (me refiero a aquellas en las que adquiere forma de fotografía instantánea). Un mérito adicional es que el personaje no es violento, situación que otorga un carácter angustiante al ritmo narrativo.

Otro de los aspectos relevantes es el que se refiere a la dirección de fotografía. La mezcla de colores y los tonos que adquiere la iluminación crean una atmósfera fría y envolvente, todo de acuerdo al estado anímico de los personajes. En su conjunto, la fotografía ofrece una estética visual pocas veces vista; una perfecta integración de vestuario y locaciones. Nótese que en cada escena en la que aparece ?Sy?, el color de su vestuario está en total armonía con el color de los escenarios.

?Retratos de una obsesión?, dirigida por Mark Romanek, en su debut cinematográfico, es una de las mejores películas del año y representa una oportunidad para que la academia pague la deuda que tiene pendiente con Williams, otorgarle el Oscar sería justo.

Véala, se la recomiendo. Calificación: 9.

Promoción: a las primeras veinte personas que me envíen un correo electrónico les obsequiaré una entrada para ver ?Retratos de una obsesión? en Magic Place.

El cine actual produce una buena cantidad de comedias, pero la mayoría intenta hacer reír por medio de situaciones burdas y vulgares; lo cierto es que el cine de comedia ha decaído en los últimos años.

Los nombres que más suenan en la comedia actual son: Ben Stiller, Mike Myers, Chris Rock, Adam Sandler, Martin Lawrence, Dana Carvey, Tim Allen, por mencionar algunos; sin embargo, ninguno de ellos ha logrado tener continuidad, quizá el único sea Mike Myers, con sus absurdas y tontas comedias ?Austin Powers?; otros como: Robin Williams, Eddy Murphy, Danny de Vito, Jim Carrey, Billy Cristal, Dan Aykrod y Bill Murray, parecen haber concluido su ciclo, o bien han dado un salto hacia otra clase de cine, tal es el caso de Williams, de Vito y Carrey.

El cine de comedia puede subdividirse en comedia de humor blanco y comedia de humor negro (en lo particular prefiero el humor negro), algunos ejemplos son: ?Cuando Harry conoce a Sally? (esta producción la he mencionado otras veces en este espacio, sucede que es una de mis favoritas), es una magnífica comedia acerca de las relaciones de pareja, narrada con un inteligente y fino humor. Esta cinta, protagonizada por Billy Cristal y Meg Ryan, muestra los diferentes puntos de vista que la mujer y el hombre tienen acerca de cada quien.

?Riqueza ajena?, protagonizada por Danny de Vito y Penelope Ann Miller, es un entretenido filme que ha sido subvalorado y que para muchos pasó desapercibido, en él se aborda, de manera bastante divertida, las motivaciones que la gente tiene para estar apegada a la riqueza.

Una de las películas clásicas es ?¿Y donde está el piloto??, cargada de un humor bastante blanco, pero hilarante, esta cinta se convirtió en el punto de referencia obligatorio para las que siguieron; puede decirse que fue de las primeras en parodiar escenas de otras películas.

Dentro de las comedias de humor negro se pueden mencionar: ?Loco por Mary?, es quizá el punto más alto en la carrera de los hermanos Farrelly, cargada de situaciones absurdas, en ocasiones grotescas, pero sin caer en la chabacanería.

Este filme es protagonizado por Cameron Diaz y Ben Stiller. ?Fargo?, dirigida por los hermanos Cohen, se convertiría en una de las pocas comedias nominadas al Oscar por mejor película, narra la historia de un secuestro, que luego se convertiría en un asesinato y luego en otro y luego en otro, es protagonizada por Frances McDormand.

Para terminar (otra de mis favoritas que, por cierto, merece párrafo aparte) ?Pulp Fiction?, la segunda película de Quentin Tarantino, está llena de situaciones paradójicas, en apariencia absurdas, pero que al final tienen una enorme profundidad. Estas son unas cuantas, otro día volveremos sobre el tema.

Entre ellas: los aviones sobrevolando un campo de batalla durante la primera guerra mundial (?Alas?, primera ganadora en la historia del Oscar); Chaplin haciendo malabares con el globo terráqueo (?El gran dictador?); Humprey Bogart sentado, con la mirada hacia abajo, los brazos apoyados en la mesa, mientras Ingrid Bergman, de pie, lo observa (?Casablanca?); Charlton Heston maniobrando su ?cuadriga? (Ben Hur); Dustin Hoffmann y Jon Voigh caminando, uno detrás de otro, el primero con abrigo negro, el segundo vestido de vaquero (?Vaquero de medianoche?); George C. Scott vestido de militar, con el pecho lleno de medallas, haciendo el saludo, con una enorme bandera de los Estados Unidos como telón de fondo (?Patton?).

También Marlon Brando presentando a su hijo como el nuevo jefe de la familia, mientras los que están en la sala, uno a uno, besan la mano del nuevo ?Padrino? (?El Padrino?); Silvester Stallone con la cara ensangrentada, entre el tumulto, gritando ?Adrian, Adrian? (?Rocky?); Anthony Hopkins de pie, en posición erguida, con los brazos pegados al cuerpo, frente a una Jodie Foster nerviosa (?El silencio de los corderos?); Liam Neeson corriendo detrás del tren atestado de judíos (?La lista de Schindler?); Tom Hank de traje beige, con camisa a cuadros, sentado en una banca, con las manos sobre los muslos, esperando que llegue el bus (?Forrest Gump?); Elliot volando en su bicicleta, sobre los árboles, con una enorme luna llena de fondo, mientras ?ET? deja ver su cara y sus manos fuera de la canasta (?E.T.?).

Además Roberto Benigni prisionero de los soldados alemanes, marchando, frente a la mirada de su hijo, riendo, sabedor que unos instantes después sería fusilado (?La vida es bella?); los primates en estado de contemplación, frente al monolito (?2001, Odisea del espacio?); Robert de Niro frente al espejo, con un revolver en la mano, en posición amenazadora, pronunciando la frase ?Are you talking to me?? (?Taxi Driver?).

Estas son algunas de las escenas más significativas del cine (lo cierto es que son las que vinieron a mi memoria mientras escribía), aunque corresponden a producciones, casi en su totalidad, made in USA, todas ellas se han convertido en clásicas, entendiendo por clásicas, aquellas películas que han sido el punto de partida para otras, es decir las que marcaron la pauta.

Si usted las ha visto todas, pues enhorabuena, de lo contrario es recomendable que las busque en video o DVD.

Ganadora de cinco premios de la academia, esa cinta hizo que el público y los críticos llevaran a los más altos niveles a su director. La espera para ver su segundo trabajo fue de tres años, el título es ?Camino a la perdición?, basado en el ?Comic Book? (a este ?Comic? ahora se le da el nombre de novela gráfica), del mismo nombre, escrito por Max Allan Collins e ilustrado por Richard Piers Rayner, el filme cuenta una típica historia de gangsters en donde el protagonista, Michael Sullivan, se ve obligado a darle un giro de ciento ochenta grados a su vida cuando su hijo se entera, de manera brutal, cuál es su profesión.

Realizada de manera excelente, el único fallo que puede atribuirse a esta película es la falta de consistencia del guión, pues presenta muchos de los lugares comunes del género; fuera del guión, todo lo demás es impecable.

El conjunto de las actuaciones está muy bien logrado, el reparto es encabezado por Tom Hanks (Michael Sullivan) quien, una vez más, hace gala de su toda su fuerza interpretativa para lograr un personaje memorable, otro de los papeles principales es interpretado por Paul Newman (John Rooney), su actuación es sobresaliente, lo cierto es que no podía esperarse menos de uno de los grandes iconos del cine estadounidense; Hanks y Newman son secundados en gran forma por Jude Law (Maguire).

El rasgo característico de todos los personajes es la mirada, por medio de ella expresan, de manera convincente, sentimientos de odio, impotencia, dolor, ira, arrepentimiento. Los aspectos técnicos están cuidados hasta en el mínimo detalle, sobresale la dirección de fotografía, a cargo del ganador del Oscar Conrad L. Hall, los tonos oscuros, en su mayoría, crean una atmósfera lúgubre, a veces misteriosa, a veces nostálgica, todo de acuerdo con las imágenes que se están proyectando.

La dirección de arte recrea magistralmente el paisaje urbano y rural del Chicago de los años treinta, a esto se suma el maquillaje, el vestuario, la banda sonora, todo de altísima calidad. ?Camino a la perdición? dirigida por Sam Mendes, es una enorme puesta en escena de un guión bastante trillado, en donde las imágenes adquieren dimensiones artísticas (póngale atención a la textura que adquieren las gotas de lluvia), puede decirse que Mendes da una gran lección de cómo hacer buen cine, pues logra conjuntar todos los elementos, hasta lograr una gran película. No se la pierda, calificación 9/10.

El festival Ícaro ha servido, desde hace cinco años, de ?vitrina? para mostrar algunos cortometrajes y videos guatemaltecos, casi todos ellos pueden considerarse trabajos de iniciación, prácticamente experimentales, con guiones trillados, medianas actuaciones y deficiencias técnicas, lo importante de todo esto es darle seguimiento al trabajo, hacer oficio, ser auto crítico y tolerante, luego vendrán mejores logros.

Dentro del marco del festival Ícaro se ha presentado ?Por cobrar?, segundo largometraje del director Luis Argueta (el mismo de ?El silencio de Neto?). La película cuenta la historia de un joven quichelense que sueña con ser actor, para lograrlo decide ahorrar y viajar a Nueva York para reunirse con su amigo Luis, quien es director de cine.

En palabras de Luis Argueta la cinta es ?una comedia, una farsa?; pero el resultado en pantalla es algo distinto, pues aunque se pueden ver ciertos toques de humor y de ironía, éstos no llegan a completar una comedia, entonces, la indefinición de género y el guión se convierten en los principales fallos del filme, pues transformar a Luis Almengor en el protagonista de su propia farsa es, en cierto modo, poco creativo.

?Por cobrar? muestra una visión muy limitada de Guatemala, es casi el punto de vista de un extranjero, algunas escenas parecen postales para promoción turística, otras, en el afán de mostrar parte de la violencia urbana, resultan atropelladas y fuera de contexto.

La parte técnica presenta varias deficiencias, los colores no se aprecian bien, el sonido tiene altibajos, la cámara está fuera de foco en algunas escenas, los personajes se ven como encogidos, esto podría atribuírsele al equipo de proyección, pues por estar realizada en formato digital, quizá, la sala de cine no esta preparada para exhibirlo (le hice esta pregunta al proyeccionista y me dijo que los fallos eran de la película).

En cuanto a las actuaciones se puede decir que Luis Almengor y Karen Contreras elaboran muy bien sus personajes, Almengor da muestras de talento, aunque su actuación no logra la altura conseguida en ?El silencio de Neto?.

?Por cobrar? es una cinta fallida. Su historia es menos trascendente que ?El silencio de Neto?, los detalles están menos cuidados; quizá esté realizada con otro tipo de sensibilidad (mi percepción fue que a la mayoría del público no le gustó). Calificación: 3/10.

Luego siguieron ?La caída del halcón negro? de Ridley Scott y ?Pearl Harbor? de Michael Bay, producciones de alta calidad técnica, que recrean de forma convincente el ambiente propio de la guerra.

En cartelera se encuentra ?Códigos de guerra?, cinta que cuenta un pasaje de la segunda guerra mundial, sucede que los japoneses han sido capaces de descifrar todos los códigos de comunicación usados por el ejercito estadounidense, a raíz de ello se implementa un nuevo código basado en la lengua navaja, los portadores del código son dos indios navajos, el cuidado de uno de ellos es encomendado a Joe Enders (Nicolas Cage), un experimentado combatiente, quien lleva consigo la culpa de haber sido el único sobreviviente de una batalla en la que murieron todos los integrantes de su escuadrón.

La historia es en un alto porcentaje intrascendente y las actuaciones, con la excepción de Nicolas Cage, son de baja calidad, pero la puesta en escena hace que valga la pena ver la película; méritos y deméritos del director. John Woo es un excelente director de cine de acción, los filmes de su primera época, es decir los realizados en Corea, marcaron la pauta a seguir para el montaje de las escenas de ?balaceras? y peleas cuerpo a cuerpo; varios directores han adoptado su estilo, algunos otros, el caso de Robert Rodríguez, se lo han ?fusilado? descaradamente. Dejando de lado el guión y las actuaciones, hay que concentrarse en las batallas, cada escena está filmada con extremo realismo, por momentos se hacen desagradables, grotescas, pero ¿acaso la guerra no lo es?

A pesar de ello el ritmo conferido a las imágenes tiene verdaderos momentos poéticos, ya desde el inicio se advierte cuál es la intención del director (cuando la vea póngale atención a la primera escena), esto es lo que diferencia la película de Woo, con las de Spielberg, Bay y Scott, pero la relaciona con la magnifica ?La delgada línea roja?, de Terrence Malik . ?Códigos de guerra?, protagonizada por Nicolas Cage, Adam Beach, Roger Willie y Christian Slater, es una cinta en donde lo grotesco y desagradable adquieren dimensiones estéticas, todo acentuado por el diestro manejo de la cámara, la excelente fotografía y la acertada banda sonora, conste que los actores están desperdiciados, en algunas ocasiones sobreactuados, sin embargo el balance final es positivo. Calificación: 7.

El tema de la religión, abordado desde un punto de vista contrario al tradicional, suele ser motivo de controversia, pues la mayor parte de las personas son conservadoras e intolerantes. En México se armó todo un escándalo en torno a la cinta ?El crimen del padre Amaro?, algo que, después de haberla visto, parece una total exageración, lo cierto es que a algunos sacerdotes y obispos mexicanos les pareció una producción anticatólica, de ahí surgió la condena hacia este filme.

Pensar en: uno o dos sacerdotes con amante, otro convertido en guerrillero, una obra social financiada con dinero del narcotráfico, un obispo preocupado por el poder terrenal y no por el divino, son cosas que no resultan descabelladas, mucho menos heréticas; que algunos se sientan aludidos es otra historia. De la película se puede decir que tiene muy pocos aciertos, quizá la música y la adaptación de la novela de José María Eça de Queiroz, sean lo más rescatable.

El principal fallo se encuentra en el desarrollo de los personajes, pues ninguno de ellos logra transmitir, de manera convincente, las motivaciones de su comportamiento; el Padre Amaro, por ejemplo, es un personaje lineal, en él no hay cambios cualitativos, ni luchas internas, se supone que el sexo y el poder, deben representar conflictos difíciles de resolver, pero no sucede así, esto hace que sus acciones se vean totalmente artificiales, lo mismo sucede con los otros personajes, el resultado es una completa falta de realismo, que conste que la historia es creíble, pero las actuaciones no lo son.

Según palabras del guionista, Vicente Leñero, ?el problema del Padre Amaro no es un problema sexual. Es un problema político, es un problema de poder?. Esta fue la intención, mostrar la corrupción existente en algunos miembros del clero, pero esto no es nada nuevo, pues el tema ha sido llevado al cine en varias oportunidades, casi todas con mayor alcance y calidad estética (?El padrino III?, ?La misión?, por mencionar algunas, hasta en ?La ley de Herodes?, se trata mejor el tema). ?El crimen del Padre Amaro?, dirigida por Carlos Carrera y protagonizada por Gael García Bernal (en su más desafortunada actuación), es una cinta que se antojaba de mayor calidad narrativa, pero al verla ha resultado decepcionante, ni calidad, ni motivo para la polémica, es más, la película termina proyectando un odioso mensaje moralizante, pues los personajes principales reciben el castigo de acuerdo a su pecado.

Al final, la publicidad y el halo de irreverente, con el que venía precedida, quedan como anécdota, verla no produce ningún efecto secundario.

Calificación: 5.

Cuando uno de ellos falta o es insuficiente, los problemas se hacen evidentes, claro que abundan los ejemplos de parejas que han permanecido juntos ?hasta que la muerte los separa?, a pesar de todos los problemas que afrontaron durante su vida; lo cierto es que la convivencia en pareja es un juego de concesiones, una especie de balanza, en donde cada uno tiene que dar en forma equitativa, pues si la balanza se inclina hacia cualquiera de los lados, significa que alguien está dando de más, eso implica que, tarde o temprano, la unión habrá de terminar.

En cartelera se encuentra ?Intimidad?, producción francesa (un detalle raro, la acción se ubica en Inglaterra, por lo tanto la cinta está hablada en inglés), que cuenta la historia de un hombre y una mujer, cuya relación esta basada en la mutua atracción física y hormonal, en el sexo pues.

La película es una interesante puesta en escena de la forma en que se deterioran las relaciones de pareja, al tiempo que muestra a los personajes en la búsqueda, fuera de su entorno, de aquello que ya no encuentran en sus respectivos hogares.

El filme muestra de forma directa y sin sutilezas como cada miércoles, él y ella, tienen un encuentro motivado únicamente por el sexo, allí no hay palabras, ni preámbulos.

El discurso de la cinta bucea, aunque no tan profundo, en las motivaciones sicológicas de una relación de esta naturaleza, otro asunto tratado es el de la infidelidad femenina, este último adquiere un matiz bastante realista, pues se combina con la apatía mostrada por la persona engañada (es como en la vida real, se sabe que hay algo raro, pero se ignora, no se quiere creer).

Las actuaciones son bastante buenas, aunque las escenas de sexo son, en alguna medida, artificiales; conste que en ellas no hay alardes, ni exageraciones, quizá el problema sea la expresión facial de los personajes.

Filmada, en su mayoría, cámara en mano y acompañada de un fondo musical bastante acertado, la película tiene más aciertos que fallos, es una típica muestra del cine europeo, es decir, la historia y los personajes son más importantes que los aspectos técnicos.

?Intimidad?, dirigida por Patrice Chereau y protagonizada por Mark Rylance, Kerry Fox y Timithy Spall, es una producción que merece ser vista, aunque es necesario un criterio amplio por parte del espectador, pues las escenas de sexo son bastante explícitas, situación que puede ofender algunas sensibilidades.

Véala en pareja, deje de lado las presiones moralistas (la doble moral establecida, diría yo), luego tendrá un buen tema de conversación.

Calificación 7.

La muerte es, por sí misma, dolorosa y aunque todos sepamos que tarde o temprano habremos de morir, cuando sucede, casi siempre nos vemos sorprendidos. En el orden natural de las cosas, se supone que primero deben morir los padres y luego los hijos, por eso cuando la situación se da en el orden inverso, la tragedia es más difícil de asimilar.

El tema de la muerte de un ser querido ha sido llevado a la pantalla en múltiples oportunidades pero pocas veces ha alcanzado el nivel dramático requerido para convertirlo en una verdadera puesta en escena del dolor humano. La película ?En la habitación?, cuenta la historia de una pareja madura, cuyo único hijo tiene una relación con una mujer un poco mayor que él, ella es madre de dos niños; el asunto se complica cuando el ex marido, un tipo bastante violento, decide unilateralmente que quiere regresar con ella, esto desencadena una serie de acontecimientos que concluyen con el asesinato del joven a manos del ex marido. Se trata de un guión bastante trillado, pero ese es, precisamente, uno de los mayores méritos del filme, la reinvención de una gran cantidad de lugares comunes, todo basado en un excelente manejo de la cámara.

La película tiene muchos aciertos, uno de ellos corresponde al apartado de las actuaciones.

Sobresalen Sissy Spacek, Tom Wilkinson (los padres) y Marissa Tomei (la novia), los tres muestran un gran talento y mucho oficio para elaborar de forma convincente sus personajes. Apoyados en un excelente trabajo de expresión facial y corporal, cada quien logra transmitir al espectador el dolor que llegan a experimentar. En cada gesto, en cada silencio, el dolor adquiere dimensiones reales.

El ritmo de la cinta es cadencioso, pausado, a veces estático, narrada al estilo de las ?viejas? producciones dramáticas, es decir, una buena cantidad de primeros planos y otro tanto de agujeros entre escena y escena, todo conjugado para mostrarnos una suma de imágenes que, por momentos, alcanzan categoría poética.

?En la habitación?, dirigida por Todd Field (su primera película), es un filme que trata el tema del dolor humano de forma acertada. En el se muestra, sin sentimentalismos baratos, ni lecciones moralizadoras, hasta dónde es capaz de llegar un ser humano en nombre del amor y del dolor. Es una de aquellas producciones que uno las ve y días después, aun sigue pensando en ellas. Calificación 10. Disponible en video.

Bueno, sólo hay que esperar uno o dos años, pues es el tiempo que normalmente tardan en llegar a la ?pantalla chica? después de haber pasado por el cine (por supuesto que me refiero a los canales del cable), conste que en los últimos meses la lucha por la audiencia televisiva ha obligado a los canales a ofrecer mejor programación.

Por ejemplo: TNT ha modernizado su programación, lo mismo sucedió con Cinemax, con el agregado de haberla diversificado, pues ofrece una buena cantidad de cintas en habla no inglesa. Cinecanal tiene una programación bastante decente, el único que ha disminuido su nivel es HBO, aunque en alguna medida la falta de buenos filmes, ha sido compensada con buenas series, otras opciones interesantes son: The Film Zone, Fox y AXN, este último tiene muy pocas películas en programación, pero casi siempre son bien elegidas.

En Fox podrá ver ?American Beauty?, que es (a mi juicio) la mejor película de los últimos cinco años; se trata de una puesta en evidencia de los males de la sociedad estadounidense, con una profundidad pocas veces vista, al grado de llegar a convertirse en una inquietante historia acerca de la condición humana.

Por otro lado, las actuaciones son de un nivel altísimo. Dirigida por Sam Méndez y protagonizada por Kevin Spacey. HBO anuncia en su programación, entre otras, ?Chocolate?, una encantadora comedia romántica, algo superficial, pero muy bien realizada y bastante bien actuada.

Un dato curioso y que se agradece, es que según la protagonista, el chocolate que ella vende es producido en Guatemala; dirigida por Lasse Halsstrom, y protagonizada por Juliette Binoche y Jhony Deep. Otro título recomendable es ?Casi famosos?.

Cinemax tiene en su programación ?La ley de Herodes?, una pintoresca comedia mexicana, en donde se hace una crítica frontal a la forma de gobernar del PRI. Tiene un bien logrado humor negro, aunque padece de fallos técnicos y la historia es un poco trillada y cantinflesca. Dirigida por Luis Estrada y protagonizada por Damián Alcázar y Pedro Armendáriz. Otros filmes recomendables son: por TNT, ?Tiempo de matar? y ?Sensatez y sensibilidad?.

En The Filme Zone, ?Mi pie izquierdo? (supongo que es un filme que ha sido visto por muy pocos). Véalo. La actuación de Daniel Day Lewis es formidable. Por Cinecanal puede ver ?Letras prohibidas?. Para más datos se trata de la historia del Marqués de Sade.

Por último, le recomiendo por AXN ?El coleccionista de huesos?. Acomódese, tome el control y busque una buena película.

Es la angustia de no saber qué pasará, qué hay del otro lado de las cosas, el temor implícito en dormir y no saber si habrá mañana, son algunos de los miedos que con frecuencia agobian a la mayoría de personas.

El buen cine de suspenso apela a todos estos miedos para lograr un efecto contundente en el espectador (claro que no hablo de los Jason, Fredy Kruger o de los muñecos diabólicos), dentro de este género se inscriben las películas de M. Night Shyamalan, uno de los más talentosos directores de la actualidad; su mejor carta de presentación es haber sido el escritor y director de ?El sexto sentido?.

En cartelera se encuentra ?Señales?, el más reciente trabajo de Shyamalan, el filme cuenta la historia de un ex reverendo, sus dos hijos y su hermano menor, quienes de pronto descubren unas extrañas señales en sus plantaciones de maíz, a partir de este suceso se desarrolla la cinta.

Realizada sobre la base de un excelente guión, la película tiene muy pocos fallos, básicamente cuando usa el recurso del ?flash back? para aclarar ciertos puntos, fuera de esto, puede decirse que es una producción brillante, pues sumerge en la trama al espectador desde el mismo inicio, los recursos que utiliza son, en apariencia, sencillos, pero altamente efectivos, crea una sobrecogedora atmósfera de suspenso a partir de la expresión facial de los actores, los movimientos de cámara y el manejo del sonido, todo narrado a un ritmo bastante parsimonioso, lo mejor de todo es que se trata de una película con pocos efectos especiales, es decir que el desarrollo de la historia y los personajes son el aspecto principal.

El rubro correspondiente a las actuaciones es otra parte importante del filme, el papel principal está a cargo de Mel Gibson, quien realiza una convincente actuación (a mi juicio la mejor de su carrera, aunque quizá no le alcance para una nominación al Oscar), Joaquin Phoenix interpreta al hermano menor, él y los niños aportan el toque de humor, necesario para bajar la tensión de algunas escenas, todos en conjunto logran, como ya es costumbre en el cine de Shyamalan, un sólido trabajo actoral.

?Señales? es una cinta que logra crear un ambiente de suspenso con base en lo que no se ve y a la imaginación de los personajes; el miedo reflejado en sus rostros, la angustia de no saber lo que está pasando, la falta de una explicación lógica, son sentimientos que se trasladan al espectador y lo envuelven de principio a fin. Calificación: 9.

Sin embargo, a pesar del éxito en taquilla de producciones como: ?Y tu mamá también?, ?Sexo, pudor y lágrimas? y ?Amores perros?, esta última incluso nominada al Oscar, no se puede decir que se haya alcanzado un buen grado de calidad.

Lo cierto es que ninguno de los títulos mencionados ha logrado el nivel artístico de la que quizá sea la mejor película mexicana de los últimos años, ?El callejón de los milagros?; habrá que esperar para ver ?El crimen del padre Amaro?.

Este proceso renovador le ha dado vitalidad al cine mexicano, pero para que se dé un nuevo salto cualitativo, se hace necesario que encuentren más y mejores actores (no se puede esperar que los hermanos Bichir y Gael García Bernal, salgan en todas las películas). Por supuesto también tienen que quitarle el tono ?telenovelesco? a las historias.

La más reciente cinta llegada de México es ?La segunda noche?, el filme cuenta la historia de cuatro mujeres adolescentes. Ellas se enredan en problemas de familia, amistad, sexo, amor y hombres, entre otros.

Se puede decir que es una cinta de baja calidad, con evidentes fallos técnicos, en donde la cámara no siempre está situada en el lugar correcto. La música le confiere, por momentos, ritmo de video-clip; el maquillaje es deficiente, principalmente en las escenas en donde los actores reciben golpes en el rostro, y qué decir de los efectos especiales (me refiero a la recreación de los sueños de dos de los personajes).

Otro aspecto que no ayuda al desarrollo de la cinta, es el relativo a las actuaciones, pues a pesar del intento de elaborar personajes apegados a la realidad, se cae en la exageración, tanto en el planteamiento de los problemas inherentes a cada uno, como en la resolución de sus conflictos.

De cualquier forma se trata, por decirlo de alguna manera, de cine alternativo, aunque es muy probable que esa no sea razón suficiente para recomendarla.

?La segunda noche? es dirigida por Alejandro Gamboa y protagonizada por Iran Castillo, Mariana Ávila, Francesca Guillén y Sherlyn González.

Calificación 5.

Colofón: Quiero recomendarle ?Gosford Park?, titulada en español ?Asesinato a la media noche?, película que hace una fina e inteligente crítica a la aristocracia inglesa. Llega a los cines locales con casi un año de atraso, vaya a verla en estos días, pues por el tipo de argumento es probable que dure sólo una semana en cartelera.

De esta cuenta los libros calificados como ?Best Sellers? suelen ser de baja calidad.

En cierta oportunidad le preguntaron a John Grisham, uno de los máximos escritores de ?Best Sellers? en los Estados Unidos, ?ahora que ha alcanzado la fama y la fortuna, ¿que le gustaría hacer?? a lo que él respondió: ?escribir buena literatura?.

Otro de los grandes escritores estadounidenses de ?Best Sellers? es Tom Clancy, en años anteriores tres de sus novelas han sido llevadas al cine, se trata de ?La caza del octubre rojo?, ?Juego de patriotas? y ?Peligro inminente?, en ellas el personaje principal es Jack Ryan, interpretado en su momento por Alec Baldwin y Harrison Ford.

En cartelera se encuentra ?La suma de todos los miedos?, la cuarta novela de Clancy que ha sido llevada al cine, filme que muestra a un joven y novato Jack Ryan haciendo su primera incursión como agente de la C.I.A.

Sucede que un grupo multinacional de terroristas diseña un plan en el que ataca territorio estadounidense y hace creer al gobierno que el ataque ha sido perpetrado por los rusos, la intención, obvia por supuesto, es que ambos países se ataquen y se destruyan mutuamente; es allí en donde entra en acción Jack Ryan, pues es el único que intuye lo que realmente está sucediendo y no para hasta lograr que la guerra se detenga.

La película está basada en un guión totalmente inverosímil, imagine usted a los presidentes de Estados Unidos y Rusia, iniciando una guerra nuclear, apoyados únicamente en puras conjeturas y reacciones hepáticas.

De cualquier manera, la cinta no es del todo mala, pues tiene momentos de tensión que logran atrapar al espectador, así como algunas escenas muy bien elaboradas, por ejemplo, la escena que muestra el momento de la explosión nuclear. Otro aspecto a favor es el referente a las actuaciones, pues los papeles principales están muy bien interpretados, Benn Affleck hace una sobria actuación como Jack Ryan, el talentoso Morgan Freeman interpreta a William Cabot, el director de la C.I.A. y James Cronwell logra una buena actuación como el presidente de los Estados Unidos.

?La suma de todos los miedos?, dirigida por Phil Alden Robinson, es una película que genera emociones encontradas, pues aunque tiene momentos bastante entretenidos, el planteamiento de los hechos y su desenlace son poco inteligentes, a esto se agrega el poco creativo montaje de la escena final, pues se trata de un descarado ?fusil? de El padrino III.

Calificación: 6.

Y si lo hace, siempre es el bando masculino el que lleva la iniciativa, es decir, los hombres son los ?malcriadotes? pues.

Por supuesto que esa no es la regla general y tampoco es incorrecto que en las conversaciones se usen ?palabrotas?, aunque es bueno hacer constar que este lenguaje suele ofender la sensibilidad de la doble moral establecida.

La situación cambia cuando la conversación es sólo entre mujeres, sucede entonces que la ?fineza? del lenguaje pasa a segundo plano y ellas, con toda confianza, logran una total comunicación, claro que esto no tiene nada de malo.

En cartelera se encuentra ?La cosa más dulce?, de los mismos productores de ?Loco por Mary?, así reza la publicidad. La cinta cuenta la historia de Cristina, una preciosa chica que, por varios desengaños amorosos, ha desistido de buscar a su hombre perfecto y ha decidido dedicarse a disfrutar el momento, sin embargo el amor, ?siempre tan imprevisible?, se cruza por su camino y Cristina, persuadida por su amiga Courtney, decide ir tras él.

Los personajes principales del filme son tres mujeres, cuya forma de expresión, oral, corporal y facial, es totalmente desenfadada, situación que le da ribetes de comedia irreverente; ellas hablan de sexo, de hombres, de sexo, de ropa, cuidado personal, de sexo, y así sucesivamente, el problema es que detrás de esa mal elaborada máscara de irreverencia, se esconde una historia trillada y cursilona, la del príncipe azul que está a punto de casarse con otra, pero que al final se queda con la protagonista.

Otro punto en contra son las atracciones que pasan en las salas de cine, pues en ellas se ven prácticamente todos los chistes y situaciones descabelladas que tiene la película, o sea que, como ya se vieron, cuando uno ve la cinta completa, ya se ha perdido la gracia. Esto se ve acentuado por su poca duración, apenas son setenta y siete minutos de película y otros siete de créditos.

?La cosa más dulce?, dirigida por Roger Kumble y protagonizada por Cameron Diaz, Cristina Appelgate, Salma Blair y Thomas Jane, es una comedia al estilo de los hermanos Farrely: fallido humor negro y grotescas situaciones, risas a fuerza de crear situaciones descabelladas, nada, pero nada nuevo bajo el sol.

Calificación 5.

Ellos y algunos otros han sido los ?héroes? de acción de las últimas décadas. Lo cierto es que, de muy pocos filmes en los que hayan intervenido los mencionados actores, puede decirse que son buenos.

Claro está, calificándolos dentro del género al que corresponden, ?Duro de matar? y ?Terminator?, son los únicos filmes a los que les daría buena calificación. Una verdadera película de acción debe ser narrada a ritmo de vértigo y que los sucesos que muestra tengan un alto porcentaje de credibilidad. Un ejemplo es ?El fugitivo?.

El último grito de la moda en ?héroes? de acción es Mark Vincent, mejor conocido como Vin Diesel; su cinta ?Rápidos y Furiosos? lo catapultó a la fama. Ahora en cartelera se encuentra ?Triple X?, su más reciente trabajo. La película cuenta la historia de Xander Cage, un tipo medio loco, adicto a las acrobacias y deportes extremos. Resulta que mientras él roba autos, los conduce a alta velocidad y salta en paracaídas desde los puentes, hay un equipo que lo filma para luego vender los videos, los cuales, por cierto, son conocidos prácticamente en todo el mundo. La trama se completa cuando por las propias necesidades del gobierno, Cage es reclutado, contra su voluntad, para ser agente secreto.

La cinta tiene un buen ritmo y una aceptable cantidad de escenas de acción. Lo malo es que no son todo lo espectacular que anuncia la publicidad ni lo suficientemente creíbles. A eso hay que sumar la falta de originalidad del guión y las poco rescatables actuaciones, aunque en una producción de esta naturaleza las actuaciones, casi siempre, tienen poco peso. Quizá lo único rescatable en este apartado es la aparición de Samuel L. Jackson. Un actor de mucho talento, pero que se ve un tanto disminuido, quizá por culpa de un inexplicable e innecesario maquillaje. No hay nada que justifique la cicatriz que lleva en el rostro.

?Triple X?, dirigida por Rob Cohen, es un filme cuya mayor virtud es su edición fílmica. Entretenido a pesar de todo lo escrito, muy del gusto del ?gran público?. Véala, es fácil de digerir, pasará un buen rato, aunque lo que va a presenciar no es nada del otro mundo. Nada que no se haya visto en ?Jackas? o en los ?X Games?. Calificación 6.

La mayoría de relaciones de pareja se arruinan cuando una de las partes ha perdido el interés. El problema ciertamente es complicado pues, tanto el hombre como la mujer, en la mayoría de los casos, experimentan sentimientos de culpa que le coartan la libertad al momento de la intimidad.

Con frecuencia eso obliga a buscar alternativas fuera de la pareja. El cine ha intentado bucear profundo en el tema de la infidelidad, títulos como ?Atracción fatal? y ?Propuesta indecente? son ejemplo de ello. Ambos tienen en común que fueron dirigidos por Adrian Lyne.

El primer título debe haber persuadido a algunos esposos infieles, pues aunque no es un gran filme, la actuación de Glenn Close es memorable. En su más reciente película, Adrian Lyne vuelve al tema, sólo que esta vez aborda la infidelidad femenina.

¿Cómo se llama la cinta? Pues ?Infidelidad?. Sinopsis: una mujer madura, felizmente casada y residente de los suburbios, en uno de sus viajes a la ciudad, en un día de mucho viento, casualmente tropieza con un hombre mucho más joven que ella.

De ahí nace una relación extramarital que la lleva a enfrentarse con sus sentimientos y sus culpas. Como era de esperarse, el marido la descubre y mata al amante. Luego hay que enfrentar el conflicto, la investigación policiaca, perdonarse mutuamente y retomar la vida; así de fácil.

Planteado de esta manera el filme se antoja trillado y predecible. Bueno, el filme es trillado y predecible. A su favor hay muy pocas cosas que decir. Hasta la buena actuación de Diane Lane se diluye entre lo intrascendente del guión.

Plagado de lugares comunes, el argumento aporta muy poco al tema que aborda. Eso y la insoportable carga de moral que conlleva, hacen que sus casi dos horas de duración se hagan inaguantables. Pero si eso no era suficiente, la conclusión se hace innecesariamente extensa.

Parece que el director no sabía cómo ni cuándo terminar. ?Infidelidad?, dirigida por Adrian Lyne y protagonizada por Richard Gere, Diane Lane y Olivier Martínez, es una película de baja calidad, que ojalá sea el obituario para las ?Atracciones fatales?. Calificación 4.

Sus actuaciones en películas como ?Carlito´s way? y ?Dead Man Walking?, por mencionar algunas, son realmente memorables. Aunque ha sido nominado al Oscar en varias oportunidades, el reconocimiento final aún no le llega. Su más reciente trabajo ?Yo soy Sam? fue igualmente reconocido a medias.

(Bueno, este año era más difícil, pues la academia tenía que saldar la deuda que tenía con Denzel Washington). ?Yo soy Sam?, cuenta la historia de una persona con retraso mental, quien, por azares del destino, conoce a una chica y tiene una hija con ella. Sucede que la chica, inmediatamente después de dar a luz, abandona a Sam dejándole a la niña.

El asunto se complica cuando una trabajadora social decide que Sam no es apto para educar a una niña que, más temprano que tarde, sera más inteligente que él. Entonces, hay que buscar ayuda legal y luchar por la custodia de la niña.

El tema de la cinta es ciertamente trillado pero tiene elementos que la hacen merecedora de ser vista. En primer lugar, la gran actuación de Sean Penn pues, a pesar de la enorme similitud con ?Rain Man?, el nivel de interiorización de su personaje es tal que logra impresionar al tiempo que borra la imagen oscura que este actor siempre ha proyectado.

Por otro lado, está Michelle Pfeiffer, quien además de su belleza, aporta una solida actuación. Otro elemento importante del filme es la banda sonora conformada por canciones de los Beatles. Acá la música no es sólo para acompañar las escenas.

Puede decirse que la música es parte integral del guión. Lo cierto es que resulta muy agradable escuchar que muchos de los diálogos y las ideas de Sam, vienen de las canciones del famoso cuarteto.

Es interesante descubrir cuanta sabiduría popular contienen esas letras. ?Yo soy Sam? dirigida por Jessie Nelson es una especie de tributo a Dustin Hoffman. Las referencias directas hacia cintas como: ?Kramer vrs Kramer? y ?Rain Mann?, son recurrentes a lo largo del filme. Completan el reparto Laura Dern y Dakota Famming, disponible en video.

Calificación: 8.

Títulos como ?El color purpura?, ?Encuentros cercanos del tercer tipo?, ?La lista de Schindler? y, últimamente, ?Inteligencia artificial?, han logrado en buena medida este objetivo. Sin embargo, su especialidad sigue siendo entretener al ?gran público?.

Su más reciente realización ?Sentencia previa? es eso, entretenimiento puro. El filme cuenta una historia futurista en donde una unidad del gobierno, llamada Pre-crimen, ha logrado erradicar los asesinatos por medio de un complicado sistema para predecir el futuro.

Bueno, el sistema no es tan complicado pues funciona con base en las predicciones que hacen tres psíquicos, cuyos pensamientos son proyectados hacia una potente computador. La historia se enreda cuando los ?Precog? (así llaman a los psíquicos) revelan que el responsable de dirigir la unidad va a cometer un asesinato.

La cinta es protagonizada por otro imán de taquilla, Tom Cruise, quien logra una actuación bastante meritoria. En general puede decirse que se trata de una muy buena película, aunque sus mayores logros se encuentran en los aspectos técnicos. Fascinantes efectos especiales, excelente fotografía, dinámica edición fílmica, acertada dirección de arte, entre otros.

La historia tiene sus altibajos. Conste que tiene más altos que bajos pues, a pesar de todos los lugares comunes y los guiños evidentes hacia otros filmes, sus giros, más o menos sorprendentes, hacen que el conjunto salga a flote.

Los fallos del guión se encuentran en la resolución de los conflictos. Antes de ello el planteamiento de los hechos y el nudo de la historia no tienen desperdicio. Tal parece que Spielberg no quiso complicarse resolviendo dudas existenciales y filosóficas; por lo tanto, buscó el desenlace de la cinta, probablemente, no en los tradicionales métodos del cine comercial, pero sí en métodos ya vistos en filmes como ?L.A.

Confidential?, ?El sexto sentido? y ?Blade Runner? (sería de mal gusto explicar en dónde se dan las semejanzas). ?Sentencia Previa?, dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Tom Cruise, Colin Farrel, Max Von Sydow y Samanta Morthon, es la mejor opción en cartelera. Calificación 8.

Que les abra la puerta, que les acomode la silla, alguien completamente romántico, a su ?príncipe azul?, pues. El hecho es que la manera de cortejar a una mujer, ha ?evolucionado?, de acuerdo con el ritmo de los tiempos.

Lo anterior es uno de los motivos por los que las comedias románticas no pasan nunca de moda. Por eso mismo el cine recurre constantemente al tema. La última que ha llegado a las carteleras locales es ?Kate & Leopold?, película que cuenta la historia de Kate McKay y Leopold Mountbatten, personajes de distinta extracción social, pero, que a pesar de las diferencias, se enamoran irremediablemente uno del otro.

Resulta que Stuart, antiguo novio de Kate, descubre un método para viajar en el tiempo. Su primer viaje lo lleva a la antigua Nueva York, específicamente en el año 1876. El enredo inicia cuando en el viaje de regreso es perseguido por Leopold, tercer Duque de Albany, quien de pronto se ve inmerso en el siglo XXI.

La cinta tiene varios aspectos que la hacen merecedora de ser vista. La historia, a pesar de su falta de originalidad, está narrada con un fino sentido del humor y a un ritmo totalmente adecuado, no aburre.

Kate es interpretada por la adorable Meg Ryan, quien a pesar de haber realizado varios papeles similares, no pierde la frescura ni el carisma. Leopold es interpretado por Hugh Jackman.

Ambos logran la química necesaria para este tipo de papeles. Uno de los aspectos negativos del filme es la escasa participación que se da a los actores de reparto, pues pudo haberse obtenido más de ellos. ?Kate & Leopold?, dirigida por James Mangold, es una comedia encantadoramente tonta, recomendable para ver en pareja.

Eso sí, los hombres deben tener en cuenta que, al salir del cine, deberán ser amables para no quedar en evidencia. Las mujeres tendrán el consuelo del viaje en el tiempo, como única opción para encontrar a su príncipe azul. Calificación: 8.

Lo lamentable del caso es que la más reciente cinta de este magnífico actor tiene seis meses de haberse estrenado en los Estados Unidos y todavía no llega a las carteleras locales; afortunadamente la versión en video ya está en circulación.

El filme se llama ?K-Pax? (el titulo que se le dio en español es ?El Visitante?); en él se cuenta la historia de un personaje llamado Prot, quien asegura ser un extraterrestre proveniente del planeta K-Pax, situado a una distancia de mil millones de años luz de la Tierra. El medio de transporte utilizado para realizar semejante viaje es, por supuesto, un haz de luz.

Sucede entonces que al contar su historia es inmediatamente llevado a un hospital psiquiátrico; allí es tratado por Mark, uno de los médicos del hospital. Lo primero que se puede resaltar de la cinta son las actuaciones. Prot es interpretado por Kevin Spacey y Mark por Jeff Bridges.

Ambos logran brillantes actuaciones, pero sobresale la de Spacey, quien da vida a un personaje totalmente convincente, basado en un gran trabajo de expresión facial. Mark, el personaje de Bridges, es muy bueno, pero alcanza los mejores momentos cuando interactúa con Prot.

Resulta que de las discusiones entre médico y paciente se van elaborando conceptos, más o menos profundos, de la condición humana. El guión de la cinta, basado en la novela de Gene Brewer, logra darle un giro bastante original al eterno tema de los extraterrestres, contado de manera inteligente y con diálogos de mucha lucidez, esto es algo de lo que más se agradece del filme.

La fotografía, aunque no es sobresaliente, tiene momentos bastante agradables, específicamente cuando la cámara se posa sobre cualquiera de los cristales que aparecen en escena. K-Pax, dirigida por Iain Softley, es una de esas películas que logran el efecto de hacer meditar a los espectadores, al tiempo que ofrecen grandes actuaciones, todo acompañado por una buena banda sonora.

Como se anotó al principio, no está en cartelera, pero puede conseguirse en video. Búsquela, vale la pena. Calificación 9.

Sin embargo, cuando se trata de premiar a la mejor producción en habla no inglesa, casi todas las veces, la película premiada es muy buena. Títulos como: ?Antes de la lluvia? (Macedonia), ?Kolya? (República Checa) y ?Farinelli? (Bélgica), entre otros, son ejemplos. Una de las cintas nominadas en la pasada entrega de los Oscar fue ?Lagaan? filme procedente de la India.

A pesar de producir la mayor cantidad de películas al año, la India solamente había recibido dos nominaciones anteriormente: ?Mother India?, 1957 y “Salaam Bombay” 1988. Hasta ahora no ha ganado la estatuilla. Lagaan es una monumental producción que dura tres horas y cuarenta y cinco minutos (una de las películas mas largas que he visto en mi vida).

Es el filme más caro en toda la historia del cine “made in Bollywood” (así le llaman a Bombay). La trama se ubica en 1893 y cuenta la historia de un pequeño pueblo que para librarse del Lagaan (impuesto que se tiene que pagar a los ingleses) acepta jugar un partido de Cricquet. Si pierden tienen que pagar el triple y si ganan se liberan del pago.

Planteada de esta manera se antoja una historia ingenua. Sin embargo, el desarrollo de la misma es lo que vale de la cinta. No sólo se trata de la lucha contra la ocupación inglesa, también se trata del triunfo del espíritu humano.

Los hechos se narran de manera fluida, por lo que el filme no aburre, a pesar de su largo metraje. Un aspecto que hay que destacar es el referente a las partes musicales de la cinta pues la música está muy bien realizada y muy acorde a lo que se cuenta.

En conjunto todos los personajes están muy bien logrados. Quizá lo único que la película tenga en contra es precisamente la parte que se refiere al juego de Cricquet pues se deja de un lado lo artístico para dar paso a una parte de entretenimiento puro que dura casi hora y media.

Lagaan, dirigida por Ashutosh Gowariker, protagonizada por Aamir Khan y Kulbhushan Kharbanda, es una buena alternativa para pasar un buen rato entretenido en casa. Disponible en video. Calificación: 9.

Sin embargo, no puede ser calificada como excelente debido al odioso mensaje que transmite su guión. La habitación del pánico es una de estas cintas. Para comentar el nuevo filme de David Fincher, hay que hacerlo desde dos puntos de vista. Uno es el puramente técnico, es decir, fotografía, actuaciones, efectos especiales, entre otros. Vista de esta forma puede decirse que es una producción muy bien lograda en donde el movimiento de la cámara es lo más destacable. Desde las tomas que atraviesan paredes, las que atraviesan cerraduras, hasta las que siguen los pasos de los protagonistas.

De hecho, es la cámara la encargada de dictar el ritmo de las escenas y de crear la envolvente y claustrofóbica atmósfera del filme. Si a lo anterior se agrega el excelente trabajo realizado en los efectos de sonido y las buenas actuaciones, el resultado es una cinta de buen nivel de suspenso y de buenos momentos de acción. El papel protagónico está a cargo de Jodie Foster quien una vez más demuestra su capacidad interpretativa caracterizada por su excelente técnica de expresión facial. Conste que acá no logra el nivel que se le vio en “El silencio de los corderos”, pero su personaje está muy bien realizado.

Otro de los personajes que merece destacarse es el interpretado por Forest Whitaker pues sin mucho alarde crea un buen personaje. El otro punto de vista es el referente al mensaje que conlleva la historia contada. Este es el punto flaco de la cinta pues a pesar de las buenas actuaciones todos los personajes son estereotipados. A esto hay que agregar que al final cada uno recibe de acuerdo a su comportamiento. A los buenos, fuera del susto, no les pasa nada. Como contrapartida los malos van recibiendo de acuerdo al tamaño del mal que han hecho. Todo enmarcado dentro de una moral totalmente maniquea. La historia por lo tanto, se hace predecible y absurda. La habitación del pánico es la película más convencional y comercial que ha filmado David Fincher. Muy distinta a las perturbadoras “Seven” y “El club de la pelea”. Calificación 7.

Su habilidad dentro del cuadrilátero y su carisma fuera de él, lo llevaron a ser el mejor boxeador de todos los tiempos y uno de los deportistas más apreciados en todo el mundo.

Sobre este boxeador se han filmado varios documentales y películas, la última de ellas lleva por nombre Ali. El filme abarca, únicamente, diez años de la vida de Ali. Desde que ganó por primera vez el título mundial de los pesos pesados a la edad de veintidos años, hasta la consecución de su segundo título diez años después.

La cinta tiene varios logros formales y artísticos. El principal de ellos es el que corresponde a las actuaciones. Ali es interpretado por Will Smith quien logra, de manera sorprendente, una excelente actuación. Lo cierto es que se trata de un personaje de difícil elaboración que además de la capacidad propia del actor, requería de un intenso entrenamiento físico.

El resultado final es la transformación de Smith. Su actuación es incluso de mayor mérito que la de Denzel Washington en Día de entrenamiento. Otro aspecto importante es la recreación de las peleas, brutales y totalmente creíbles. En ellas se puede observar toda la habilidad y talento que caracterizaban a este boxeador. La pelea que ocupa un mayor espacio en la cinta es la que sostuvo contra George Foreman, ésta tuvo lugar en Zaire. Acá se muestra con todo realismo el ambiente previo y durante el combate.

Dentro de los fallos del filme se encuentra la inclusión de Malcom X como personaje, pues en principio pareciera que la historia que se está contando es la suya. En este sentido la comparación con la película de Spike Lee (Malcom X), es inevitable. Otro aspecto en contra se encuentra en la mencionada pelea en Zaire, pues a pesar de lo anotado anteriormente, aquí también es inevitable la comparación, esta vez con el excelente documental ?Cuando éramos reyes?.

Ali, dirigida por Michael Mann, constituye para aquellos que no lo vieron en su momento, una buena oportunidad para conocer un poco de la vida del mejor boxeador de todos los tiempos y para aquellos que lo vieron, la oportunidad de verlo de nuevo y comparar con las peleas originales. No saldrán decepcionados. Calificación: 8.

fernandoramos@mixmail.com.

Por eso cuando una película producida en el viejo continente aparece en cartelera, se debe aprovechar la oportunidad para ver algo distinto.

El festival de cine organizado por la Unión Europea ha presentado este año una buena cantidad de filmes producidos en los países miembros. Esta muestra es un esfuerzo que cualquier cinéfilo agradece.

Un aspecto importante es la seriedad con la que se organizó el evento. Esto se evidencia en el despliegue publicitario realizado para su promoción; sin embargo existen algunas cosas que (en mi opinión) le restan atractivo a la actividad. Una de ellas es el número de cintas presentadas, esto hace que la muestra se vuelva bastante dispersa.

tro aspecto es que, salvo uno que otro título, sólo se tiene una oportunidad para observar cada filme. Un punto al que se le debe poner mayor importancia es el que se refiere a la calidad, pues si a la primera el espectador se topa con una producción de baja calidad, lo más seguro es que ya no vuelva para una siguiente función.

El año pasado tuve la oportunidad de presenciar siete películas, de las cuales una o dos pueden calificarse como buenas. Este año pude observar dos “Una relación prohibida” y “El río”, ambas de una calidad muy baja y de un ritmo bastante tedioso.

Este año el festival se cruzó con el estreno de “Spider-man”, filme que ha sido presentado como el máximo exponente, en los últimos años, del cine de entretenimiento. Por esta razón los circuitos de cine comercial no dudaron en tapizar toda su cartelera con la efigie del “arácnido”.

El filme tiene un argumento simple, pero efectivo, una especie de Spider-man para principiantes. Los efectos especiales son el principal atractivo. Sobresalen las escenas en donde el trabajo digital y la fotografía le dan una imagen de “comic” a la cinta.

Esto sucede cada vez que el héroe entra en acción. Aunque los personajes están supeditados a los efectos especiales, la actuación de Tobey Maguire (Spider-man), es muy convincente. Lo cierto es que él es un actor con bastante talento. Dirigida por Sam Raimi, Spider-man logra en buena medida el objetivo de entretener al público. Conste que el ritmo de la película no es tan vertiginoso como se anuncia. Calificación 7.

Otros deportes han sido recreados en buena cantidad de películas, entre ellas sobresalen las dedicadas al boxeo: Toro Salvaje, Rocky, Huracán y recientemente, Alí.

La razón principal por la que el cine no se ha ocupado del fútbol, aun siendo el deporte más popular del mundo, radica en el bajo nivel de popularidad que tiene en los Estados Unidos.

Historias, personajes y eventos para ser contados existen una gran cantidad, por ejemplo: a quién no le gustaría saber si hubo algo extraño en el mundial del 78 (me refiero al partido que Argentina ganó a Perú 6 a 0 y que le permitió clasificar a la final), o, por qué Brasil jugó tan mal la final del mundial de Francia 98. Casi todos los mejores jugadores han tenido vidas de película: Ronaldo, Romario, Pelé, Maradona, han sido extraídos de familias pobres, para luego alcanzar fama y fortuna por obra y gracia de un balón de fútbol.

Los pocos filmes que han abordado el tema han sido de malas historias y malas actuaciones, dos de estos (entre los pocos que recuerdo haber visto ), han tenido como protagonista al mismo ?Rey Pelé?, quien como actor no habría perforado ninguna red. A pesar de ser mala producción, muchos recordarán ?Fuga a la victoria?, en donde además de Pelé, actuaron otros futbolistas de la época como Oswaldo Ardiles y Uwe Séller, además de Silvester Stallone, quien por supuesto, ni es buen actor, mucho menos buen futbolista.

Otra cinta, recordada quizá por menos personas, es ?Pequeño milagro?, en donde Pelé es el entrenador de un equipo infantil. Lo anecdótico es que, durante uno de los partidos, los niños ejecutan algunas de las maniobras que en su día realizará Pelé. Otro filme acerca del fútbol es ?El chanfle?, con Chespirito, y que tire la primera piedra aquel que no la haya visto. En fin, todo lo anterior es simplemente pretexto para hablar, un poco, del fútbol, deporte al que el cine le debe una gran película, pero bueno ¿cómo podría un actor reproducir las filigranas de Pelé, los sutiles toques de Romario, o menos aún, el maravilloso juego de Maradona en México 86?. Disfruten el mundial.

fernandoramos@mixmail.com.

Muchos podrán decir que se “doblaron de la risa” viendo, “las películas de miedo” o “las tontas películas americanas”, eso, por supuesto, no tiene nada de malo, de alguna manera hay que desquitar el valor de la entrada. En cartelera se encuentra “Los excéntricos Tenembaum”, una bien lograda comedia, dirigida por Wes Anderson; basada en un magnífico guión escrito por Owen Wilson.

Es la historia de una familia “sui generis” integrada por los padres y tres niños genios. Uno de ellos es un prodigio del tenis; otro, de las finanzas y la niña es una escritora de mucho éxito, pero el tiempo pasa, los niños crecen, los padres se separan, entonces el éxito es reemplazado por la soledad y el vacío.

Eso es solo el principio. La acción inicia cuando, muchos años más tarde, Royal, el padre, intenta recuperar a su familia. La cinta es un inmenso álbum fotográfico, en donde se ven retratados todos los estadios emocionales de la soledad y la depresión, todo matizado por una inteligente dosis de humor negro, sin caer en los excesos, ni en los diálogos, ni en las actuaciones; esto último es uno de los mayores logros, pues todos los actores lucen, casi invariablemente, la misma expresión en el rostro durante todo el filme.

Algo que le da un toque de frescura y originalidad a la cinta, es la forma de presentar las escenas. Se puede decir que cada una de ellas es una fotografía instantánea.

La cinta tiene un reparto de lujo, en el que sobresale Gene Hackman (Royal). Su personaje es el más difícil de la película, pero a la vez el mejor logrado. Luego está Ben Stiller. No es exagerado decir que esta es la mejor actuación de su carrera (conste que sus anteriores trabajos no son una muestra de excelente capacidad histriónica), y Gwyneth Paltrow retoma el buen camino, después de su desafortunada actuación en “Amor ciego”.

También actúan Anjélica Houston, Danny Glover, Bill Murray, Luke Wilson y Owen Wilson, todos ellos realizan un trabajo muy bueno. No se la pierda, recuerde que las buenas películas duran poco tiempo en cartelera. Calificación 9.

Los galardones otorgados a Halle Berry y Denzel Washington, el Oscar honorario a Sidney Poitier y la invitación a Woody Allen son algunas de ellas. Entre los beneficiados por la puesta al día de la academia se encuentra Ron Howard (recuerdan a Ritchie, el compañero de Fonsie en la vieja serie Happy Days), cuyo trabajo había sido reconocido por la crítica, pero la academia no lo había tomado en cuenta (Apollo 13 es uno de sus filmes); sin embargo, esta vez, con Mente brillante, ganó el premio a Mejor director y Mejor película.

La cinta cuenta la historia de John Nash, un genial matemático que sufre de esquizofrenia. Basada en un buen guión, en el que se mezclan hábilmente situaciones de la vida real con otras que sólo existen en la imaginación del personaje principal, esta película, aunque bien realizada, tiene muy pocos elementos que logran atrapar la atención del espectador. Quizá lo más relevante es saber si Nash podrá superar la esquizofrenia. Un aspecto interesante es el relacionado con las actuaciones: John Nash, interpretado por Russell Crowe, un actor cuyo talento es garantía, desarrolla un personaje difícil aunque no original. Podría decirse que es una mezcla de Rain Man, Forrest Gump y David Helffgott.

Crowe tiene a su favor el hecho de que no existen otros personajes de peso en la historia; por lo tanto, toda la cinta gira a su alrededor, y aun así no logra alcanzar el nivel que se le vio en Los Angeles Confidencial y El informante.

Una mente brillante es una producción bien realizada, con muy buena fotografía, pero definitivamente inferior a otras como, La fastuosa Moulin Rouge y la monumental El señor de los anillos. Por ello, el premio concedido por la academia sólo puede ser interpretado como el pago de una vieja deuda y sus respectivos intereses acumulados, pues al reconocimiento como Mejor director, se sumó el de Mejor película. Completan el reparto Jennifer Connelly y Ed Harris. Calificación 7.

Un ejemplo de lo anterior es ?La gran estafa? (título en español para, Ocean´s eleven), protagonizada por George Clooney, Matt Damon, Andy García, Brad Pitt y Julia Roberts (citados en orden alfabético) y dirigidos, nada más y nada menos, por Steven Soderbergh (recibió una doble nominación al Oscar en el 2001 por ?Erin Brockovich? y ?Traffic?).

El argumento del filme se desarrolla en torno a la planificación y ejecución del robo de una bóveda, que guarda el dinero de tres grandes casinos de Las Vegas, se trata, entonces, de una operación a gran escala, donde un fino equipo de ladrones echa mano de la más avanzada tecnología para lograr su objetivo.

Precedido de una gran campaña publicitaria, este filme es uno de los más decepcionantes de los últimos tiempos, pues a pesar de estar enmarcado dentro del cine de entretenimiento puro, se esperaba mucho más de semejante elenco.

El problema principal de la cinta radica en la baja calidad de la historia. En ella, los acontecimientos suceden sin ningún tipo de contratiempo, y los que en apariencia lo son, terminan formando parte del perfecto plan trazado por el cerebro de la banda. Es decir, un planteamiento demasiado fácil y un desenlace predecible hasta el más mínimo detalle (nada que McGiver o Los Magníficos no hayan intentado antes en la televisión).

En cuanto a las actuaciones, ninguno de los protagonistas logra una ejecución digna de resaltar. Todos los personajes son planos y sin evidentes dificultades para su creación, tal parece que el afán de lograr el equilibrio entre tanta ?estrella? terminó diluyéndolos a todos; hasta el tradicional encanto de Julia Roberts se ve opacado por la falta de desarrollo de su personaje.

?La gran estafa? es una cinta que desperdicia el talento de todos los que en ella intervienen, pero que, a pesar de todo lo dicho, ha tenido mucho éxito en taquilla. Esto se debe, por supuesto, al carisma que poseen sus protagonistas. Finalmente, puede afirmarse que termina haciéndole honor a su título. Calificación 5.

Detalles técnicos como el sonido, la fotografía y los efectos visuales, generalmente quedan en segundo plano. Conste que esta situación tiene que ver, la mayoría de veces, con los bajos presupuestos y no con el gusto de los directores.

Dentro del ámbito europeo, es Francia el productor de las películas mejor logradas desde el punto de vista técnico. Un claro ejemplo de lo anterior es ?El quinto elemento?; otro, más reciente y ahora en cartelera, es ?Amelie?, una fina comedia que relata la historia de una joven parisina que, en determinado momento, decide influir positivamente en la vida de aquellos que la rodean.

La película está realizada sobre la base de un excelente guión, una preciosa fotografía y sobrias actuaciones, entre las que sobresale Audrey Tautou (Amelie). Ella crea un personaje cuyo rasgo principal es la encantadora mirada de sus enormes ojos negros. Hay algo particular en el guión, pues a pesar de tener puntos de contacto con otras cintas (el prólogo está narrado de la misma forma que ?Magnolia?; hay un personaje que dice tener huesos quebradizos como el cristal, esto ya se vio en ?El protegido?; la forma de incrustar escenas documentales e históricas recuerda a ?Forrest Gump?), el resultado final puede calificarse de original, pues el planteamiento y la resolución de los conflictos tienen giros altamente creativos, capaces de reinventar los lugares comunes que pueda tener el relato.

Quizá el mayor logro de la cinta es la dirección de fotografía, donde se mezclan, hábilmente, colores brillantes con escenas en blanco y negro, que le confieren una identidad propia a esta producción. Uno de los pocos aspectos negativos de la cinta es la voz en ?off?, pues hay momentos en los que, por abusar de este recurso, se interrumpe el ritmo narrativo de la película.

?Amelie?, dirigida por Jean Pierre Jeunet, es un filme en donde la historia y los aspectos técnicos se conjugan con la musicalidad del idioma francés, para lograr una divertida y conmovedora comedia.

Véala, vale la pena. Calificación: 9.

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Toy Story marcó la pauta, de ahí para adelante, los estudios se han esforzado en entregar al espectador más y mejores cintas de este tipo.

Se encuentra en cartelera La era del hielo, el nuevo producto digital de los estudios Fox. El filme narra la historia de un grupo de animales que, ante la inminente llegada del invierno, emigran hacia el sur; el relato toma forma cuando Manny, un mamut de mal genio, decide emigrar en sentido contrario a todos los demás animales. El destino hará que se encuentre con Sid, un simpático y despistado perezoso, quien se ha rezagado de su manada.

A ellos se unen Bodoque, un cachorro de humano que es encontrado por Sid; Diego, un tigre dientes de sable, cuya misión inicial es llevar al bebé humano hasta las fauces del jefe de su manada, y Scrat, una ardilla de comportamiento cástico, a quien solamente le preocupa enterrar en algún lado su preciada bellota.

El resultado final de esta sui géneris mezcla de personajes es una cinta bastante divertida, en donde el entretenimiento es para toda la familia (me he divertido como un enano al verla).

La era del hielo repite la fórmula que diera éxito a Shrek, un personaje enorme y bravucón, acompañado de otro pequeño y con gran sentido del humor. Esta situación, a pesar de restarle originalidad a la cinta, le da el grado de comicidad necesario para mantener la atención del espectador y sacar a flote la película.

Los aspectos técnicos están muy bien cuidados, la expresión facial y corporal de los personajes es bastante convincente, conste que esto ya no es ninguna novedad, otro aspecto relevante es lo relativo a la mezcla de colores, pues a pesar de que los paisajes tienen que ser blancos en su mayoría, los otros elementos causan el contraste adecuado para eliminar cualquier sentimiento de monotonía.

La era del hielo, dirigida por Cris Wedge, se presenta en las salas locales en su versión doblada al español por actores mexicanos, entre los que sobresale la voz de Carlos Espejel (Chiquidrácula), quién hace el personaje de Sid. Calificación: 8.

Ganar este premio significa millones de dólares en contratos y en taquilla; por tal motivo, los estudios se embarcan en gigantescas campañas publicitarias, todo para ganar el beneplácito de los miembros de la academia. La competencia no siempre es leal y transparente, no es raro ver entrevistas en las que el director de tal o cual cinta se queja de alguna campaña negra en su contra.

En medio del revuelo y las escenas que suelen protagonizar ganadores y perdedores, se han producido una buena cantidad de situaciones curiosas (comparto algunas que particularmente a mí, me lo parecen), por ejemplo: el nombre más raro para una película ganadora de un Oscar, One flew over the cuckoo’s nest (1975), que traducido literalmente sería: Alguien voló alrededor del nido del cuco, el título que finalmente se le dio en español fue Atrapado sin salida.

Algunos actores tienen muy raras formas de celebrar. Jack Pallance ganó por su actuación en Vaqueros de ciudad y su reacción fue hacer una serie de despechadas en el escenario, a pesar de contar con casi ochenta años; Roberto Benigni (el actor italiano de La vida es bella), hizo equilibrio sobre el respaldo de los asientos, subió corriendo las gradas y luego bajo en carrera frenética hasta el escenario. Benigni es quizá el personaje más pintoresco que ha ganado un Oscar.

El tipo de personaje que más suele ser premiado es aquel que tiene limitaciones físicas o mentales: Tom Hanks en Forrest Gump; Dustin Hoffman, en Rain Man; Daniel Day Lewis, en Mi pie izquierdo; Anthony Hopkins, en El silencio de los corderos; Marlee Matlin, en Te amaré en silencio; Holly Hunter, en El piano, entre otros. Los musicales rara vez ganan, el último en ganar fue Oliver, en 1968, eso le resta posibilidades este año a Moulin Rouge.

Otro dato, no menos curioso, es que de las treinta y dos películas que compiten este año en las diferentes categorías, en Guatemala solamente se han visto trece; de las cinco nominadas a mejor película, únicamente se han visto dos (El señor de los anillos y Moulin Rouge).

En fin, trivialidades del cine.

Títulos como Náufrago y Antes que anochezca, son ejemplos de lo anterior. Día de entrenamiento es uno de esos filmes basado en un guión poco original, lleno de clisés y que desarrolla ideas que han sido tratadas de mejor forma en otras cintas. Su único punto de apoyo, entonces, son sus actores principales.

La historia se desarrolla en la ciudad de Los Ángeles. Ca. Jake Hoyt (Ethan Hawke), es un policía que aspira a ingresar a la unidad antidrogas. Para que esto suceda tiene que solventar una prueba: pasar un día en las calles con Alonso Harris (Denzel Washington), un experimentado policía, quien enseñará a Jake todo lo concerniente a la lucha contra el crimen.

En el transcurso del día, el joven novato se dará cuenta de que la vida en las calles es totalmente distinta a la que él había visualizado.

Argumento trillado

El argumento de la cinta discurre sobre el trillado tema del bien y el mal. El bueno es representado por un policía de raza blanca y el malo por uno de raza negra.

La acción se desarrolla en los barrios bajos de Los Ángeles, poblados, en su mayoría, por personas de raza negra y otras de origen latino, todo dentro del estereotipo, sin arriesgarse. Películas como Los imperdonables y L.A. Confidential, son excelentes ejemplos del tratamiento que debe darse a este tema.

Otro de los fallos del guión se da en la resolución de los conflictos, en donde algunas casualidades, que rayan en lo absurdo, salvan en un par de oportunidades la vida del policía bueno. A pesar de los evidentes fallos del guión, la cinta logra sostenerse gracias a las magníficas actuaciones de Denzel Washington y Ethan Hawke (ambos están nominados al Oscar). Washington ofrece, como ya es costumbre, un personaje muy bien logrado y lleno de carisma, esto último a pesar de la dureza que refleja su rostro, todo acentuado por su característica forma de agitar los brazos y las manos. Ethan Hawke es un actor en pleno ascenso. Aquí logra la mejor actuación de su carrera.

Día de entrenamiento, dirigida por Antoine Fuqua, es un filme con mas virtudes que defectos. Vale la pena verlo. Calificación ocho.

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Títulos como: The West Wing, The Agency, ER, por mencionar algunos, son ejemplo de lo anterior. Una de las mejores series y quizá la más novedosa es Veinticuatro, misma que se puede resumir de la siguiente manera: Jack Bauer es un agente del gobierno estadounidense, tiene esposa y una hija adolescente, entre los tres están tratando de reconstruir su hogar; una serie de acontecimientos inesperados los llevarán a vivir el peor día de sus vidas.

Casi al mismo tiempo que Kimberly (la hija) desaparece de su casa, Jack es llamado para una asignación especial. Son las doce de la noche, es el día de las elecciones primarias en California, una conspiración para asesinar al senador David Palmer ha sido descubierta, Palmer es el primer hombre de raza negra con verdaderas posibilidades de llegar a ser presidente de los Estados Unidos, por lo que, de llegar a ser asesinado, causaría una profunda crisis política en el país. Jack Bauer es el asignado para evitar que la conspiración se lleve a cabo.

En cada uno de los episodios todos los acontecimientos suceden en tiempo real, esto le confiere un ritmo vertiginoso y angustiante a la narración de los hechos. Para resolver el conflicto principal, han de irse resolviendo pequeños conflictos; pero cada uno lleva a otro mayor, todo envuelto en un clima de desconfianza, pues algún agente de la unidad puede estar involucrado en la conspiración. Jack Bauer es interpretado por Kiefer Sutherland, quien con este trabajo revela (finalmente) su mejor faceta como actor, este papel le valió un Globo de Oro.

Veinticuatro, creada por Robert Cochram, es una magnífica serie en donde la acción se desarrolla, simultáneamente, en cuatro escenarios principales; la forma de disponer las escenas en pantalla hacen que la historia sea cubierta hasta en el mínimo detalle. El único aspecto en contra, aunque atribuible a la cadena que la exhibe, son las odiosas franjas comerciales, que le roban, por lo menos, unos diez minutos a cada episodio. Véala en FOX, los días lunes a las nueve de la noche. Calificación: 10.

Las otras, es decir la gran mayoría, lo único que buscan es entretener. El cine de entretenimiento puro, ha producido algunas cintas memorables (Los enredos de Wanda, Rocky, La máscara, entre otras), pero lo cierto del caso es que la mayoría son para el olvido; con argumentos vacíos, pésimas actuaciones, efectos especiales chafas: pura chatarra. En cartelera se encuentran algunas cintas que pueden ser catalogadas de esta manera. La única, dirigida por James Wong y protagonizada por Jet Li, es una mezcla de acción y ciencia ficción; narra una historia que parece escrita por un niño de diez años. Recuerda las funciones de cine karate que se veían hace años por canal siete. Quizá su único atractivo sean las peleas y los efectos especiales; pero aun estos son una mala copia de The Matrix.

The Zoolander intenta ser una sátira del mundo de la moda. Su inconsistente guión muestra situaciones que rayan en lo absurdo; para hacer reír al espectador acude a los chistes ingenuos o a la chabacanería, sin lograr, en ninguno de los casos, el efecto deseado. El filme es protagonizado y dirigido por Ben Stiller, quien en su afán por ridiculizar el vacío mundo de la moda, lo único que logra es ridiculizarse a sí mismo.

Amor Ciego, dirigida por los hermanos Farrelly, es una confusa y espantosa comedia, en donde todo lo que se observa tiene una connotación totalmente grotesca y de mal gusto. Los limitados recursos de la historia se hacen evidentes cuando se recurre a actores con defectos físicos para lograr el efecto que se desea; esta situación lejos de hacer reír al espectador, lo agrede. Lo anterior, más una buena carga de moralidad, logran una cinta insoportable. Asesinato en el meneo, producción costarricense, dirigida por Oscar Castillo y protagonizada por Pedro Armendáriz, es un filme en el más puro estilo de Los verdulerosy El día de los albañiles, en donde lo único rescatable es que se trata de cine hecho en Centroamérica, aunque con este tipo de filmes, quién sabe si vale la pena presumir.

Hay dos danesas (Bailarina en la oscuridad y Los idiotas, ambas de Lars Von Trier), una francesa (Los ríos de color púrpura, de Mathiew Kassovitz) y una sueca (Bajo el sol), situación que hay que agradecer a los responsables de llevarlas a las salas de cine; y bueno, esperemos que esta tendencia se mantenga.

Bajo el sol es un filme ambientado en la campiña sueca de mediados de los años 50, en él se cuenta la historia de Olof, un granjero cuarentón, quien vive solo desde la muerte de su madre; esa soledad es interrumpida solamente por las visitas de Erick, un joven que presume de conocer mucho mundo y de haber tenido muchas mujeres.

En determinado momento Olof piensa que es tiempo de ponerle fin a su soledad, por lo que publica un anuncio en el periódico local solicitando los servicios de una ama de llaves; entonces entra en escena Ellen.

La cinta está narrada en un tono totalmente melodramático, predecible e ingenuo, pero a su vez encantador; en donde destacan las actuaciones, la música y el paisaje rural, aspectos que el director logra conjugar de manera acertada.

Olof es interpretado por Rolf Lassgard, actor de apariencia física bastante corpulenta, que realiza un gran trabajo, pues le imprime a su personaje el grado necesario de inocencia, sin llegar a convertirlo en tonto.

El personaje de Ellen está a cargo de Helena Bergstrom, quien basa su actuación, principalmente, en la expresión facial, dándole a su personaje un convincente aspecto de seguridad y sensualidad.

Bajo el sol, dirigida por el inglés Colin Nutley, es una película bien realizada, en donde se contraponen, de manera eficiente, la inocencia y el erotismo tratado con fineza y naturalidad.

Uno de los pocos fallos de la cinta es no profundizar en las posibilidades sicológicas que ofrece la historia; por lo tanto, los conflictos se hacen superficiales y el desarrollo del filme se torna plano. Calificación ocho.

Tal es el caso de Abre los ojos (Alejandro Amenábar, España, 1997), filme en el que está basado el nuevo trabajo de Tom Cruise.

Vanilla sky cuenta la historia de un joven empresario, que tiene completo control de su vida, sin embargo, de pronto se ve inmerso en una cadena de situaciones que llegan a perturbar su vida de éxito, haciendo que todo se salga de control.

El trabajo de llevar de nuevo a la pantalla Abre los ojos, fue encomendado a Cameron Crowe, quien cuenta entre sus créditos Jerry Mcguiere y Casi famosos, producciones, más o menos lights, que en su momento le ganaron el reconocimiento de la crítica. Crowe es un director con bastante oficio, pero en esta ocasión no le alcanzó para lograr un buen resultado, pues al adaptar el guión original a su propio estilo, le suprimió dos componentes básicos, el suspenso y la complejidad. Planteado de esta manera, nos encontramos ante una cinta cuya narración discurre sin complicaciones, para asegurarse de que así sea, el recorrido del filme explica qué es lo que esta pasando con el protagonista, algo que no sucede en Abre los ojos, en donde la participación del espectador es mucho más activa.

Uno de los fallos de la película de Amenábar son las actuaciones. En Vanilla Sky sucede lo mismo, Tom Cruise no logra una buena actuación, su personaje luce inexpresivo y sobreactuado. De Penélope Cruz, ni se hable, a pesar de repetir el papel que tuvo en la versión española de este filme, su actuación es bastante mala. Lo cierto es que desde que incursionó en el cine made in USA, cada vez actúa peor; la única que se salva, en el apartado de las actuaciones es Cameron Díaz, su personaje es el más consistente de la película.

Vanilla Sky aporta muy poco a la versión original, por lo tanto, puede decirse que es una cinta fallida, misma que sólo será recordada como una mala copia de Abre los ojos.

Calificación seis.

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Apoyado en un guión audaz y excelentes actuaciones, Fincher realiza una severa crítica a la sociedad estadounidense. El personaje principal (Jack), es el típico profesional, joven y ambicioso, cuyo éxito se mide en función de la inagotable capacidad de la billetera para cubrir sus necesidades más superfluas, mismas que son impuestas por un sistema de alienación, que propone a todos sus integrantes sumergirse en el consumo masivo, pues éste es el único medio para realizarse como persona; el resultado global es una sociedad satisfecha hasta el mínimo gusto, pero que ha perdido la capacidad individual de emocionarse.

Jack es una persona más o menos cuerda, quien de pronto se encuentra con Tyler Durden, un tipo anárquico, sin ninguna clase de apego a las cosas materiales, habitante de una casa en ruinas. Personajes diametralmente opuestos, pero, por lo mismo, complementarios.

El filme es una excelente mezcla de elementos visuales, humor negro, diálogos lúcidos y música muy acorde a lo que se narra; el desarrollo de la historia va de lo particular a lo general, lo que empieza con una terapia de dos personas, empieza a ganar, de manera imperceptible, más y más adeptos, hasta llegar a propagarse por todo el país.

El club de la pelea es un filme corrosivo, que pone en evidencia a una sociedad enferma, cuyos miembros han encontrado en la violencia y el anarquismo, la vía para escapar de su propio sistema de alienación.

Jack es interpretado por Edward Norton, y Tyler Durden por Brad Pitt, quienes ponen de manifiesto su talento al dotar de gran realismo a estos personajes complejos y de difícil elaboración.

Cinta hiperrealista, irreverente e iconoclasta, que en poco tiempo pasó a formar parte de ese selecto grupo de producciones que conforman el llamado cine de culto, inscrita en la línea de La naranja mecánica de Kubrick y Pulp Fiction de Tarantino, ésta es una de esas raras películas que escarban en lo más profundo de la sociedad estadounidense, mostrando sin ninguna concesión el alto grado de descomposición que afecta a todos sus estratos.

Disponible en video. Calificación: 10.

Producciones como La femme Nikita, El quinto elemento, El clóset; además de la inserción en el cine ?made in USA?

Sin embargo, en determinado momento supo dar el salto cualitativo hacia papeles más serios, de ahí que sus participaciones en películas como Doce monos, Pulp Fiction, El sexto sentido, entre otras, demostraron que además de volar edificios y atrapar terroristas, también era capaz de interpretar personajes basados más en el esfuerzo intelectual, que en el físico.

Su más reciente trabajo se titula Vida bandida (título en español para Bandits), filme que cuenta la historia de dos ladrones, quienes después de escapar de prisión van de pueblo en pueblo asaltando bancos (por cierto, de una manera muy original), el fin último de los asaltos es reunir la cantidad necesaria que les permita retirarse de su vida bandida y llegar a establecerse como personas decentes.

La cadena de robos despierta el interés de los medios de comunicación, éstos, por supuesto, convierten a los delincuentes en héroes populares.

La cinta es dirigida por Barry Levnson (Rain Man, Avalon, Wag the dog), quien se aparta del tono nostálgico, habitual en sus películas, para llevar a la pantalla una producción caracterizada por su indefinición de género, pues tiene momentos de comedia, de acción, de melodrama (triángulo amoroso incluido); situación que influye de manera negativa en la calidad de la película.

Los altibajos en la narración de la historia son evidentes; por ejemplo, después de una escena de acción, la pausa es muy prolongada; el giro que toma la historia de amor, lejos de ser original, aporta muy poco al desarrollo global de la cinta.

A pesar de lo anterior, las actuaciones y el ritmo vertiginoso de ciertos pasajes logran sacar a flote el filme; los bandidos son interpretados por Bruce Willis y Billy Bob Thornton, ambos logran muy buenas actuaciones, pero sobresale, por su dificultad de elaboración, el personaje de Thornton (póngale atención a la expresión facial, al movimiento de manos y al tono de voz).

Vida bandida es una producción aburrida por momentos, pero entretenida la mayor parte del tiempo; definitivamente, no es uno de los mejores trabajos de Barry Levinson. Calificación: 6.

Prueba de ello es que a pesar de haber ganado el Globo de Oro en dos años consecutivos (1999 y 2000), para los Oscars ni siquiera ha sido nominado.

A pesar de los premios (recibidos y no recibidos), Carrey es uno de los mas talentosos actores que existen en la actualidad. Su carrera despegó con La mascara, siguiendo con Ace Ventura

Entre todas se reparten la exhibición de nueve películas; de las nueve, solo dos realmente merecen ser vistas: El señor de los anillos y Monsters Inc.

Destinar dos o tres salas a la presentación de cine alternativo (por llamar de alguna manera al cine arte, cine europeo, cine independiente), puede ser una buena idea, que por otro lado, difícilmente comprometerá la rentabilidad de todo el circuito.

Una de las nueve opciones en cartelera se llama Señales de Amor, comedia romántica protagonizada por John Cusack (Jonathan Trager) y Kate Beckinsale (Sara Thomas). Jonathan y Sara, se conocen accidentalmente en una tienda, cuando ambos intentan comprar el mismo par de guantes.

Entablan una conversación y luego deciden pasar un rato juntos; pero, lo que parece ser un amor a primera vista, tiene que pasar la prueba del azar. Resulta que Sara cree, ciegamente, que el destino es quien debe decidir todo lo concerniente a la vida de las personas, el plan entonces es perderse de vista y esperar a que el destino los junte nuevamente, solo así sabrán que son el uno para el otro.

El desarrollo de la historia, además de predecible y nada original, es inconsistente. Los hechos que deben reunir irremediablemente a la pareja, algunas veces son fortuitos, sin embargo, la mayoría de las veces son forzados, ya sea por los protagonistas, o bien, por obra y gracia del guionista.

Las actuaciones aportan poco o nada al desarrollo del filme, pues los personajes están mal elaborados y son poco convincentes. Otro aspecto es que los diálogos y situaciones ofrecen pocas oportunidades de esbozar una sonrisa, no digamos de soltar una carcajada. Se supone que para eso son las comedias.

Señales de amor, dirigida por Peter Chelsom, es una fallida producción, de esas que abundan.

Calificación cuatro.

Quizá esto, en parte, se deba a las políticas de exhibición y distribución que adoptan los circuitos de cine comercial. Sucede que los buenos filmes, siempre son asignados a los cines menos atractivos, da la impresión de que ellos mismos no saben distinguir si una cinta es buena o mala. Una de las pocas películas realmente buenas que se vieron durante el 2001, es Bailarina en la oscuridad, sin embargo, la misma estuvo sólo una semana en cartelera. La cinta narra la historia de Selma, una mujer proveniente de Checoslovaquia, quien ha llegado a los Estados Unidos para trabajar y de esta manera ahorrar el dinero necesario para la operación de su hijo.

La vida de Selma es difícil, ella tiene que luchar contra la ceguera (quedará ciega por una enfermedad hereditaria), se siente culpable por haber heredado la misma enfermedad a su hijo, y además se dan otras circunstancias conforme avanza la historia que le dan finalmente connotaciones de tragedia.

El filme es una magnífica muestra de Cine-arte, en donde los aspectos técnicos están completamente al servicio de la historia y los actores. El director de la cinta, Lars Von Trier, hace un duro retrato de la realidad, en donde mezcla hábilmente aspectos inherentes a la condición humana, (envidia, codicia, mentira, compasión, amor, entre otros), con la música y el baile, estos últimos existen sólo en los sueños de la protagonista, lo cierto es que la parte musical es uno de los mayores logros de la película. La música y las canciones sirven de vía de evasión a Selma, interpretada magistralmente por Bjork, quien además de actuar bien tiene una voz impresionante.

La música y la coreografía son evocadas a partir de cualquier ruido, sea en la fábrica, en la calle, sobre la vía del tren, todo formando parte del fluir de conciencia del personaje principal. Ganadora de la Palma de oro en Cannes, Bailarina en la oscuridad es una producción que golpea constantemente la sensibilidad del espectador, hasta dejarlo -literalmente- aturdido. Completan el reparto Catherine Deneuve, David Morse y Peter Stormare. Calificación: 9.

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La Grecia homérica rinde el culto a los héroes muertos de la religión micénica y los relatos se basan en las relaciones de hombre-dioses.

Los héroes griegos hacen de su vida un camino de perfección. El primer relato caballeresco está escrito todavía en latín. Las ?historias reales? narran las hazañas de los reyes históricos, sus acciones públicas, sus guerras y sus venganzas.

El epos homérico se transforma en las epopeyas francesas del Medioevo tardío o en la alta Edad Media de la novela en prosa. Posteriormente los románticos hacen reales de la sociedad y de sus costumbres.

Se escribe con la finalidad didáctica durante la Ilustración alemana, con el lema que lo verdadero, lo bello y lo bueno no puedan existir lo uno sin lo otro. Basta citar a Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) y sus obras ?Wilhelm Meister? o ?Las afinidades electivas?. En cuanto a Friedrich Schiller, el segundo poeta más grande de Alemania, (1759-1805) su obra marca la misma tendencia con ?Wilhelm Tell?, ?La doncella de Orleans?, ?Wallenestein? y ?María Estuardo?.

El poeta busca la armonía con la vida por la vía de una comunión con la naturaleza y expone la lucha del hombre idealista en su conflicto con la realidad quien afirma sus ideales a través de su libertad interior.

Durante la época posterior del ?realismo? la sociedad produce en su literatura hombres como la naturaleza produce animales o especies zoológicas. Luego a los escritores insisten en que la materia tiene sus normas y el hombre está sometido a ellas como la piedra o la herencia animal. Las pasiones tienen su fisología y se indaga ?el escritor-médico? por su cómo y se renuncia a su por qué. La nivelación plebeya conduce a la democracia donde la realidad tiene sus leyes y se supone que el arte carece de fines.

El escritor debe renunciar a imaginar, a sentir y a preferir. Se convierte en ?observador?, psicoanalizador de sus personajes y convierte con el tiempo moderno su arte en la literatura comprometida, que defiende los intereses extraliterarios de la sociedad. La novela se vuelve arte de masas, refleja la realidad económica del mundo frente a lo aristocrático de la música, la poesía y la escultura. Surge la ?novela rosa? para la televisión y para las criadas desocupadas en ciertas horas.

Y alguna que otra novela que se ocupa de la existencia de Dios revelado por el catolicismo español de su tiempo, logra lugar en la novelística de una autora como la Pardo Bazan. La preocupación realista-naturalista del siglo pasado del creador, que se ha vuelto observador como Zolá, lo sustituye el modernismo del antihéroe, que quiere ser él mismo, porque no lo es. La novela de vanguardia se caracteriza por su falta de caracteres identificables, donde todo cabe, un terreno vago del cual nada está excluido.

Frente a una realidad adversa el antihéroe, quien lejos de morir por amor, es un tipo sin desbordes sentimentales, frío y oportunista en la mayoría de las novelas contemporáneas, la vida se transforma en un conflicto personal. La realidad cambia de sentido y la creación literaria se torna en un depósito de heterodoxinas, universalismo, confrontación ?nación mundo?, y lucha feroz por la vida. Después de haber pasado varios siglos intentando enseñarnos a madurar en el mundo, el arte de novelar se encierra ahora en el laberinto del sinsentido.

Un maestro a punto de retirarse, recibe en su aula un nuevo alumno, quien ha entrado algo tarde a la escuela por el miedo a que el maestro lo golpee.

El ingreso de Moncho (Manuel Lozano) a la escuela da la pauta para el desarrollo de la historia. A partir de la relación con el maestro y sus compañeros de aula, inicia el conocimiento de muchas cosas que hasta ahora le son le son desconocidas. En primer lugar, que el maestro no pega, luego, descubrimientos que tienen que ver con religión, política, poesía, sexo, lealtad y, por supuesto, con las mariposas.

Planteada de esta manera, la película se antoja encantadora, y lo es; sin embargo, tiene algunas fallas que la hacen una cinta de mediana calidad. El guión no tiene un hilo conductor

Cintas como El color púrpura, Imperio del sol y principalmente La lista de Schindler, son ejemplo de ello.

Su última producción, Inteligencia Artificial, es un antiguo proyecto de Stanley Kubrick, quien personalmente le pidió a Spielberg que lo llevara a la pantalla. El filme está magníficamente realizado, con toda la técnica que acostumbra este director, es decir, un espectáculo visual.

La historia está ambientada en el futuro, en un mundo en el que los humanos han desarrollado la tecnología necesaria para fabricar androides, que puedan sustituirlo en casi cualquier actividad. Dentro de este marco es creado un pequeño robot llamado David, cuya apariencia es idéntica al de un niño normal, y que tiene la particularidad de tener sentimientos.

La cinta está claramente dividida en tres segmentos, cada uno de ellos con distinto matiz, el primero tiene una carga emotiva muy fuerte y algunos dilemas morales, el segundo es la parte que corresponde al entretenimiento, típico del cine de Spielberg, la tercera parte es la mas profunda del filme, en donde se plantean los dilemas filosóficos, propios del cine de Kubrick, tanto así que trae a la memoria algunas escenas de 2,001 Odisea del Espacio.

La cinta, en su conjunto, puede ser calificada de muy buena, sin embargo hay algunas cosas que van en detrimento de la misma, por ejemplo: la historia no está bien conjuntada, situación que la hace soporífera en algunos momentos, por otro lado, el peso de las actuaciones no está bien distribuido, esto hace que casi toda la carga sea llevada por Haley Joel Osment, (el niño prodigio del El Sexto Sentido), quien, a pesar de flaquear en una que otra escena, logra una actuación excelente, y que lo confirma como uno de los actores mas sólidos de la actualidad (a pesar de tener sólo 14 años).

El filme contiene escenas para la reflexión, como aquella en donde David, encuentra al Hada Azul, y en vano le implora durante dos mil años que le haga el milagro de convertirlo en un niño de verdad. Una metáfora muy del estilo de Kubrick, que pone de manifiesto el lado humano del androide, que ha creado a su propia divinidad, extraída del cuento de Pinocho. Completan el reparto Jude Law (Gigoló Joe), y William Hurt (profesor Hobby).

Las características que distinguen a este espécimen surgido en la década de los ochentas, son la inclinación al gasto excesivo, comer en restaurantes finos, vestir ropa de diseñador; pero con estilo agresivo, adicto al trabajo, por lo tanto sin tiempo para entablar relaciones duraderas, en fin, el éxito medido en función de la superficialidad y la inagotable capacidad de la billetera para satisfacer las exigencias del momento.

Dulce Noviembre es una producción que tiene como protagonista principal a Nelson Moss (Keanu Reeves), un personaje con todas las características descritas anteriormente, y que manifiesta tener un control total sobre su vida.

Por otro lado está Sara Deever (Charlize Theron), una atractiva joven a quien poco le importan las superficialidades de la vida, interesada únicamente en vivir al máximo cada momento, sin importar las consecuencias.

Las circunstancias hacen que ambos personajes se crucen entre sí y, a raíz de ello, Sara ve en Nelson a alguien necesitado de ayuda, por lo que le propone que viva con ella durante un mes, con la promesa de que en ese tiempo él encontrara el verdadero sentido de la vida.

La cinta pretende hacer una contraposición entre dos estilos de vida, donde la necesidad de tenerlo todo sea sustituida por la necesidad de tener a alguien con quien compartir lo poco que se tiene.

Sin embargo, esta pretensión se queda sólo en eso, pues a partir del encuentro de los dos personajes todo se hace confuso, parece que el director no sabía qué rumbo darle al filme, o quizá sea culpa de un mal elaborado guión, lo cierto es que todos los personajes, ademas de inverosímiles, están fuera de lugar dentro de la historia, aparecen pero no se llega a saber a ciencia cierta por qué aparecen.

Dulce Noviembre, dirigida por Pat O?Connor, es una película que cae en la sensiblería, al tiempo que desperdicia el talento de Keanu Reeves y Charlize Theron, (en el caso de que lo tengan).

A lo largo del tiempo el cine ha tenido en la guerra un tema recurrente, filmes como: La lista de Schindler, Pelotón, La vida es bella, La delgada línea roja y los primeros veinte minutos de Salvando al soldado Ryan, -sólo por mencionar algunas producciones recientes- han sido verdaderamente memorables.

Otra película que trata el tema es Underground la Opera Magna del Yugoslavo Emir Kusturica; ganadora de la Palma de oro en Cannes en 1,996, narra parte de la historia de Yugoslavia, iniciando por la II Guerra Mundial, hasta llegar a la guerra de los Balcanes.

La trama gira en torno a un grupo de personas, quienes para escapar de los bombardeos se recluyen en un refugio antiaéreo; bajo tierra y sin idea de lo que pasa en la superficie, su única fuente de contacto con el exterior es un hombre llamado Marko, quien les hace creer que allá afuera el peligro continúa, situación que no es del todo mentira, pues si bien es cierto una guerra ha terminado, otra ha comenzado y luego otra, en esa situación de confianza y desinformación, permanecen en el refugio por más de cuarenta años; obviamente no pierden la esperanza de salir de nuevo al mundo real, paradójicamente, el refugio se convierte en una fábrica de armas, que son comercializadas hábilmente por Marko.

Underground es una historia cargada de humor negro, en donde se hace una metáfora de cómo los que tienen el poder, manipulan a las mayorías para hacerlos creer en algo que realmente no existe, al tiempo que crean héroes y figuras mitológicas, para ayudarse mantener el ?status quo?; es decir, la puesta en escena de la historia de la humanidad.

El filme de Kusturica está disponible en video, recomendable para ver y reflexionar en tiempos de guerra, pues quien sabe si el mundo vive en un subterráneo y los que están en la superficie, sólo muestran lo que a ellos les conviene que sea conocido.

La nueva cinta de Ted Demme es un claro ejemplo de lo anterior. La película ?Inhala? está basada en el ascenso y caída de George Boston Jung, quien llegó a ser, durante la década de los setentas y parte de los ochentas, uno de los principales capos de las drogas en los Estados Unidos.

Socio directo de Pablo Escobar, Jung supo escalar todos los puestos en la cadena de distribución, desde pusher hasta ser el responsable de la logística de transporte y distribución de grandes cargamentos de cocaína, para finalmente perderlo todo. La frase que el mismo Jung menciona al terminar el filme ejemplifica de mejor manera lo anterior: ?Mi ambición superó mi talento?. La cinta es una de ésas que salen a flote por las sólidas actuaciones.

George Jung es interpretado por Johnny Deep, quien logra una gran actuación (que quizá le alcance para una nominación al Oscar, o por lo menos al Globo de Oro); su personaje es la representación de la otra cara de la moneda del sueño americano, en donde se acumulan rápidamente grandes fortunas, sin tener plena conciencia del riesgo que esto conlleva.

La película muestra -aunque no a profundidad- el mundillo del narcotráfico, en donde la lealtad, la confianza y los valores personales son el pretexto para aprovecharse de los socios en la menor oportunidad. Sin embargo, por tratarse de una historia de la vida real, la cinta escapa de caer en conclusiones moralistas.

Otro de los personajes sobresalientes es Derek Foreal, interpretado por Paul Reubens, quien a base de una buena técnica de expresión corporal logra que su personaje sea imprescindible para el desarrollo del filme. Dentro del reparto participan los españoles Jordi Molla y Penélope Cruz, el primero hace una buena actuación, por momentos excelente. La segunda no logra darle consistencia a su personaje, por lo que su actuación es fácilmente olvidable.

?Inhala?

El cine de verano no fue capaz de brindar calidad. Por ahora sólo queda esperar la temporada de fin de año.

Mientras esto sucede, no queda otra que seguir buscando algo que ver, entre lo que se ofrece en las salas de cine. Una opción recomendable, es la cinta dirigida por Sam Weisman, (George de la jungla), ?¿Qué más podría pasar??

Esta es una comedia ligera, por momentos ingeniosa y bien actuada, con situaciones de enredos, que se atan y desatan fácilmente en cada escena. Kevin Kaffery, (Martin Lawrence), es un ladrón más o menos fino, que acude a subastas de arte para aprender qué objetos vale la pena robar. Sus blancos son casas de gente rica.

Cuando entra a robar a la casa de Max Fairbanks, (Danny De Vito), un conocido multimillonario, es atrapado por éste, quien lo entrega a la policía. Antes de ser llevado preso, Fairbanks le roba a Kafferty, un anillo que su recién conocida novia le ha regalado.

A partir de esto se inicia una tremenda batalla entre ambos: por recuperar su anillo y el otro por conservarlo, pues lo considera un botín de guerra.

El filme tiene el mérito de hacer reír de principio a fin, sin llegar a extremos vulgares. Los recursos a los que se echa mano no son complicados, pero cumplen su propósito.

Martin Lawrence, es un actor tipo Eddy Murphy, con bastante carisma y aunque a veces parece que sobreactúa, a la larga es realmente simpático; algo particular en él es su expresión facial, con ojos que unas veces parecen salirse de sus órbitas, y otras veces lo hacen parecer bizco, además de labios retorcidos para acentuar el gesto; que conste que no es un gran actor, pero es muy chistoso.

El otro personaje en conflicto es interpretado por Danny De Vito, quien ya se sabe, es un cómico natural, pero también es un buen actor, acá logra una actuación aceptable y mesurada, con la que hace contrapeso a algunos de los excesos de Lawrence.

La necesidad por parte de las personas de tener artículos para el consumo, y la sagacidad del mercado para inventar estos productos han marcado la pauta en el ?desarrollo?, no sólo de esa sociedad, sino en todas aquellas sociedades que tienen a la primera como modelo a seguir.

En 1992, un joven cineasta llamado Robert Rodríguez presentaba en el Sundance Festival su ?ópera prima?: El Mariachi, película cuyo mérito principal fue haber sido realizada con un presupuesto de siete mil dólares y protagonizada por actores aficionados.

La novelería del público no tardó en manifestarse, pues por su medio el filme recibió un premio especial. Inmediatamente Rodríguez obtuvo el apoyo para realizar otra versión de su ?Mariachi?, esta vez con Antonio Banderas y Salma Hayek como protagonistas, y un presupuesto de seis millones de dólares (de cualquier manera, un presupuesto pequeño para lo que Hollywood está acostumbrado a gastar); la cinta resultó una mala copia del cine de John Woo (compárese ?Desperado? con producciones como ?Once a thief? y ?Face off?).

Luego de eso vinieron ?From dusk till dawn? y ?Four rooms?, filmes que salieron a flote más por la intervención de Quentin Tarantino que por la calidad de las mismas. Tarantino es uno de los más talentosos directores de cine de la actualidad, pero con manías bastante excéntricas y, por lo visto, quizá esté empeñado en redescubrir el agua azucarada, como lo demuestra su apoyo a Rodríguez y más recientemente al participar en proyectos como ?Little Nick?.

El más reciente trabajo de Rodríguez se titula ?Spy kids?, basada en su propio guión y protagonizada (cómo no) por Antonio Banderas, con un presupuesto de 35 millones de dólares. Esta realización dirigida a toda la familia (por lo tanto distinta de todos sus trabajos anteriores) cuenta una historia totalmente ingenua, con personajes que parecen extraídos de Plaza Sésamo y efectos especiales tan comunes que hasta se ven ?chafas?.

Sin embargo, en los Estados Unidos la cinta fue un éxito de taquilla.

Ahora, en un alarde de creatividad, está rodando, junto a Banderas, ?Erase una vez en México?, versión definitiva de El Mariachi.

Durante esta época, los estudios se enfrascan en una guerra mercadotécnica, cuyo propósito es recuperar con creces los presupuestos multimillonarios que se han invertido, algunos lo logran, otros no. Entonces, el espectador aporta los billetes y los productores la entretención, parece un buen trato.

Sin embargo, no siempre es así. Este año, por ejemplo, Pearl Harbor, anunciada con gran despliegue de publicidad, ha resultado aburridísima. Otra de las producciones que se disputan la taquilla actualmente es ?Evolución?. Sucede que en algún lugar de Arizona se estrella un objeto proveniente del espacio.

Este trae consigo organismos unicelulares, los que al estar en tierra, inician inmediatamente su evolución, (esto es lo único interesante del

filme, ver casi todos los estadios de la evolución en pocos minutos). Es cuestión de tiempo para que las cosas se compliquen, pues al ritmo que los alienígenas evolucionan, no tardarán en apoderarse de la tierra.

Obviamente en este punto se hace necesario tener algunos héroes que luchan por defender la tierra, y otros no tan héroes que solo buscan quedarse con el crédito.

?Evolución?, es dirigida por Ivan Reitman, el mismo que hace años nos divirtiera con Cazafantasmas. El problema es que al tratar de imponer la misma fórmula que antes le diera éxito, el resultado esta vez es muy malo. Cazafantasmas contaba con actores como Bill Murray y Dan Aykroyd, cómicos por naturaleza, lo cual no sucede en esta cinta.

El personaje principal está a cargo de David Duchovny, (el mismo de Los expedientes X), quien pese a estar acostumbrado a lidiar con extraterrestres, demuestra que para él es más fácil hacerlo en un plano serio, pues la comedia no se le da. Los otros personajes que conforman el escuadrón ?Cazaextraterrestres? son Orlando Jones, quien interpreta al payaso del grupo y Seann William Scott, quien hace el papel de tonto, a ellos se les une la chica guapa -bastante tontita, por cierto-, interpretada por Julianne Moore (¿qué hace esta talentosa actriz metida en este tipo de proyectos?).

El resultado final es una comedia bastante pobre, en donde hay que aprovechar la menor oportunidad para soltar una buena carcajada. Entonces ¿en dónde está el entretenimiento?.

?Pearl Harbor?, la más reciente producción sobre este tema, narra los acontecimientos que sucedieron antes, durante y después del ataque japonés a la base militar estadounidense ubicada en el puerto del mismo nombre, y que dio motivo a que los Estados Unidos entraran a combatir en la Segunda Guerra Mundial.

Pero lo que ocupa la mayor parte del tiempo es una historia de amor inmersa dentro de la guerra (un triángulo amoroso entre dos amigos y una bella enfermera, nada nuevo bajo el sol).

La cinta ha sido anunciada como una de las más espectaculares de todos los tiempos, capaz de romper todos los ?récords? de taquilla.

Habrá que esperar el cómputo final. Este filme de casi tres horas de duración y ciento treinta y cinco millones de dólares de presupuesto, deambula entre los logros técnicos y los monumentales fallos del guión en donde la historia de amor aporta pocos elementos valiosos al desarrollo de la cinta, cada escena es dramatizada a la fuerza mediante el uso de la cámara lenta y la exageración en la banda sonora.

Los diálogos son tan trillados, al grado que cada palabra pronunciada por los personajes busca ser una frase célebre. Al parecer, el guionista olvida que está relatando una tragedia y casi llega a convertirla en caricatura.

Por otra parte, el conjunto de las actuaciones aportan poco o nada a la película, entonces se puede decir que toda la primera parte es prescindible y soportarla es casi estóico.

El verdadero logro de la cinta es la recreación del bombardeo a Pearl Harbor, en donde a lo largo de más de cuarenta minutos, se hace un impresionante derroche de explosiones y efectos especiales, un verdadero pandemónium que envuelve totalmente al espectador, hasta llevarlo a sentir angustia y ansiedad por no saber en qué momento dejarán de caer las bombas. Es quizá una de las mejores escenas bélicas que haya visto el cine.

?Pearl Harbor?, dirigida por Michael Bay, protagonizada por Ben Affleck, Josh Hartnett y Kate Beckinsale, es merecedora de ser vista, muy a pesar de la historia de amor.

Es recomendable buscar constantemente algún motivo generador de risa; ver una buena comedia en el cine siempre es una opción, lo difícil es que esa buena comedia esté en cartelera, por eso es bueno aprovechar cada oportunidad.

Shrek se anuncia en los medios como ?El mejor cuento de hadas que nunca se contó?, y aunque el ?slogan? es bastante pretencioso, la cinta no decepciona. El filme, basado en el libro para niños escrito por William Steig, es un ingenioso relato que trata de reinventar el gastado género de los cuentos de hadas, aspecto que logra en buena medida; la acción se inicia cuando el tranquilo pantano, habitado exclusivamente por Shrek, es invadido por una multitud de criaturas provenientes de otros cuentos, quienes han sido desterradas del reino por el temible Lord Faarquad.

Este ha logrado reunir a todos estos personajes, ofreciendo recompensa a todo aquel que los entregue, entonces se pueden ver escenas tan inverosímiles, como aquella en donde el mismo Gepetto entrega a Pinocho a cambio de unos ?chelines?. Contaba de esta manera, la historia tiene momentos en donde lo grotesco acentúa lo cómico; lo cierto es que en la versión original en inglés las voces de los personajes principales son aportadas por Mike Myers y Eddie Murphy, actores de comedia que no se caracterizan por ser muy finos a la hora de hacer reír; pero por ser esta una cinta para toda la familia, lo grotesco no llega a ser vulgar.

La cinta es una animación computarizada producida por los estudios Dreamworks, quienes logran imprimirle a los personajes un aspecto realista, principalmente en la expresión facial. La película se presenta hablada en español, el doblaje fue hecho por actores mexicanos.

Destaca Eugenio Derbez, quien presta su voz a Donkey, el burrito parlanchín compañero de Shrek. Quizá lo único negativo del doblaje es el marcado acento mexicano que le confieren a los personajes. Sin embargo, logra salvarse debido a cada ocurrencia de Derbez, con las acostumbradas frases: ?¡Pregúúúúútame!? y ?¡Fue horriiiiiible!?. Este filme es anunciado para público infantil, pero son los adultos quienes finalmente la disfrutan.

Sin embargo, la vida es eso, una constante lucha en desventaja. Está en cartelera ?Cadena de favores?, dirigida por Mimi Leder, quien ha llevado a la pantalla títulos como ?Deep Impact? y ?Peacemaker?, cintas de acción que han tenido algún éxito en taquilla y ninguno entre la crítica especializada. Dejando de lado las explosiones y los efectos especiales, Leder trata con este filme de abordar asuntos más serios, para lo cual dispone de los elementos necesarios, buenos actores y buen guión.

Se plantean dos historias hiladas a partir de un mismo motivo, las cuales parten una hacia otra separadas por cuatro meses en el tiempo; el planteamiento es en principio inteligente, pero llega a perderse precisamente en el momento de su encuentro.

El argumento por un lado muestra a un profesor de séptimo grado, quien al inicio de clases propone que cada alumno realice un proyecto que ayude a mejorar el mundo, el mensaje llega hondo a Trevor McKinney, un niño con una sensibilidad muy especial, cuyo proyecto es iniciar una cadena de favores, de tal forma que él le hará un favor a tres distintas personas y estas a su vez harán lo mismo con otras tres.

Imperceptiblemente la cadena se extiende hasta alcanzar a un periodista, lo cual es motivo a la segunda historia. La película es una conmovedora utopía basada en la inocencia infantil, en donde se involucran personajes necesitados de ayuda, pero sin ninguna disposición a recibirla, mucho menos a ofrecerla. Una clara muestra de la condición humana.

Otro de los atractivos del filme son sus protagonistas, quienes en conjunto ofrecen una sólida interpretación: de Kevin Spacey no se puede esperar menos, pues siempre imprime realismo a sus personajes, Helen Hunt, además de carisma posee un enorme talento y el niño prodigio, Haley Joel Osment, quien es uno de los más gratos descubrimientos del cine estadounidense actual, entre los tres sacan a flote la película.

Despojada de sensiblerías baratas, ?Cadena de favores? hace un recorrido a través de los temores y defectos del ser humano, al tiempo que realiza una búsqueda infructuosa de sus virtudes. Una de las pocas opciones interesantes en cartelera.

Palabras mencionadas por el ?Dr. T?, un ginecólogo que ha pasado toda la vida rodeado de mujeres: su esposa, sus dos hijas, sus pacientes. La cinta ?Dr. T y las mujeres? es dirigida por Robert Altman. Esta es una película que ve a las mujeres de clase alta desde una perspectiva sarcástica, y muestra por medio de cada personaje femenino los intereses que ellas suelen manifestar.

Al mismo tiempo, aparece un reducido grupo de personajes masculinos quienes tienen resuelta la vida de sus esposas y no se complican la vida pensando en lo que ellas necesitan, pues asumen que son felices gastando el dinero que les proporcionan. Altman es un crítico severo de las sociedades de consumo; directo, ácido, iconoclasta, sin concesiones, este director normalmente filma y luego asume las consecuencias del resultado final.

El ?Dr. T?, interpretado por Richard Gere, presume de conocer a las mujeres y de saber cómo tratarlas, pero en la medida que avanza la película va perdiendo el control sobre aquellas que dependen de él; lo cual viene a romper el esquema de vida que ha llevado hasta entonces.

De una u otra manera, lo que Altman plantea es que todas la mujeres están locas, sin embargo, aunque se queda corto en el desarrollo de los personajes logra su cometido. En esta película se puede observar hasta dónde puede llegar la superficialidad no sólo del sexo femenino, sino del ser humano en general.

En determinado momento aparece ?Bree? (Helen Hunt), una mujer independiente y con intereses definidos, por lo tanto diferente a las que el ?Dr. T? ha conocido hasta ahora, por supuesto, se enamora de ella. La cinta fue filmada en Texas, por lo que es inevitable hacer alusión al asesino de ?JFK?. Un detalle interesante es que la mayoría de las tomas que se hacen al aire libre inician desde lo alto, como emulando la vista que tendría un francotirador.

El filme no llega a ser excelente, debido a que no cuenta con actuaciones sobresalientes, sin embargo el conjunto (guión-actuación-dirección), lo hacen además de interesante merecedor de ser visto.

En el pandemónium que se genera sobre el final, el ?Dr. T? va en busca de ?Bree? y le propone lo siguiente: ?Podemos estar juntos, no tendrás que trabajar, ni dar lecciones de golf, ni hacer nada que no quieras, yo puedo cuidarte totalmente y nunca tendrás que preocuparte por nada, jamás?. Ella contesta: ?¿Y por qué querría eso??. El reparto lo complementan Farraw Fawcett, Laura Dem, Shelley Long, Tara Reid, Kate Hudson y Liv Tyler.

En 1991. Jonathan Demme, dirigió “The silence of the lamb”, cinta que habría de convertirse en uno de los “Thrillers”, más intensos y mejor realizados de todos los tiempos. Las actuaciones de Anthony Hopkins (Hannibal Lecter) y Jodie Foster (Clarice Starling), en aquel filme fueron realmente memorables.

Un dato interesante es que Hopkins sólo aparece en alrededor de veinte minutos del total de ciento diez y ocho que dura la cinta y eso fue suficiente para hacerse acreedor al “Oscar” como mejor actor principal.

Diez años después ha sido estrenada la segunda parte, Anthony Hopkins sigue siendo Hannibal Lecter, Julianne Moore es ahora Clarice Starling, pero el cambio más significativo y el cual decide el rumbo de la cinta, es que “Hannibal” ha sido dirigida por Ridley Scott, quien por supuesto tiene menor sensibilidad artística que Jonathan Demme, por lo que el resultado es desastroso.

A diferencia del primer filme, esta segunda parte tiene muchas fallas: la historia es totalmente predecible, los personajes no alcanzan ni por asomo un buen nivel de dramatismo, el ritmo de la cinta es lento y aburrido, y el desenlace es absurdo. De alguna manera Lecter tras las rejas, era un personaje que inspiraba una mezcla de terror y encanto, mientras que estando libre, pierde todo lo que antes lo hizo interesante.

Scott convierte a los creíbles, sólidos y encantadores personajes de “The silence of the lambs”, en planos, faltos de credibilidad y sin ninguna gracia.

El doctor Hannibal Lecter cambia su inteligencia y poder mental, por la astucia y la senilidad, al tiempo que Clarice cambia los nervios e inexperiencia, por un aplomo y experiencia totalmente artificiales. Esta segunda parte al parecer no tenía un claro punto de partida, por lo cual se incrustan -forzadamente- personajes y detalles que no tienen ningún punto de contacto con la historia original.

Por otro lado, a Julianne Moore el papel de Clarice le queda muy pequeño, si se consideran las actuaciones que ha realizado en películas como “Magnolia” y “The end of the afair”, quizá por esto Jodie Foster rechazó participar en la “secuela”. Hannibal, cinta que ha creado muchas expectativas en los espectadores de todo el mundo, termina confirmando el axioma mencionado al inicio de esta nota, ni siquiera la sapiencia de Anthony Hopkins es suficiente para rescatar el filme. Pero no se quede con la duda, véala y haga sus propias conclusiones.

Conste que el acto no se explica ni se entiende; el arte se siente. Acerca de su más reciente film: “Náufrago”, Robert Zemeckis explica: “La trama no es tanto sobre la supervivencia del ser humano, sino de la supervivencia del espíritu humano y es una ilustración de la idea que sobrevivir es fácil, es vivir lo que se hace difícil”.

De “Náufrago” se puede decir que es una cinta muy bien realizada, con impresionantes efectos visuales y sonoros, pero tiene el defecto de que la historia que cuenta es un gran lugar común, por lo tanto la película es completamente predecible.

Además se pueden hacer notar algunos detalles que rayan en lo ridículo; pero que son dramatizados a la fuerza, como la parte en donde el protagonista “reinventa” el fuego, después de haberse -literalmente- destrozado las manos en el intento, o aquella en donde solo después de herirse los pies busca protegerlos.

Si nos atendemos a estos aspectos, lo que explica Zemeckis sobre su realización se queda corto, sin embargo -al igual que en “Forrest Gump” -tiene la suerte que el protagonista principal sea Tom Hanks, quien es el responsable de sacar a flote la cinta, es Hanks el que hace de una historia intrascendente, una gran demostración de su capacidad de dramatización, sin exagerar se puede decir que la película no existiría sin su gran actuación.

Por lo menos dos terceras partes constituyen un monólogo; aunque vale la pena explicar que existen lapsos en los que no se pronuncia ni una sola palabra. Tom Hanks es un actor que se supera constantemente y que madura aún más con cada actuación. Si la academia le confiere su tercer “Oscar” por este trabajo, estaría en camino a convertirse en el mejor actor de todos los tiempos.

“Náufrago”, dirigida por Robert Zemeckis, y escrita por William Broyles, Jr. es una cinta narrada en forma lineal, en donde se sabe con certeza cuál es el principio y el final, por lo tanto, no da lugar a sorpresas; sin embargo es recomendable verla por la magnífica actuación de Tom Hanks.

En las cintas de acción y de terror, la muerte desempeña siempre un papel principal; asesinatos, accidentes, suicidios, son invariablemente punto de partida para realizar una película taquillera, pero, lo que finalmente hace la diferencia entre un trabajo grotesco y uno bien logrado es la habilidad y sutileza del director para justificar lo que el público verá en la pantalla.

En cartelera se encuentra el más reciente film de Martin Campbell, Límite Vertical, quien, entre otros créditos, tiene en su haber Goldeneye de la serie de “007”. La cinta inicia tratando de ubicar la acción, por medio de un drama familiar, en donde padre y sus dos hijos, al estar escalando una montaña, de pronto se ven arrastrados accidentalmente al vacío por quienes después de un breve forcejeo caen irremediablemente, quedando suspendido solamente el grupo familiar.

Entonces el padre le pide al hijo que corte la cuerda que lo sostiene. El padre muere y los dos hermanos se salvan, así de fácil, fin de la escena. Tres años más tarde, el hijo aparece sonriente, fotografiando tigres en el Himalaya.

De ahí en adelante, todo lo que sucede, además de fácil es totalmente predecible. Se supone que de la decisión de sacrificar al padre a cambio de sus vidas ha de generarse un grave conflicto entre hermanos, pero claro, ésta no es una cinta dramática, sino de acción, por lo tanto los conflictos no son importantes.

La historia entonces se vuelve intrascendente, con detalles que rayan en lo cómico: imagine a seis escaladores en una misión de rescate, subiendo en parejas la cima más alta del mundo, tres de ellos con un recipiente lleno de “Nitroglicerina” en la mochila, por supuesto ignoran que los rayos del sol pueden hacerla explotar (cualquiera que haya visto Los tres chiflados o El correcaminos sabe que la “Nitroglicerina” es muy volátil, más si se expone al calor).

El final es lo mismo que el principio, (por suerte el padre no resucita).

Límite Vertical, dirigida por Martín Campbell, protagonizada por Chris O’donnell, Bill Paxtón, Robin Tuney y Scott Glenn, es una película de baja calidad, en donde la gente muere de forma fácil, absurda y sin justificación.

Si usted la ve, es recomendable que lo haga en día miércoles, pues ese día las entradas son a mitad de precio. La película fue estrenada, recientemente, en 12 cines.

La cinta inicia haciendo referencia a un marco legal, bajo el cual, la clonación de seres humanos está prohibida. Sin embargo, la clonación de animales no tiene ninguna restricción; pero el laboratorio, cuya fachada es clonar mascotas, ha desarrollado en forma clandestina, la tecnología para fabricar “clones” de seres humanos.

Hasta aquí todo marcha, entonces viene el error y como dice el “slogan” de la película: “clonaron al hombre equivocado” y de ahí en adelante se desarrolla la acción.

El “traidito del filme” es por supuesto Arnold Schwazenegger, quien ya todos sabemos, no es un actor de “carácter” y afortunadamente para el cine, él, tampoco ha intentado serlo, de ahí que sus personajes normalmente no son muy “habladores” y esta no es la excepción.

Incapaz de hilar un discurso coherente de más de cinco palabras, este actor nos tiene acostumbrados a las escenas violentas, cargadas de explosiones y efectos especiales, pero sin la agilidad y acrobacia requerida para estas situaciones.

Que conste que Arnold Schwarzenegger, nunca ha tenido mucha agilidad, ni cuando era joven, menos ahora, que esta algo entrado en años.

Por lo tanto, la cinta no llega a alcanzar niveles trepidantes de acción y como complemento a ello, se incrustan chispazos de humor, pero casi todos de un exagerado mal gusto. Pues bien, estamos acá ante una historia de fácil elaboración, ubicada en un futuro cercano; pero con muy pocos recursos para sorprender al espectador es decir, “Nada nuevo bajo el sol”.

Finalmente se puede decir que este es un “filme” cuyo único objetivo es: “entretener al gran público”.

Entonces si se tiene el tiempo disponible y las ganas de solamente sentarse frente a la pantalla, con la intención de pasar dos horas, usando el mínimo de neuronas, acudir a ver “El sexto día”, es muy recomendable.