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¿Tienen los niños y adolescentes guatemaltecos incentivos para estudiar música en el país?

La pandemia cerró a la presencialidad las escuelas de música, conservatorios y proyectos, aunque ahora ya están activos existen impactos de esa época y se espera que el número de estudiantes de música crezca.

Ingrid Reyes

16 de agosto de 2024

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12:00h

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Estudiar música requiere de perseverancia y práctica. (Foto Prensa Libre: Marta Wave/Pexels)

Los beneficios de estudiar música van desde desarrollar las habilidades hasta mejorar la memoria, fomentar la disciplina y aprender el valor del trabajo en equipo, por mencionar algunas de las cuestiones relacionadas con el aprendizaje de tocar un instrumento o cantar, anota en un artículo La sociedad de artistas intérpretes de la música en Guatemala, Musicartes.

“Todas las artes son importantes para cualquier sociedad. Necesitamos formas de expresar y comunicar las vivencias que nos hacen humanos y parte de una comunidad, ya sea que lo hagamos a través de artes como la fotografía, la pintura, la literatura, o la música, entre otras”, expresa Diego Guzmán, director de la carrera de Composición y Producción Digital, de la Universidad del Valle de Guatemala, UVG.

Al respecto de las oportunidades para estudiar la disciplina musical en Guatemala, Guzmán considera que sí existen algunas opciones en Guatemala que pueden complementar la formación musical que reciban en el colegio o escuela. “Hay muchos maestros de música que trabajan con niños y adolescentes, ya sea en alguna academia o escuela de música, o dando clases particulares”, agrega.

Considera que los retos para estudiar música están centrados en especial en factores económicos y aunque la enseñanza sea gratuita o se tenga la capacidad de costear, las dificultades se dan cuando no hay una opción cercana o en cuanto al transporte para estarse desplazando, lo cual representa una limitante para estudiar.

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¿Clases gratuitas?

Al hablar de las opciones sin costo para niños y adolescentes existen algunas iniciativas privadas y públicas que han buscado ser gratuitas o con precios módicos para el aprendizaje.

Del lado de Ministerio de Cultura y Deportes, Ethel Batres, directora de Formación Artística, comparte que ellos toman a los niños y estudiantes para prepararlos en diferentes ramas artísticas y en proyectos sin costo. Tiene ocho conservatorios a nivel nacional, nueve escuelas de arte en diferentes disciplinas, 11 orquestas y 60 academias comunitarias de arte, por mencionar parte de las opciones existentes.

Por ahora, cerca de 3 mil estudiantes de música son parte de estos proyectos. Sin embargo, la cifra es corta ya que existen 2,3 millones de jóvenes sin escolarizar, un gran porcentaje de la población de Guatemala no ha sido equipada con la educación básica esencial y al año solamente 150 mil adolescentes aproximadamente completan su educación básica.

Sumado a lo anterior, en algunos de los lugares hacen falta maestros, directores, entre otros puestos que necesitan fortalecerse del presupuesto anual.

Por su parte Fredy Sagastume, coordinador de Instituciones Artísticas del Ministerio de Cultura y Deportes, comenta que actualmente se tienen proyectos en conjunto con Formación Artística para incentivar a las nuevas generaciones. En esta unidad se tienen ochos instituciones en coordinación, como la Orquesta Sinfónica Nacional, el ballet clásico y folklórico, el Coro Nacional de Guatemala, Coro Nacional de Personas con Discapacidad y tres marimbas de concierto.

Procesos en camino y otras necesidades

En 2018 se inauguró dentro del complejo del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, las instalaciones de la Escuela Nacional de la Marimba que permitían la profesionalización de marimbistas y compositores.

El edificio fue diseñado por el maestro Efraín Recinos y se contempló además de las oficinas, salones de ensayo y un auditórium, un museo dedicado a la marimba, entre otros espacios.

La construcción del edificio comenzó en 2006, pero luego la obra quedó abandonada por diez años hasta que se retomó en 2016.

Batres comenta que en mayo pasado desde la dirección de esta unidad se empezó el proceso para que el lugar se convierta en el Instituto de la Marimba, un proyecto que se había detenido por años y se convierta en un lugar de investigación, archivo y la profesionalización del intérprete de la marimba, donde se obtenga un bachillerato en marimba popular y de concierto.

Otro aspecto pendiente en el país también es el crecimiento de la oferta de la carrera a nivel universitario para los nuevos artistas. “En Guatemala aún no contamos con posgrados, maestrías o doctorados en áreas musicales. Cuando un artista en Guatemala desea seguir esta clase de estudios, puede estudiar a distancia en universidades extranjeras que tengan carreras de especialización en modalidad virtual, o bien viajar al extranjero para acudir directamente a ellas de forma presencial”, explica Guzmán.

Martín Manuel Corleto, director del Conservatorio Nacional del Música, Germán Alcántara, comenta que él comenzó sus estudios a los 12 años y parte de sus estudios fueron en esta misma institución que él dirige actualmente.

“Nuestro reto es muy grande, nos falta sensibilizar a nivel de la sociedad guatemalteca -tanto en el área urbana como rural- que la formación artística es una prioridad en el desarrollo de la primera infancia, en la edad escolar y juventud”, dice Corleto, quien agrega que es importante visibilizar las grandes limitaciones de acceso a esta formación en zonas de escasos recursos.

El Conservatorio actualmente tiene 181 estudiantes en su plan diario. El cupo de recibir más estudiantes está abierto para el próximo año.

El miércoles 3 de agosto, como parte de las celebraciones se realizó un concierto a las 16 horas en el lobby de este lugar, ubicado en la 5a. calle y 3a. avenida de la zona 1.

Una manta dividía el lugar del concierto y el auditórium, que todavía se encuentra en remodelación y que se espera sea entregado en agosto por el Ministerio de Cultura y Deportes.

Los conciertos por lo regular han sido en línea o con asistencia reducida.   Esta fue la primera fecha abierta a más público y participaron cerca de 30 estudiantes de la orquesta y coro. En el evento también participaron padres de familia.

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Los niños y adolescentes dirigidos por sus maestros prepararon su presentación y muchos de ellos se vieron por primera vez durante los ensayos presenciales.

“Debido a la pandemia y las remodelaciones no hemos podido regresar a la presencialidad e incluso esto ha afectado porque ha bajado la cantidad de alumnos”, dijo la directora de la institución Zoila Luz García Salas, quien lleva un año a cargo de la institución.  

El conservatorio tenía cerca de mil alumnos y actualmente son 250 aproximadamente.   En noviembre se abrirán los cursos presenciales y se hará una campaña para que los estudiantes vuelvan a las aulas.

García Salas comparte la necesidad de regresar a las clases presenciales.  “Ahora con la presencialidad queremos seguir formando a los estudiantes para que sigan teniendo éxito nacional e internacional, en línea hemos logrado que algunos ganen premios y participen en concursos internacionales”, agrega.

La directora también hace un llamado a los estudiantes a prepararse y que se formen en su camino artístico para tener una carrera profesional e invita a los antiguos alumnos a acercarse a ayudar a formar orquestas y conjuntos, así como darles un ejemplo a lo que pueden hacer, “nuestro deseo es que nuestro conservatorio viva de nuevo”, agrega.

Ernesto Eugenio Calderón, flautista, arreglista, director orquestal y coral, docente universitario y también exalumno del conservatorio invita a  rescatar lo que el esta institución había ganado antes de la pandemia y que ha sido emblemático, “ahora esperamos que el público se vuelque de nuevo a este referente del arte y  que la academia se recupere”, agrega.

Parte de la historia

En la página oficial del gobierno se habla de la historia de este lugar.  El Conservatorio Nacional de Música comenzó a formarse en 1873 y estaba ubicado en el local llamado Santo Domingo ahora 12 avenida, entre décima y once calles de la zona 1.

Su fundador fue el maestro italiano Juan Aberle, quien además lo financiaba personalmente. Entre los alumnos con los que se iniciaron las actividades se encontraban Víctor Manuel Figueroa, Juan Cividanes, Alfonso Méndez y Salvador Iriarte, quienes estaban internos en la institución. El Maestro Juan Aberle era, además, el director de la Sociedad Filarmónica.

Al finalizar el primer año, Aberle insiste en pedir ayuda al Estado, con la presentación de los resultados obtenidos a la fecha, incluyendo la construcción de un nuevo edificio. Mediante un acuerdo presidencial del 17 de febrero de 1875 se le da el aval en el Presupuesto del Estado para que se le asigne la cantidad de 165 dólares semanales, que servirán para el pago de personal docente y empleados.

García Salas, agrega que el conservatorio entró en funciones completas el 1 de agosto de ese año y es ahí donde se celebra el aniversario.

Sin embargo, pasado un período de tiempo, el gobierno de Guatemala le suspendió la ayuda al conservatorio, y nuevamente el maestro Aberle se quedó solo, luchando por el sostenimiento de la institución. Logró hacerlo con la ayuda de algunas familias a quienes pidió auxilio económico.  Después de este tiempo el conservatorio ha pertenecido a varias dependencias hasta hoy que es parte del Ministerio de Cultura y Deportes.

En 1880 se retomó el proyecto y se reorganizó, según se puede establecer a través del Acuerdo Presidencial de fecha 3 de agosto de 1880. Esta vez su sede fue en el Convento de la Merced y se establece en este mismo acuerdo que el Conservatorio debe iniciarse con los alumnos de la sección de música del Instituto de Artes y Oficios, con los de la Escuela de Sustitutos y con los elementos que poseía el Conservatorio de Santo Domingo. El conservatorio fue entonces una dependencia del Despacho de Instrucción Pública.

Luego, en 1882, nuevamente el conservatorio es objeto de la atención del gobierno. Esta vez de manera más formal debido a que era un establecimiento que le estaba dando prestigio a la nación por los resultados que se estaban obteniendo con los estudiantes. Lo anterior permitió que se le asignara una partida por separado en el Presupuesto General de Gastos de la Nación. Es así, que con fecha 27 de diciembre de 1882, el Presidente de la República, a través de acuerdo presidencial ordena cómo se distribuirá el presupuesto asignado.

En 1885, el gobierno autorizó tal gestión y por Acuerdo Gubernativo con fecha del 27 de mayo de 1885, el conservatorio es militarizado. Tal situación no duró mucho tiempo, y se restituyó al conservatorio a su antigua dependencia en 1886.

Durante los últimos gobiernos previos a la Revolución de 1944, vuelve a convertirse en establecimiento militarizado, lo cual termina con la gesta revolucionaria. Posteriormente el conservatorio pasa a ser dependencia del Instituto Nacional de Bellas Artes, institución perteneciente al Ministerio de Educación, y en 1968, según Acuerdo Presidencial número 55 del 1 de marzo, se crea el reglamento general en el que queda aprobado el pensum de estudios que rige hasta la fecha.

Hoy, dentro del despacho principal de esa máxima institución y frente a un piano, revela que el entusiasmo por seguir guiando a las nuevas generaciones la colma de ilusión, a pesar del desinterés que han demostrado muchos altos cargos estatales, quienes no han visto en el arte una oportunidad de transformación cultural.

Ante ello, García Salas plantea que la educación debe ocupar un espacio relevante en los primeros años de quienes sienten afinidad por la música, ya que solo con una adecuada formación de sus talentos, los jóvenes y los niños podrán transformarse y así moldear un nuevo futuro social que permita una mayor sensibilidad.

En esta conversación la maestra nos lleva a recorrer sus impresiones sobre la importancia de crear y sentir a través de la música, y la urgencia de acompañar mediante el diálogo a las nuevas generaciones atraídas por esta rama del arte.

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¿Cuál es la relación que encuentra entre la educación tradicional y el arte?

Veo la educación como indispensable para el ser humano en su crecimiento y su formación intelectual, moral y espiritual. En el caso de la educación en el arte, hay que decir que cada artista trae consigo un cúmulo de talentos que siempre es preciso desarrollar. La educación es entonces importante para que los creadores puedan manifestar sus inquietudes.

De ahí la necesidad de que existan papeles como el de los educadores que puedan dar una formación tanto técnica como práctica e interpretativa, ya que de eso dependerá que los talentos puedan expresarse y no quedarse bloqueados por una falta de preparación. Para mí, educar es eso: brindar herramientas, en especial a los jóvenes, para que puedan expresarse.

¿Qué la llevó a interesarse en este campo de acción y, más adelante, de formación?

Desde pequeña mi sueño era ser una gran pianista y poder interpretar lo que compusieron grandes maestros como Bach, Beethoven, Mozart, Eider, Yupanqui y otros. Comencé a imaginar todo esto cuando tenía seis años y mi madre me compró un piano con el que empecé a introducirme en la música. Esto me llevó a estudiar en el Conservatorio Nacional de Música desde que tenía 7 años.

La pasión me permitió luego participar en concursos nacionales y también irme a otros fuera del país, donde tuve la oportunidad de estudiar en Estados Unidos y Europa. Allí continué mi formación y al estar en contacto con grandes maestros, me di cuenta que otro de mis grandes sueños era regresar al Conservatorio y dar clases o incluso dirigirlo.

Lo logré y diría que entre mis principales motivaciones estaban los jóvenes que integran un grupo de la sociedad que tiene bastantes sueños, y me gustaría pensar que pueden llegar a alcanzarlos.

Este año asumió la dirección del Conservatorio como esperaba. Luego de varios años como formadora en esta misma casa de estudios, ¿qué representa para usted guiar a tantas personas en el campo de la música?

Lo que ha provocado la experiencia es un sentimiento de certeza en cuanto a que un pueblo, en este caso Guatemala, podría salir adelante y continuar transformándose. Estamos en un país que necesita más cultura y más educación.

Todas las personas nacen con capacidades cognitivas —lo que llamamos inteligencia—, y por eso todos estamos capacitados para adquirir nuevos conocimientos siempre. Lo que pasa en sociedades como la nuestra es que los conocimientos no siempre son dados de la forma correcta.

¿Cuáles son los aportes de la música a la experiencia sensible de las personas?

Todas las personas amamos lo estético, siempre estamos buscando lo que consideramos bello, ya sea en la naturaleza o en las artes. Creo que todos necesitamos un poco de eso, que al final es una gran experiencia sensible. Y no solo lo buscamos para satisfacer una necesidad, sino para comprender un lenguaje universal.

La búsqueda sensible por lo artístico y lo bello ha estado desde siempre en la historia, y lo podemos ver en las sinfonías de los compositores Bach —que a pesar de estar ciego al final de su vida seguía componiendo música— o Beethoven —que también componía aún siendo sordo—.

Por eso me pregunto qué no podrían hacer entonces las personas que cuentan con todos sus sentidos y sus capacidades. Creo que el humano siempre buscará la forma de expresar lo bello.

¿Qué le ha permitido conocer sobre usted misma esta experiencia en el ámbito musical?

Debo reconocer que mi acercamiento con la música ha sido muy privilegiado, ya que nací en una familia con mucha afinidad por ella. Mi padre formaba parte de la Orquesta Sinfónica y mi madre siempre estuvo atenta a las inquietudes tanto de sus hijos como de su esposo. De allí que se interesara en apoyarme a seguir con el aprendizaje con el piano.

El apoyo de mi familia determinó gran parte de mi experiencia musical, pero otro gran elemento fueron mis maestros. Esa experiencia me hizo entender que en el proceso de aprendizaje siempre se necesita un maestro que se dedique con el alma a formar a los estudiantes al máximo.

Esto puede relacionarse mucho con los desafíos que tiene la educación musical en el país. A su parecer, ¿cuáles son los retos que encuentra la gestión pública en la formación musical?

Es muy difícil, porque para entender a un artista se debe conocer bastante sobre el arte. Por desgracia hemos visto muchas veces que personas con poca preparación en este tema llegan a puestos políticos, y no son idóneas.

Esto lleva a que entiendan poco de la importancia que tiene el arte en la cultura y en la sociedad. Hasta cierto punto, hay un desconocimiento total de lo que es el hacer del artista y esto genera muchos retos de aprendizaje. Sobre todo, porque la música es para toda una vida si en realidad somos personas que nos identificamos como apasionadas por el arte.

Desde este apasionamiento por la música, ¿qué ha logrado descubrir sobre la juventud y la niñez a la hora de impartir clases?

En estos larguísimos años de docencia he aprendido que debe existir una comunión de ideas más allá de solo un simple saber. Para que un conocimiento pueda ser transmitido de docente a alumno, el primero debe reconocer cuáles son las circunstancias que está atravesando el segundo; esto, con el propósito de propiciar un ambiente para que aprenda de la mejor manera.

Desde mi experiencia con jóvenes y niños he comprendido que lo más importante como docente es saber cómunicar y tomar en cuenta todo lo que el alumno pueda sentir, pensar y observar, con el propósito de conectar. Esa conexión será reforzada y el conocimiento podría ser más receptivo.

Durante el tiempo que he dado clases mi vida ha sido transformada por los jóvenes y los niños. He de decir que antes de esta experiencia, como artista creo que era muy egoísta: solo quería tocar el piano, ser buena y única.

Estaba dentro de una mentalidad constante del “yo, yo, yo”, pero gracias a los estudiantes entendí que el “tú” era más importante. Aprendí que un “¿Cómo estás?” o un “¿Qué sientes cuando escuchas y ejecutas esta música?” era lo más importante.

Tomando en cuenta eso, ¿cómo cree que se puede romper la idea del “yo creador” y fomentar una mayor aproximación con las personas a través de sus conocimientos artísticos?

Creo que el “yo” creador no debe perderse. Esto no quiere decir que las personas no sepan comunicarse con los demás; más bien, los necesitan. Si el creador musical no se abre a los otros, se limita y se vuelve repetitivo en su creación, porque no hay nada que le aporte nuevas ideas.

Entonces se debe abrir a nuevas experiencias, emociones y estímulos para ser más creativo. El “yo” no es inmóvil, y ese movimiento solo puede darse gracias a los estímulos externos que vienen a reforzarlo o alimentarlo, y solo se puede dar con la presencia de otros.

Ricardo del Carmen Fortuny creció escuchando música, conciertos y con una vida agitada entre presentaciones y músicos que visitaban su hogar o a quienes observaba en sus horas de ensayo.

Uno de los primeros recuerdos de Del Carmen es de cuando tenía tres o cuatro años, en aquella ocasión Leonard Rose, chelista, visitó su hogar como parte de la atención que su padre tenía con los solistas que visitaban el país.  Esta fue la primera vez que Ricardo tuvo frente a sus ojos un violonchelo y a uno de sus grandes intérpretes. Y desde entonces, considera que comenzó su amor por las cuerdas.

Apenas a los ocho años empezó sus estudios de violonchelo en el Conservatorio de Música en Guatemala con el maestro Eduardo Ortíz Lara, considerado una de las leyendas en la enseñanza de este instrumento, no solo en Guatemala sino en América Latina.

No fue tan sencillo que lo inscribieran, pasó algunos años insistiendo en ir a aprender. Fue hasta que tuvo la edad y que el mismo Ortíz mandó a traer un instrumento pequeño apropiado para el aprendizaje de un niño. “Le vamos a quitar la curiosidad de aprender y lo más que puede pasar es que no le guste”, dijo Ortíz en su oportunidad, pero eso nunca sucedió y ahí comenzó su preparación para la carrera musical que lo ha llevado a grandes presentaciones en Guatemala y en el mundo.

Una vida paralela

Su vida siempre ha estado llena de compromisos.  Llevaba sus clases tradicionales sumado a la vida del Conservatorio y los ensayos.

Recuerda que todo comenzó a manera de juego, al principio eran tiempos cortos de trabajo con el instrumento y poco a poco fueron aumentando los niveles de exigencia.

“Es una vida dura y pesada, de doble jornada y no se tiene una niñez y adolescencia normal en la que se sale a jugar todas las tardes, son cuestiones que se privan”, recuerda el maestro.

En la secundaria ya estaba seguro de que su vida sería dedicada a la música y reconoce que uno de los puntos más difíciles de comprender a esa edad era la importancia de la disciplina.  “También, hasta que se madura se logra entender que todo tiene un orden de música para que fluya”, agrega.

“Es parte de la vida tener que superar situaciones, en especial en cuestiones profesionales cuando no nos ha ido bien”, comenta mientras describe que cuando se habla del violonchelo, “lo peor que uno puede hacer es no volver a intentarlo después que las cosas no salieron como uno quería.  Se tiene que volver a enfrentar y mientras más pronto se haga es mejor”, expresa.

“En cualquier escuela artística la disciplina es lo más importante”, Ricardo del Carmen Fortuny, músico guatemalteco

En 1985 ofreció su primer recital en Puerto Vallarta, México.  “Fue una época emocionante, con 16 años ir a otro país y llevar el instrumento fue algo especial”, recuerda.  El mismo año debutó como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional.

El camino siguió y en 1987 participó en el I Festival Juvenil Centroamericano en Costa Rica. En 1988 participó en el V Festival de Orquestas Sinfónicas de las Américas en Puerto Rico.

Describe que cada presentación ha sido especial, pero hay una que recuerda más y fue en 1990,  cuando audicionó y envió su trabajo grabado en un casete a Nueva York para representar a Guatemala en el I Festival Musical del Pacífico en Sapporo y Tokio, Japón e integrar la Orquesta Sinfónica Internacional en la que estarían 120 músicos dirigidos por Leonard Bernstein, Michael Tilson-Thomas, Eiji Oue, Marin Alsop y Lief Bjaland.

A ese festival  cuenta que llegó como invitada la Sinfónica de Londres.  En esa ocasión los maestros integrantes de la sinfónica también les dieron clases a los músicos participantes.

“Bersetein ha sido uno de los grandes directores de toda la historia y este fue el último proyecto educativo que hizo antes de su muerte, que ocurrió apenas unos meses después de la actividad”, recuerda mientras describe que también fue especial porque era la segunda vez que estaba en contacto con su familia.

Casi 30 años antes, Bersetein era el presidente del jurado calificador que dio a Ricardo del Carmen padre el premio para directores de orquesta, Dimitri Mitropolus, en Nueva York.

Los cambios

La pandemia no le ha quitado ni un poco del ritmo de trabajo agitado.  La práctica en las mañanas de su instrumento, el violonchelo, las clases virtuales por la tarde y también el apoyo a presentaciones en línea son parte de su diario vivir.

Durante estas semanas, casi a diario comparte en sus redes sociales parte de su arte en las cuerdas, en parte es por práctica, pero en el interior a manera de regalo para escuchar buena música en medio de una época complicada para el mundo.

Unos de los grandes retos que ha tenido con las clases virtuales es que existen algunos detalles de técnicas que solo se pueden corregir con el alumno de frente. Por eso, al revisar los videos de las clases, es preciso prestar mucha atención para ver esos aspectos.

“Tenemos que adaptarnos a esta época que nos ha tocado vivir, por ahora el mundo no será igual”, dice y además reflexiona para concluir que “al salir de la pandemia lo más importante es que vivamos en paz y con una lección aprendida de valorar lo que tenemos”.

El coro

En la década de 1960, Ricardo del Carmen, padre, fundó el coro que lleva su nombre.  Los ensayos eran todas las semanas.

Del Carmen Fortuny desde niño participaba en parte de los ensayos y en 1992 pasó a ser ayudante de director.  Nunca cantó en el coro como tal sino ensayaba con algunas de las voces.

Esos ensayos son todos los sábados, pero últimamente esta dinámica se ha detenido a causa de la pandemia.

 Más de su vida

-Del Carmen Fortuny nació el 2 de octubre de 1969. Realizó sus estudios musicales de violonchelo en el Conservatorio Nacional de Música German Alcántara.

-En 1996 fue parte del I Festival Centroamericano de Música de Cámara en Nicaragua, así como en el I Congreso Pedagógico para instrumentistas de cuerda en Costa Rica y en el Festival Internacional Cervantino en Guanajuato, México.

-Es principal chelista de la Orquesta Sinfónica Nacional.

-Fue integrante de la Orquesta Sinfónica Centroamericana en Honduras y Costa Rica en 1991 y 1992 así mismo miembro del Ensamble Millennium desde su fundación.

-En 1993 participó en el I Festival de Música Santa Cecilia en El Salvador.

-Con el Ensamble Millennium participó en la entrega de la Historia General de Guatemala en el Palacio Linares de Madrid en 1995.

-Fue miembro del Comité Organizador del Primer Encuentro Música Suiza-Guatemala, y del Primer Seminario Orquestal Guatemala-Venezuela en 1997. En ese mismo año, también participó en el V Festival de Música del Pasado de América en Venezuela.

-En mayo de 1997 fue publicado su libro Breve reseña histórica del violonchelo.

-Trabajó como catedrático de historia de la música en la Universidad Francisco Marroquín entre 2002 y 2004.

-Miembro del Ensamble de nueve pianos de la Universidad Francisco Marroquín entre 1987 y 1997.

-Ha dirigido solistas de renombre mundial, entre ellos: Suzanne Husson (piano), Christopher Collins-Lee (violin), Steven Dann (viola), Luis Felipe Giron May (barítono), Gianfranco Bortolatto (oboe).

-En octubre del 2006 recibió la condecoración de artista del año en la rama de interpretación musical.

-El 20 de junio de 2007 se graduó de licenciado en música con especialización en violonchelo de la Universidad Galileo.

-En octubre del 2008 representó a Guatemala en el V Festival Internacional del Conservatorio Rimsky-Korsakov en la Ciudad de San Petersburgo (Rusia).

-En el 2011 le fue dedicado el Festival Guatecoral.

-También representó a Guatemala en el Octavo Festival Internacional del Conservatorio Rimsky-Korsakov en San Petersburgo (Rusia) como miembro del Duo Tikal-Guatemala.

-Actualmente Ricardo del Carmen Fortuny es catedrático de Universidad Galileo y de la Escuela Municipal de Música y del Conservatorio Nacional de Música.

Sus otras aficiones

Ver películas y leer es parte de la dinámica para relajarse.  Le gusta la literatura guatemalteca y lee biografías e historia de la música.  “Esto es parte de la preparación y uno debe buscar en la profesión que se eligió el camino a la excelencia y hacer bien lo que uno hace”, expresa.

Juan Sebastian Bach es su músico favorito.  Entre sus libros predilectos está la vida de este destacado músico alemán.

En los últimos días, casi a diario, comenzó a subir interpretaciones con este instrumento en su canal de YouTube.

El instrumento

El maestro Ricardo del Carmen Fortuny describe que el violonchelo es un instrumento de madera que más se asemeja a la voz humana y en su registro representaría al barítono.

Es de madera y pertenece a la familia de los violines. Es de la misma forma que un violín, pero más grande.

Apareció a finales del siglo XVI en Italia y se ha transformado con el tiempo.  Actualmente se sostiene con una perilla, pero antes de finales del siglo XIX únicamente se sostenía con las piernas.

El concertista reside en Francia y aprovechó las vacaciones de verano para venir a su país natal y entre otras muchas cosas, visitar el Conservatorio por invitación del maestro Vinicio Quezada.

La clase se impartió en el salón Tomás Pascual, ubicado en el segundo piso del Conservatorio.

Los estudiantes trataron de ocupar los primeros asientos para estar más cerca del maestro, pero de las 16 butacas de las primeras filas, apenas cinco tenían asiento.

Cada uno de los alumnos tocó una melodía bajo la atenta mirada y oído del maestro.

Con la hulmidad que lo distingue, Luis, comentaba de manera afable, aspectos para mejorar la interpretación de las obras y descubrir la técnica de interpretación.

El maestro, que ha hecho giras en Europa, no llegó a “robarse el show” sino a regalar sin reservas lo que ha aprendido. “Si dominan la primera parte de una obra musical, olvídenla, tóquenla una vez al día para perfecionarla, pero dediquen el mismo tiempo e interés al resto”, dijo. “Las cuerdas hay que cambiarlas cada dos meses si tocan dos o tres horas diarias, porque se gastan y afectan la calidad del sonido” comentó Juárez.

“Estas tocando bien”, dijo a Dilan Gómez, de siete años. Le explicó que tocar con un sólo dedo daña los músculos y tendones de la mano. “Las clavijas tienen que estar a la altura de la cabeza. Siéntate con la espalda recta para tener estabilidad. Tocar guitarra es un juego, si lo haces mal pierdes”, dijo al pequeño ejecutante.

´Juárez regresa en breve a Francia, a retomar sus responsabilidades y preparar conciertos programados para el otro año. “Soy feliz cuando trabajo, cuando doy clases, cuando toco, Dios quiera que la mayoría de gente pudiera ser así”, expresa el artista.

Guitarrista Luis Juárez Quixtán. (Foto Prensa Libre: Edwin Castro)

• Nació en la capital de Guatemala, en 1984.
• Egresado del Conservatorio Nacional de Música de Guatemala.
• Concertista y profesor de guitarra clásica en tres sedes del conservatorio de Música Marne et Chantereine, de París.
• Medalla del Senado de Francia, para personalidades latinamericanas residentes en ese país.
• Ha presentado conciertos en Suiza, Alemania, Turquía, Japón, Dinamarca, Francia, España, Perú y Guatemala.

Esta institución tiene como objetivo desde su especialidad docente musical, formar y consolidar permanente el movimiento cultural guatemalteco y rescatar la riqueza musical del país dentro de su multiculturalidad.

Largo camino

El Conservatorio Nacional de Música surge como una entidad particular en 1873, en un local ubicado en 12 avenida, entre 10ª y 11 calles de la zona 1, llamado Santo Domingo. Su fundador fue el maestro italiano Juan Aberle, que lo financiaba personalmente. Aberle, además era el director de la Sociedad Filarmónica, que también apoyada económicamente al conservatoriol.

Los recursos eran limitados, Al finalizar el primer año de funcionamiento, Aberle pide ayuda al Estado de Guatemala, con la presentación de los resultados obtenidos a esa fecha que incluían construcción de un nuevo edificio. El acuerdo presidencial del 17 de febrero de 1875 permite que del presupuesto nacional se le asignen US$165 dólares semanales, que se utilizarían para el pago de docente y empleados.

Pasado un tiempo el gobierno de Guatemala suspendió la ayuda al conservatorio, Aberle logró seguir con el proyecto con ayuda de algunas familias que lo auxiliaron económicamente. Pero dos años más tarde y agotar su dinero, el maestro Aberle cerró la institución y se radicó en El Salvador.

El proyecto se retomó en 1880 avalado por un acuerdo presidencial. Funcionó en el Convento de la Merced como una dependencia del Despacho de Instrucción Pública.

En 1882, y como consecuencia del prestigio que sus estudiantes estaban dando a nivel nacional se logró una asignación en el Presupuesto General de Gastos de la Nación.

En 1883, al Conservatorio se le denominó Escuela Nacional de Música y Declamación, y se instaló en el edificio del Colegio El Progreso, antes San José de Calazans, situado en la 7ª. avenida entre 5ª. y 6ª. calle, zona 1 de la capital

La dirección del conservatorio estuvo a cargo del maestro José Cayano, empresario teatral y después de Vicente Andrino y Emilio Dressner quien dirigía la Banda de Música Militar, y dispuso que el conservatorio debía depender del Ministerio de Guerra.

Con la autorización del Gobierno y por acuerdo gubernativo del 27 de mayo de 1885, el conservatorio se militarizó, pero la entidad sufrió un estancamiento en el desarrollo de músicos, por lo que el Gobierno restituyó al conservatorio su dependencia el 9 de febrero de 1886.

Durante los gobiernos previos a la Revolución de 1944, el Conservatorio vuelve a ser militarizado. Posteriormente el Conservatorio pasa a ser dependencia del Instituto Nacional de Bellas Artes, institución del Ministerio de Educación.

Por el origen italiano de Juan Aberle, y la fuerte influencia italiana en el arte musical europeo, en el Conservatorio siempre se ha aplicado una metodología de trabajo bajo esos parámetros. Se han hecho algunos pequeños cambios en el pénsum de estudios, pero puede decirse que la metodología de enseñanza es similar al original.