Bienal de Arte Paiz 2025: Guatemala será el epicentro del arte contemporáneo con presencia de 30 países de los cinco continentes

La XXIV Bienal de Arte Paiz convertirá a Guatemala en el epicentro del arte contemporáneo, con la participación de representantes de 30 países de los cinco continentes y una agenda de actividades educativas.

Esdras Laz

17 de octubre de 2025

|

17:00h

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(Foto Prensa Libre: Redes sociales @Fundación Paiz)

Bajo el título El Árbol del Mundo, la XXIV edición de la Bienal reunirá a más de 46 artistas provenientes de 30 países, y durante tres meses se convertirá en la muestra de arte más ambiciosa organizada hasta la fecha.

Por primera vez en su historia, la Bienal contará con participación de los cinco continentes, cuyas obras serán expuestas en 10 sedes históricas de la Ciudad de Guatemala y de Antigua Guatemala que se realizará del 6 de noviembre 2025 al 15 de febrero 2026.

Este año, la curaduría estará a cargo del crítico italiano Eugenio Viola, actual director artístico del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), quien invita al público, a través de cada exposición, a reflexionar sobre las conexiones culturales, históricas y espirituales que unen a la humanidad.

Según detalles de la Fundación Paiz, el crítico “plantea una narrativa descentralizada y no jerárquica, que cuestiona los marcos geopolíticos tradicionales y entrelaza genealogías culturales de Mesoamérica, Latinoamérica, el Caribe, África y su diáspora, Europa, Medio Oriente, Asia y Oceanía”.

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Arte y diálogo como innovación

Para esta edición se ha previsto un programa de preapertura profesional y una agenda de actividades paralelas que incluirán diálogos sobre arte contemporáneo, piezas de arqueología maya prehispánica y obras de la Colección Paiz.

El objetivo es que el público viva la Bienal y la cultura guatemalteca desde múltiples perspectivas, según destaca el comunicado de la Fundación.

El principal atractivo seguirá siendo la exposición de obras de la Colección Paiz, que reúne piezas de artistas guatemaltecos como Paula Nicho, Sandra Monterroso y Aníbal López, entre otros exponentes clave en la historia del evento, así como la creación de 31 obras concebidas especialmente para esta edición.

Asimismo, participarán artistas de trayectoria internacional como María José Arjona, Voluspa Jarpa e Igor Grubić, quienes compartirán sus obras con el público guatemalteco.

Sedes participantes

Ciudad de Guatemala

1. Antigua tipografía Sánchez & de Guise
2. Casa Ibargüen
3. Galería Portal de la Sexta
4. Centro Cultural de España (CCE)
5. Galerías de Arte del Centro Cultural Municipal (Antiguo Edificio de Correos)
6. Portal de la Sexta

Antigua Guatemala

1. Centro de Formación de la Cooperación Española (CFCE)
2. Museo de Arte Colonial (Antigua Universidad de San Carlos)
3. Museo Nacional de Arte de Guatemala (MUNAG)
4. La Nueva Fábrica
5. Ruinas de la Recolección

Exposición de piezas arqueológicas

Para esta edición se expondrá una selección de piezas arqueológicas mayas en colaboración con la Fundación Ruta Maya. La muestra incluirá esculturas, urnas, máscaras e incensarios de los periodos Clásico Temprano, Clásico y Clásico Tardío.

La Fundación destaca que estas piezas se presentarán junto a obras contemporáneas, en un montaje que resalta la continuidad entre pasado y presente, entre mito y realidad.

Además, El Árbol del Mundo incluirá obras ganadoras de ediciones anteriores de la Bienal, creadas por artistas como Javier Azurdia, César Barrios, Santiago Beltrán, Lourdes De la Riva, Carlos Fanjul, Aníbal López y otros, lo que refuerza la memoria histórica del evento.

Una visión hacia el futuro

Sonia Hurtarte, directora de la Fundación Paiz para la Educación y la Cultura, afirmó:

“El arte no solo interpreta la realidad, también la reinventa. Con El Árbol del Mundo, celebramos nuestras raíces y apostamos por un futuro más conectado y diverso.”

Esta 24.ª edición consolida a la Bienal de Arte Paiz como referente cultural de Mesoamérica y plataforma internacional de diálogo.

Dos artistas caminan entre hilos, volcanes y mangos en la ciudad de Guatemala

En sus primeras exposiciones individuales, las artistas Mena Guerrero y Angélica Serech narran y desbordan paisajes emocionales desde sus puntos territoriales.

Alejandro Ortiz

8 de marzo de 2024

|

01:00h

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Desde dos puntos cardinales distintos, pero siempre ubicados en el Occidente guatemalteco, las artistas provocan diálogos más allá de lo racional en sus primeras exhibiciones individuales. (Fotos Prensa Libre: Cortesía La Galería Rebelde y Mena Guerrero)

Una semana antes del Día Internacional de la Mujer, se inauguraron dos exposiciones de arte en la ciudad capital, protagonizadas por mujeres.

Lejos de buscar una temática relacionada con el fondo conmemorativo del 8 de marzo —visto desde la Organización de las Naciones Unidas como una lucha por referirse a las mujeres corrientes como también “artífices de la historia”—, las exhibiciones abrieron en dos galerías ubicadas de extremo a extremo en la ciudad capital.

El espacio La Erre, ubicado en la zona 4, festejó la inauguración de Volcanes, Mangos y Amor, una exhibición con cerca de 100 obras elaboradas por la artista Mena Guerrero, nacida en 1996 y actualmente radica en La Antigua Guatemala.

A la otra orilla de la urbe, en Muxbal (ruta a El Salvador), La Galería Rebelde inauguró Diálogos del Maguey, su segunda exhibición del 2024 en donde se presentaron 12 obras de la artista de San Juan Comalapa, Angélica Serech, nacida en 1982.

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Las exhibiciones, que pueden visitarse hasta abril y mayo del presente año, han sido posibles gracias a un grupo de mujeres más allá de las artistas en exhibición, entre ellas, gestoras, curadoras y divulgadoras tanto de La Erre como de La Galería Rebelde. Afuera de ambos espacios, los procesos de Guerrero y Serech han sido posibles desde la co—relación femenina.

Cabe recordar cómo en algunas ocasiones, la artista Angélica Serech ha mencionado que su sensibilidad creativa fue estimulada a través de la relación que tuvo con su tía, quien constantemente la animaba a tejer de una forma en la que la se sintiera más cómoda, aún fuera esta “experimental” desde la óptica tradicional del bordado.

“Con Angélica hablamos sobre el linaje de las tías, de lo femenino y cómo las mujeres en nuestra familia nos han influido”, comparte Mena Guerrero a propósito de una conversación que tuvo el pasado 28 de febrero durante la inauguración de la muestra de Serech, que fue realizada un día antes de la apertura de la muestra de Guerrero.

Las artistas han coincidido en tiempos no solo con un día de diferencia en la apertura de sus proyectos, sino que además celebran sus primeras muestras individuales.

Serech se siente “muy feliz y agradecida” por este hito en su carrera, misma que empezó a visibilizarse desde hace más de 14 años. Durante este tiempo, la artista ha llevado sus obras a espacios como la Bienal de Arte Paiz o la subasta de arte Juannio.

En su primera exposición individual, curada por el portugués Bruno Leitão, la artista reconoce el trayecto de sus conversaciones personales alrededor de temas vinculados a la vida. La artista comalapense materializa estas ideas en Diálogos del maguey donde comparte 12 instalaciones que suelen desplegarse abstractas y en caída a lo largo de varios puntos en el ancho espacio de La Galería Rebelde.

egún infiere Serech, esta reunión de piezas aborda los caminos, el encuentro y la celebración a la materialidad: “Elegí el maguey como protagonista del título porque fue uno de los elementos de conexión con mi proceso creativo”.

Para la artista, las conexiones y los entrecruces son elementos importantes de su obra. Es a partir de la metáfora de los hilos y el bordado, que Serech se reconoce dentro una historia comunitaria formada por un gran entramado.

Intuición y materia

Desde su estancia en La Erre, Mena Guerrero explora distintas materialidades como la pintura, la cerámica, el dibujo y las piñatas, en Volcanes, Mangos y Amor, donde se permite pensar las exhibiciones artísticas como un espacio menos serio y frío.

“Es una invitación a rescatar el juego, tener un respiro y reconectarnos con la libertad”, refiere la artista quien desde hace cuatro años habría querido montar una exposición en este espacio.

Si tuviera que describirse con el paladar, la primera exposición de Guerrero podría ser chiclosa, agridulce y fresca. A través del olfato, podría decirse que huele a incienso y pólvora. Estas imágenes, no precisamente visuales, dan forma a la obra de la artista quien reconoce lo corpóreo como eje central de su muestra.

“Estoy experimentando desde la corporalidad. Con las imágenes del mango he intentado tener presente la experiencia táctil que puede surgir a la hora de comerse uno: es una fruta perfumada, tiene una cualidad de lo chicloso y lo jugoso. Hay un erotismo ahí y una imagen de las semillas suaves que con el tiempo se vuelven más duras. También me he preguntado cómo es sentirse volcán. Me ha llamado la atención lo que está debajo de la tierra, que es la potencia. Siento que los volcanes no me crean miedo, más bien su ponencia me abraza”, explica Guerrero sobre la conceptualización de sus obras.

Asimismo, la artista reconoce que estas miradas a dichos elementos naturales vienen de una nostalgia por el paisaje que le rodea. La artista, residente en La Antigua Guatemala asegura que a pesar de haber crecido en la ciudad se siente más encontrada con la dinámica fuera de lo urbano; algo que intenta poner de facto en sus más de 100 obras dentro de La Erre.

“No es ser ideológica desde el territorio, sino que sea una experiencia personal y luego ficcionada. Para mí es una analogía con la corporalidad”, agrega la joven artista quien ha sido reconocida con la beca Flotador de la organización costarricense Teorética y quien ha sido ganadora del certamen Galería Abierta de la Municipalidad de Guatemala y el primer premio artístico de la Fundación Defensores de la Naturaleza de Guatemala.

Tanto para Guerrero como para Serech, llegar a sus primeras exposiciones ha implicado una gran dosis de sensibilidad y apuesta por la intuición.

“Creo en el agotamiento de las cosas y en confiar en las cosas que se puedan revelar. Creo que hay una razón más allá de la racionalización”, comparte la artista exhibiendo en La Erre obras que van desde pequeños volcanes de pólvora, hasta los de piñata (elaborados junto a un artesano de San Lucas Sacatepéquez) o pinturas de escalas que van desde los dos por 1.50 metros hasta lienzos en tamaño carta.

Para su primera exposición Angélica Serech ha utilizado como máximo 170 libras de hilo, así como también varias ramas de madera, hilo de plástico, hebras de maguey e incluso su propio cabello. Estos elementos fueron empleados de distintas maneras en sus ensambles artísticos.

Según explica la realizadora algunas piezas poseen urdimbre como estructura principal, elemento que suele ser fundamental para el arte de las tejedoras y los tejedores.

En su intento por deconstruir la forma tradicional del bordado, Serech deshilvana y desborda un universo sin límites e incluso sin un punto de partida racionalizado. Sobre sus procesos de creación dice: “No creo que haya tanto concepto o al menos, uno discursivo en mis obras. Siempre hay ejercicios propios de entender mi arte como algo no estático. Intento hacer algo distinto en torno a lo que voy aprendiendo”, concluye Angélica Serech.

Sobre las exposiciones:

• ‘Diálogos del maguey’: La Galería Rebelde (Km. 7.5 Carretera a Muxbal, Plaza Muxbal, Local 3, Guatemala) / Visitas de lunes a viernes de 10 a 17 horas
• ‘Volcanes, mangos y amor’: La ERRE (Vía 6, 2-60, zona 4, Guatemala) / Visitas de miércoles a viernes, entre las 11 y las 17 horas, y sábados de 11 a 13 horas

Este gesto, motivado por la amistad entre los artistas que se conocieron hace 12 años, cuenta con la curaduría de la también brasileña Luciana de Oliveira, quien se ha sumado al proyecto con un texto y varias reflexiones espaciales sobre lo que será la exposición En la casa de mi hermano.

Titulada así a manera de celebrar la hospitalidad por el tránsito entre Guatemala y Brasil de los mencionados artistas, la muestra pretende  celebrar en palabras del comalapense Edgar Calel, el recorrido constante por un mismo territorio sin fronteras políticas.

“Es una exposición que viene desarrollándose desde hace mucho tiempo. Con Pablo nos conocimos en 2011. A veces nos encontrábamos acá en Guatemala o allá, en Brasil. Todo nace por cuestión de amistad y del recorrido“, explica el artista kaqchikel.

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De esta cuenta, y a través de las conversaciones vinculadas a un intercambio de más de una década, En la casa de mi hermano reúne fotografías, pinturas, dibujos y varios objetos de ambos realizadores quienes exhibirán sus propuestas tanto en Chi Xot, dentro de la Casa Kit Kit, como en la ciudad de Guatemala en la galería Proyectos Ultravioleta. 

De acuerdo con Luciana de Oliveira, aunque se trata de una doble-presentación que sirve como diálogo conjunto que habla de varios  territorios a la vez, En la casa de mi hermano se puede comprender también como una activación procesual.

“En ambos espacios el tiempo es muy importante por toda la conexión con la genealogía y varias de las cosas que están en el mundo de los artistas. No es una exposición sintética, sino orgánica en el sentido a que se va haciendo en presencia, en relación con los demás y en sentimiento“, añade de Oliveira.

Además de la activación en las salas de los espacios mencionados, la muestra se complementará con una performance de Paulo Nazareth en las calles de La Antigua Guatemala, así como también incluirá una instalación de Edgar Calel en Proyectos Ultravioleta.

Insistir en el territorio de la memoria

Durante sus años de trabajo, Edgar Calel y Paulo Nazareth han deshilvanado historias de desplazamiento y resistencia mediante lenguajes figurativos. La sutileza es uno de los valores estéticos en las obras que tejen ambos a la hora de metaforizar la complejidad identitaria y la violencia en territorios indígenas de América. 

En la más reciente exhibición pueden encontrarse piezas como ESTADO MACIONAL, una maleta intervenida con acrílico y harina de yuca que fue trasladada por Brasil y Colombia hasta Guatemala. Con esta obra, su autor Paulo Nazareth, propone una conversación sobre la base alimenticia ancestral y su movimiento por el territorio continental.

Obras como una fotografía que el mismo Nazareth se tomó en 2011 en San Juan Comalapa dentro de una fosa común con restos de pobladores kaqchikeles de la zona, intentan sacudir la memoria a través de una conexión con la ancestralidad. “Me quedé dentro de la fosa como teniendo una conversación con los que estuvieron allí. Es algo que nos hace pensar que hay vida mientras la violencia sigue puesta“, relata el brasileño.

En el mismo sentido, dentro de la exposición destaca un vídeo en el que puede verse un performance en el que Edgar Calel jala todo el peso de un árbol mediante un amarrado a su pelo. La obra, según apunta el realizador, busca retratar la resistencia de una conexión con lo que ha estado siempre: la sabiduría natural. 

“Las manifestaciones son sutiles y no literales. Creo que con solo estar vivo como indígena es gritarle a la gente. Es una forma de decir estamos creando, que estamos armando las cosas que nuestros pasados hacían y que son nuestras prácticas cotidianas. Esa organización es lo que nos lleva a hacer esta exposición”, reflexiona Calel.

Frente a esta idea, Paulo Nazareth añade que Abya Ayala -término empleado para referirse al territorio nativo de América antes de la colonización-, puede entenderse como el escenario real de la muestra en cuestión: “Los muros no existen para nosotros. Tenemos esa posibilidad de cruzar el territorio de punta a punta. Ese estar acá o allá es un acto político”, concluye el artista brasileño.

La obra, titulada Vincular, se activa a medida que las personas se sientan y colocan sus objetos sobre las ásperas superficies del inmobiliario color negro ceniza. Sin embargo, el propósito de la instalación se logra cuando las personas deciden verse, hablar y compartir, explica Lourdes.

Mientras esto acontece en La Galería Rebelde, a menos de cinco metros del juego de sala se escuchan los golpes de una excavadora intentando romper un bloque de mármol. El estruendo surge de una bocina conectada a una pantalla en la que se muestra un vídeo del momento en que la máquina intenta quebrar el pedazo de mármol en medio de un terreno deshabitado.

Luego de tres golpes definitivos al bloque, aparece Lourdes de la Riva en la grabación. Se le ve recogiendo los escombros del material que serán expuestos hasta el 27 de febrero en la Galería Rebelde de lunes a viernes desde las 10 a las 17 horas.

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En Anima Mundi, la exhibición reúne estas dos piezas junto a un enorme caleidoscopio rodante que se desliza por varias imágenes que aluden a la destrucción de la naturaleza, Lourdes de la Riva enuncia sus preocupaciones sobre los imparables abusos que ejerce el hombre frente a la Tierra: “Se nos ha olvidado que somos uno mismo con la naturaleza; se está quejando de lo que hacemos y ya estamos viendo sus síntomas”, explica la artista de 67 años quien a través de las piezas exhibidas retoma su interés por lo que llama una estética de la destrucción.

“Hay una inquietud que me mueve, y es la forma en la que la naturaleza y el ser humano nos afectamos mutuamente. Desde allí hablo sobre la fragilidad de la vida. Es a partir del rastro y la huella que me permito reconstruir una historia o reinventarla”, explica de la Riva.

A unos nueve kilómetros del espacio tomado por la nueva exposición de Lourdes, se encuentra la Galería Extra. Dentro de sus salas, 16 artistas moldean Cartografía de lo (In) Visible, una reunión de piezas que, de igual manera, buscan generar preguntas sobre las huellas de la humanidad sobre los territorios habitados. Silvia de Tres, representante y directora de la Galería Extra, asegura que este diálogo colectivo busca indagar en las dimensiones interiores y exteriores del paisaje.

“La exposición surge del cuestionamiento de cómo juntar a los artistas colaboradores de la galería en un mismo espacio. Hay aspectos en su producción que los van hilando y allí aparece el paisaje, pero no como una idea tradicional de las montañas o el horizonte. Un paisaje no es lo mismo para todas las personas y muchos están en constante cambio”, agrega Silvia.

Así como los paisajes cambian, también lo hacen las técnicas y las formas de ejecutar eso que llamamos “arte”. Dentro de Cartografía de lo (In) Visible, los realizadores dan cuenta de esta experimentación.

En una de las esquinas de la Galería Extra aparece silenciosa y desde su forma crepuscular la pintura del artista tz’utujil Manuel Chavajay. Lo que pareciera ser una mirada frente a los cerros que bordean el Lago de Atitlán, es a la vez, una obra que experimenta con la materialidad. La pintura fue elaborada con aceite de motor quemado, acuarela, acrílico y carboncillo sobre papel algodón.

La pieza también comparte espacio con el imaginario de la artista Andrea Monroy Palacios quien en su propuesta Llévate las olas de mi angustia, muestra una concha de caracol marino, rellena con hilos teñidos que a la vez amarran varias piedras pómez.

En la Galería Extra, donde según apunta su directora, varias personas han coincidido al experimentar “frescura” luego de ver las obras exhibidas, pueden encontrarse distintos soportes que dan forma a su actual ensayo paisajístico: desde escombros de cemento con alambre, hasta hongos, ceniza de hueso, cloro, yute y plástico. Las 16 obras de Cartografía de lo (In) Visible pueden ser vistas de lunes a viernes de 10 a 16 horas.

La fórmula colectiva también aplica en Proyectos Ultravioleta, un espacio localizado en el Antiguo Aserradero Italiano, dentro del Centro Histórico de la zona 1, donde se presenta la exhibición titulada La noche muere por el día, el día muere por la noche. Dentro de la propuesta, participan 10 realizadores cuyas obras permiten otras lecturas del tiempo.

Según apunta José Enrique López, Director de operaciones de Ultravioleta, la exhibición se presenta como homenaje al periodo en el que ha transcurrido la galería en el local, ya que en los próximos meses se planea habitar otro espacio.

De ese modo, el montaje despliega una conceptualización de obras alrededor de los ciclos y su naturalidad. Las salas están distribuidas a manera de representar la penumbra, la noche y el día. Entre las obras que dan forma a la sección de la penumbra, destaca La vida en su boca, la muerte acuna su brazo, un vídeo del artista Naufus Ramírez Figueroa que muestra al realizador cargando un bloque de hielo el cual hace referencia a los neonatos e infantes desaparecidos durante el Conflicto armado interno.

La pieza muestra a Ramírez Figueroa en el Cementerio General mientras pasan las horas desde la madrugada. La exhibición continúa con metáforas sobre la luz y la vida a partir de las obras de artistas como Regina José Galindo, Helen Ascoli y Vivian Suter.

En la sección nocturna habita una obra del comalapense Edgar Calel quien presenta una instalación de cajas de cartón cuyo interior muestra un cielo oscuro donde el artista procura una reflexión sobre el paisaje que ha conocido. La pieza convive junto a una pintura de Jorge de León y otra de Fernando Iturbide quienes también exploran las siluetas y la oscuridad.

Hacia el final de este recorrido por varias galerías se encuentra la Fundación Rozas Botrán, en zona 14 donde desde el 19 de enero al 30 de marzo se presenta El tercer ojo: una exhibición de Mario e Igal Permuth donde padre e hijo exploran la espiritualidad frente al mundo real y el imaginado.

Por una parte, Mario presenta obras digitales que se basan en sus revelaciones simétricas. Para las obras, el artista exploró las sensaciones internas en búsqueda de la iluminación superior. Su trabajo está basado en la fotografía, así como también opera la obra de su hijo Igal.

El segundo integrante de El tercer ojo comenta que así como su padre, encuentra una consciencia en la imagen fija. No obstante, su propuesta busca estirar las posibilidades de la materialidad.

Partiendo de las fotos, Igal realiza collages que interviene con objetos encontrados que van desde plantas, hasta curitas, y en donde plantea una exploración de las emociones. “Junto mi padre tratamos de ver las cosas más allá. Es un trabajo abstracto del cual cada persona puede hacer una lectura y explorar los planos espirituales”, explica Igal.

Estas son algunas de las interrogantes que podrían surgir luego de una cercanía a la exposición virtual Antes de ser, ya éramos, la cual se compone de 22 obras artísticas que conservan una narrativa próxima a la vivencia de los pueblos originarios situados en Guatemala.

La propuesta de mostrar estas piezas surgió de varias conversaciones entre representantes de la Fundación Paiz y de la colección del Fondo para la Imagen, Palabra y Pensamiento Ventura Puac-Coyoy de Chichicastenango.

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Entre los realizadores eligieron 12 piezas que pertenecen al Fondo Puac-Coyoy, 9 a la Fundacion Paiz y una es de la colección de Maya Juracán. Entre los formatos destacan pinturas, esculturas y dibujos que conglomeran una narrativa visual distinta a lo propuesto en la convencionalidad histórica del arte “occidental”.

“Más allá de un hecho estético, el arte desde los pueblos originarios es un hecho social que se construye a partir de la memoria colectiva”, apunta la síntesis curatorial de Antes de ser, ya éramos.

Luego de una labor de investigación y documentación de las piezas contempladas en la Fundación Paiz, así como de la colección Ventura Puac-Coyoy, se realizó una curaduría en la que las piezas hablaran desde el tiempo y el reconocimiento de sus creadores.

Diego Ventura Puac-Coyoy, curador independiente k’iche’ y representante del Fondo para la Imagen, Palabra y Pensamiento Ventura Puac-Coyoy, comenta que la exposición es un intento por “poder apreciar, entender y darle lectura a la pintura maya, lejos de la visión limitada de la historia del arte guatemalteco”.

Por mucho tiempo en Guatemala, las piezas artísticas realizadas por personas indígenas -o bien, que aludan al modo de vida situado en los pueblos originarios- han sido catalogadas como arte “costumbrista”, “primitivista” o “naif” (este último haciendo referencia a la “ingenuidad” o “falta de formación”).

“El planteamiento de la exhibición es demostrar que siempre hemos sido, siempre hemos estado y siempre vamos a estar”, apunta el curador para reforzar la vitalidad de la muestra y explicar su título Antes de ser, ya éramos.

El curador agrega que este proyecto implicó demostrar “el pensamiento, el conocimiento, el registro de la historia y la manera de contarla desde diversos creadores que provienen de diferentes pueblos”.

Obras e identidades

Antes de ser, ya éramos, es además una propuesta que busca indagar en la mirada artística e histórica desde el recién cumplido bicentenario de independencia de Guatemala.

“Dentro de la idea configuración de los estados/nación, existe la premisa que la República es la etapa más alta de la ‘civilización’. Es por ello por lo que las demás naciones originarias han tardado mucho en ser reconocidas en su ‘ciudadanía’, expresa Ventura Puac-Coyoy.

Maya Juracán, historiadora, directora de la colección de Arte Paiz, y también realizadora de la muestra señala que la curaduría hecha junto a Diego Ventura Puac-Coyoy permitirá que desde la Fundación Paiz se construyan nuevas narrativas del arte partiendo de un cuestionamiento histórico.

Juracán explica que resultaba necesario revelar muchas obras de las que no se había contado en la Fundación Paiz, así como también “encontrar agujeros históricos que existían en la colección”.

Dentro de las nueve piezas expuestas en la plataforma virtual que pertenecen al acervo de la Fundación Paiz, cabe mencionar obras de realizadores como Francisco Morales Mux, Vicente Curruchich, Fidel Caté Tuctuc, Samuel Simón Calí o Arturo Monroy.

Las piezas de estas personas han estado dentro de la colección a lo largo de tres décadas, ya que han sido ganadoras en concursos o bien, han conformado las bienales de la Fundación.

Por otro lado, las obras pertenecientes a la Colección del Fondo para la Imagen, palabra y pensamiento Ventura Puac-Coyoy, destacan nombres más contemporáneos como los de Ande Perén, Diego Isaías Hernández, Diego Ixtamer, Marilyn Boror Bor o Manuel Navichoc.

La importancia de los autores en la exposición, dice Ventura Puac-Coyoy, radica en que se trata de una figura medular para la historia y cultura de las distintas localidades en Guatemala desde las cuales se enuncian.

“La figura del artista en su comunidad es la de alguien que cuenta historias en lenguaje visual y que está alejado de la figura occidental del artista que se considera un genio incomprendido”, argumenta el curador.

Antes de ser, ya éramos inició en septiembre de 2021 en el marco del Bicentenario de independencia y permanecerá disponible en la página web de la Fundación Paiz. En ella puede encontrarse un recorrido virtual y también un catálogo informativo de las piezas.

A decir de Maya Juracán, el propósito de este formato se debe al interés por crear un archivo que pueda ser accesible y cercano a todas las personas. “El anhelo de Fundacion Paiz es hacer un archivo transitorio histórico que pueda construir estas otras visiones del arte y de Centroamérica”, agregó.

Los datos de la investigación apuntaron que, así como la música, la artesanía e incluso los payasos, las actividades artísticas “reducen la ansiedad, el dolor y la presión arterial” tanto en niños como en adultos.

Se reveló que las actividades de esta índole promueven factores como el ejercicio y respaldan la salud mental. Además, se trata de acciones “con un bajo riesgo de resultados negativos”. Según el informe, varios médicos han “recetado” que se estimule la práctica artística.

Desde la implementación del arte, se pueden conciliar vías para involucrar a grupos minoritarios y menos privilegiados en la sociedad, infieren los datos de la OMS.

“El arte no es ocio, sino una necesidad”, expresa Esperanza de León, docente, artista, psicóloga y codirectora del Creatorio Artístico Pedagógico, un espacio de investigación donde se desarrollan pedagogías de arte como herramienta vital y de aprendizaje.

La investigadora y también curadora independiente señala que al momento en que una persona tiene dolencias, es probable que el arte ayude a “burlar” el malestar. “Cuando se tiene una experiencia que capta todos los sentidos, la atención se dirige a ese suceso, por lo que concentrarse en una manifestación artística puede ser beneficioso”, comenta.

La mente y la sensibilidad no quedan de lado. Esperanza apunta que los acercamientos al arte, siendo conducidos por la creatividad, estimulan la autoestima de quienes lo practican. “Eleva la seguridad en las propuestas de cada persona”, cuenta.

Asimismo, el arte puede ser un punto de encuentro con otros. La psicóloga y docente argumenta que las prácticas o experiencias artísticas promueven vínculos sociales, ya que se puede coincidir con otras personas que tienen intereses afines. Esto ayudaría además a promover una memoria comunitaria.

Entrar a nuevos mundos

La historiadora de arte y también educadora Luisa González-Reiche sugiere que el interés por las experiencias artísticas promueve una apertura hacia “otros mundos” y distintas formas de plasmar la realidad.

“En la obra de arte se puede evidenciar la naturaleza relacional y de identidad no individual que somos, es una especie de enredo amplio y rico en relación con lo que somos todas y todos”, cuenta.

Luisa comenta que dentro de las exposiciones se puede reflexionar acerca de las distintas identidades en el lugar, pero a la vez invita a cuestionar cuáles son los mundos, voces o propuestas que no están siendo mostrados,  para así desarrollar una conversación frente al discurso presentado en la exposición.

Esperanza De León apunta que las exposiciones ofrecen que la audiencia se lleve nuevos puntos de vista propuestos por los artistas. “Dan la oportunidad a las personas de conocer la diversidad y las distintas formas en que las personas enfrentan el mundo”, señala la psicóloga y artista.

Cómo recorrer una exposición

Por mucho tiempo se ha dicho que la práctica o el acercamiento a las artes es “solo para algunos”. Esperanza de León explica que lo anterior corresponde a un miedo alimentado por el desconocimiento y por la negación de espacios creativos y de arte a las personas.

La investigadora apunta que, por el contrario, el arte es una herramienta valiosa para todos, ya que desde la creatividad se pueden encontrar nuevas soluciones o interpretaciones ante circunstancias de la vida.

Por esta razón, un acercamiento a exposiciones en galerías, centros culturales y demás espacios resulta beneficioso. Pero ¿cómo recorrerlos si no se sabe de arte? Las especialistas entrevistadas sugieren:

• No ir con preparación: Aunque parezca una contradicción, el hecho de no tener expectativas, mantener la apertura y la curiosidad pueden hacer que se noten detalles, formas y perspectivas propuestas por la pieza de arte.

• Despojarse de los complejos: Dentro de la exposición se pretende tener un diálogo con las piezas y para esto “se debe estar al mismo nivel que el interlocutor”, por lo que se sugiere no guiarse por complejos, miedos o prejuicios, comenta De León.
  

• Tener disponibilidad de tiempo: Al tratarse de un ejercicio contemplativo, es meritorio tomar en cuenta el tiempo para que los diálogos sean más fructíferos.

• Dejarse llevar por la búsqueda saludable: Además de la recomendación de no ir con complejos, se recomienda no dejar que emociones negativas interfieran en el diálogo. “Si se va con la disposición de encontrar lo bello, lo poético, o lo conflictivo y lo ridículo, se encontrará. Si se va con una búsqueda saludable, se encontrará eso”, comenta Esperanza.
  

• Abrirse a otros lenguajes: El arte va más allá de nuestro lenguaje, por lo que se debe mantener un diálogo plenamente visual o sensorial con las obras. “Podríamos analizar distintas unidades como el tamaño, color, textura, matices. No todo tiene que caber en palabras ni ser explicado así. Se puede llevar a un nivel de distintas sensaciones”, comenta la psicóloga.

Tanto Esperanza como Luisa coinciden que el arte no debería concebirse como algo que sea definitivo e incluso estético. Por un lado, la psicóloga cuenta que el arte ya ha trascendido el gusto y no debe ser una expresión para complacer, sino para proponer otras formas de interpretación y de convivencia.

“La experiencia de las personas es válida. La obra está ahí y sirve para activar el pensamiento”, expresa De León en referirse a que no siempre la audiencia debe estar de acuerdo con las obras”.

En cuanto al lenguaje, Luisa comenta que las piezas no deben pensarse tanto desde un sentido simbólico o que tengan un significado para las personas. Propone que las obras sean consideradas en sí mismas. Junto con las recomendaciones comentadas, esto podría ampliar la percepción que se tenga del arte, establece la historiadora.

Exposiciones y herramientas artísticas

Algunas herramientas sugeridas para adentrarse en espacios de arte expositivos y pedagógicos desde la virtualidad:

• Google Arts
• Pedagogías invisibles
• MoMa
• Museo Reina Sofía
• Casa 3 patios
• Museo Pedagógico de Arte Infantil
• Plataforma indómita