Exposición “Sonidos Ancestrales” con elementos y piezas creadas por la cultura maya

La exposición está concebida como una experiencia educativa y sensorial para conocer piezas relacionadas con artefactos sonoros de la cultura maya.

Ingrid Reyes

13 de agosto de 2025

|

08:23h

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Una de las piezas que destaca en esta exposición dedicada a aun acercamiento con las bases de instrumentos ejecutados por la cultura maya. (Foto Prensa Libre: cortesía Fundación Ruta Maya)

La Fundación La Ruta Maya es una organización si fines de lucro que recupera piezas entregadas voluntariamente cuyo objetivo es apoyar el rescate, conservación y preservación de los valores culturales, promoviendo la educación, la divulgación y puesta en valor del patrimonio cultural maya en la región Mesoamericana.

Desde el primer momento comienza el proceso de documentación para recuperar la información perdida por falta de contexto gracias a los aportes de arqueólogos, epigrafistas, biólogos, músicos y otros profesionales. Actualmente tiene una exposición llamada Sonidos ancestrales.

Las evidencias de los instrumentos utilizados por los mayas se encuentran representados en murales, vasos policromos, esculturas, figuras de cerámica, códices y jeroglíficos. En la exposición algunas piezas cuentancon código QR para que el público pueda escanearlos y escuchar tanto la explicación como el sonido que producen.

“La humanidad entera comparte varios rasgos culturales, y uno de los más universales es la música. Aunque algunos animales como las ballenas o ciertas aves emiten vocalizaciones, es el ser humano quien crea música. Todo comenzó con las primeras expresiones sonoras: aplausos, el roce de palos, campanas hechas con sartales de conchas, silbidos o sonidos producidos con las manos. Cuando se incorporaron melodía y ritmo, nació la música como tal”, explica la arqueóloga Sofía Paredes Maury, directora ejecutiva de Fundación Ruta Maya

El estudio de la música antigua y de los artefactos sonoros pertenece a la arqueomusicología, disciplina que combina la arqueología —que estudia el pasado humano a través de sus artefactos— con la investigación musical. Esto permite conocer cómo se fabricaban los instrumentos, con qué materiales y qué técnicas utilizaban para que pudieran emitir sonidos, escalas y melodías.

Fecha

29 de julio 2025 al 31 de julio 2026

Hora

Martes a viernes de 9 a 16 horas.
Domingos, en Pasos y pedales, de 9 a 14 horas.

Lugar

Fundacion Ruta Maya, Avenida Las Américas 19-60 zona 13.

Precios y localidades :

La donación de ingreso es de Q5 para niños; Q10, estudiantes con carné y adultos mayores; Q15, adultos, y Q45, extranjeros (poco menos de US$6 dólares).

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Carlos Chaclán: El artista que le da sonido a la tierra con instrumentos prehispánicos

El artista, restaurador y docente comparte varias de sus reflexiones sobre la creación de instrumentos sonoros y esculturas a partir del barro.

Alejandro Ortiz

28 de agosto de 2024

|

07:00h

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Chaclán comenzó a ejecutar instrumentos musicales prehispánicos después de aprender a construirlos él mismo. (Foto Prensa Libre: Alejandro Ortiz López)

A pocos días de haber cumplido 69 años, Carlos Chaclán nos recibe en su hogar. En una sala que también es taller y pequeña galería donde exhibe varias piezas artísticas, el escultor procura una charla con la que regala nuevas formas de entender el barro, ese material que le ha acompañado cinco décadas y que lo ha llevado a México, Estados Unidos, Noruega o Finlandia, donde ha exhibido piezas hechas a pulso y paciencia con evocaciones prehispánicas.

A partir de sus manos, Chaclán ha moldeado piezas que representan cuerpos humanos, figuras zoomorfas e instrumentos musicales que se interpretan con el soplo y con las palmas. Ocarinas, flautas, silbatos, vasijas y tambores llevan la marca de Carlos Chaclán, quien más que entenderse solo como un artista, opera como pedagogo de la tierra.

Su historia de creación empezó incluso antes de conocer eso que llaman arte y que Carlos ha sabido amaestrar tanto como autor y como restaurador de piezas arqueológicas —en el Museo Popol Vuh fungió con ese rol durante varios años e incluso colaboró con el Museo Simithsoniano, uno de los más reconocidos de Estados Unidos—.

El vínculo de Chaclán con la tierra empezó en Totonicapán, su lugar de origen, cuando apoyaba en las faenas a su padre, quien era el único hombre de la comunidad que hacía tejas. “Todos los días había que amasar el barro, pero con los pies, no con las manos. Mi papá tenía un asistente que también estaba ahí, pero yo me metía, porque me gustaba sentir el barro. Era una relación como desde el juego. Yo tenía quizás 6 años, o algo así, cuenta Chaclán más de cinco décadas después.

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Su historia continúa con el momento en que decidió tomarse aquel juego más en serio e ingresó a formarse en el Centro Artesanal de Totonicapán, donde conoció nuevas técnicas para moldear la tierra. La obsesión por ese material y las posibilidades que reconocía en sus manos lo llevaron a más de 170 kilómetros, a la zona 1 capitalina, donde estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (Enap).

Posteriormente, abrió un inmenso surco que lo llevó a México para estudiar técnicas ancestrales de cerámica con un claustro de maestros japoneses en la Organización Mokichi Okada. Los frutos de ese viaje siguen evidenciándose para Chaclán, quien no solo ha participado como artista ceramista en exposiciones locales y fuera de Guatemala, sino que también ha trabajado como educador.

Fundó la especialidad de cerámica en la Enap y también ha facilitado talleres junto a entidades como el Centro Cultural Municipal de Guatemala y el gobierno de Francia, que lo nombró Caballero de la Orden de las Artes y de las Letras. “El hecho de ser maestro no significa saber todo, sino que simplemente es en ese trabajo de enseñanza donde se aprende”, asegura Chaclán.

¿A qué suena el barro para usted?

Hay tantos sonidos que son especiales. No hay ninguno igual. Aun haciéndolo con molde siempre hay una pequeña variación, y eso es sabroso, porque sale del mismo barro cuando está crudo, en húmedo.

Para poder crear estos instrumentos, uno tiene que manejar el barro con mucho cariño. Dependiendo del tamaño, así es el sonido. Antes de crear la pieza, hay que saber cómo deseamos que suene. Incluso el sonido cambia cuando se hornea o se seca.

Menciona que hay que ser cuidadoso con la tierra, un material que para muchos es subestimadado por lo rústico que es.

En una oportunidad hice una exhibición aquí, en Guatemala, donde yo decía: Quiero pedirle perdón a la tierra porque la sacrifico a calores intensos.

¿Cuál diría que es su barro predilecto para trabajar?

Me gusta mucho el barro que tiene mucha plasticidad, pero hay que trabajar ciertos materiales para que realmente funcione mejor. Me gusta el barro de Chinautla y uno que hay hacia Esquipulas; creo que está en San Antonio La Paz, El Progreso.

Los canales que pasan por la carretera están llenos de ese barro, y tiene buena mica —mineral que traen algunas tierras—. También en Guaytán hay un barro que puede ser un poco más delgado y tiene buen brillo.

Al crear esculturas, ¿cómo varía el proceso? ¿Alterna el tipo de materiales?

Una escultura, pues, en realidad sale un poco del corazón y los materiales me permiten experimentar mucho. No siempre uso solo el barro, sino que empiezo a agregarle otras materias con tal de conseguir colores distintos o texturas.

Por ejemplo, —comparte señalando una pequeña escultura sobre un mueble— esa maternidad es de arena volcánica y porcelana. En ese caso llegué a colocar la arena para que se fundiera un poco y para que la pieza tuviera un brillito y aparte una textura.

Además de la creación de esculturas y de instrumentos musicales, también es restaurador de piezas arqueológicas. ¿Qué tanta oferta cree que hay en esta área?

Mucha, porque hay coleccionistas que tienen piezas fragmentadas o están mal pegadas. Entonces, necesitan que se haga el mejor trabajo con él.

¿Y en el caso de restauraciones a instrumentos de música?

Mire, es muy muy poco en comparación al resto, por ejemplo, de utensilios. Los instrumentos son un poco más resistentes, porque no tienen piezas vulnerables.

¿Ubica personas o artistas que estén trabajando en la elaboración de instrumentos con técnicas prehispánicas?

Hay algunos que están haciendo muchos esfuerzos, pero al final es muy poca gente la que ha estado involucrada con esto. Hay más probabilidades de restaurar piezas.

Ceramistas que se dediquen a crear instrumentos sonoros mayas también somos muy pocos aquí en Guatemala, incluso en la ciudad. Es algo más común fuera de la capital.

Al principio, yo no encontré a ninguna persona que hiciera instrumentos. Además, era difícil encontrar a alguien que le explicara a uno sobre el tema. Luego, con los años, tuve el privilegio de haber estado en el Museo Popol Vuh, que tenía una gran variedad de instrumentos musicales y en donde empecé a restaurar.

En su momento me llamó la atención el tema de los instrumentos prehispánicos por Alfonso Arrivillaga, que se especializó en etnomusicología y que estaba investigando sobre las formas y los sonidos. Allí empecé con eso y todavía sigo.

¿Suele vender los instrumentos que realiza?

Básicamente, los hago para mí. A veces alguien viene, le gusta lo que ve y puedo disponer de eso y puede que la venda.

¿Y las esculturas?

Ahí es otra cosa. Esas van para galerías o para exhibición. Me voy trabajando las piezas por meses hasta que llega el momento en que se deben presentar.

¿Qué diría le ha enseñado el barro en estos años?

En realidad, es un privilegio poder tener en mis manos el barro de varios lados. Yo siempre estoy como muy agradecido con esta materia, porque si no fuera así, yo no conocería a un montón de gente.

El barro me ha abierto puertas. Nunca pensé que el barro me llevara a distintos países. Es una dicha, en realidad, el hecho de tener barro en mis manos y que de ahí salgan las piezas.

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“Son tres melodías las que se interpretan, siendo estas: “Nunca es suficiente”, de los Ángeles Azules; “Despacito”, de Luis Fonsi; y “Que va”, de Ozuna”, dio a conocer el docente.

“Ellos mismos escogieron sus melodías, muchas veces uno como profesor les propone o impone la melodía, pero si a ellos no les gusta no le ponen interés por interpretarla, mientras que al preguntarles tienen mayor interés de aprender”, precisó Chamam.

El proyecto del botellófono tiene cuatro años de haber sido implementado, pero hace poco que se logro afinar el sinido y perfeccionarlo.

Buscan voluntarios para pintar las viviendas de la 6a. avenida A del Centro Histórico capitalino.

El maestro indicó estar sorprendido con los resultados de aprendizaje, porque el 80 por ciento de los alumnos logró ejecutar una melodía completa.

“La mayoría de estudiantes me sorprendió porque tienen la capacidad o inteligencia musical, y se está descubriendo a través de esta actividad. Algunos de los jóvenes no sabían que les gustaba la música y ahora ya piensan que en el futuro pueden dedicarse a ella y crear una banda”, refirió.

Agregó que el botellófono nació de un libro de expresión artística que tienen en la escuela, el cual sugiere fabricar dicho instrumento musical con botellas. Para identificar cada nota musical utilizan un color diferente, por lo que es más fácil para los estudiantes recordar las notas que ejecutan.

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También indicó que, además de las 10 áreas que sugiere el Ministerio de Educación, le gusta impulsar este tipo de actividades porque de esa manera descubre talentos y promueve el reciclaje. Para ampliar sus conocimientos musicales Chamam Saguí recurre al Internet, donde aprende sobre las notas musicales de cada canción.

Ahora tiene la intención de agregar el sonido de las flautas y unos tambores para formar una banda en la escuela.

“La técnica que utilicé fue de grupos de 12 estudiantes, quienes tenían que conseguir las botellas, ver las medidas adecuadas para las notas musicales y crear el instrumento, por lo que fueron experimentando hasta lograr su objetivo”, acotó.

El profe Romeo, como es conocido en ese establecimiento, se ha caracterizado por innovar en sus clases, anteriormente, sus alumnos fabricaron un futillo y un robot con material reciclado, con el objetivo de enseñarles algo diferente y significativo.

Chaman refirió que el profesor Romeo todo lo documenta en su página de Facebook, por lo que otras personas han replicado los proyectos, como en San Juan Sacatepéquez y en Perú.

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En esa época, Iglesias decidió estudiar Lutería o Laudería, que es la actividad artesanal de producir instrumentos únicos, a mano.

De regreso de Europa pasó por Estados Unidos y se quedó trabajando con marcas famosas como Fender y C.F. Martin &Co. donde aprendió a fabricar guitarras eléctricas.

En 1981, cuando decidió establecerse en Guatemala, comenzó su negocio propio.

“Este país cuenta con más de tres mil especies de árboles que permiten contar con una materia prima inigualable para hacer instrumentos únicos”, señala.

PROCESO

Iglesias ha fabricado más de mil cien guitarras únicas, que ha exportado a diferentes países, como Japón, Estados Unidos, China y Alemania.

“El éxito puede verse de distintas formas. En mi caso, al fabricar las guitarras, hay que saber qué tipo de madera utilizar y cómo prepararla y secarla”, comenta.

“De una misma tabla no suena igual un pedazo que el otro. Hay que conocer el producto, como en cualquier negocio”, expresa.

El artista cuenta que producir una guitarra acústica lleva de seis a ocho meses, y una eléctrica, de dos a tres.

Iglesias cuenta que ha prestado sus servicios a la mayoría de artistas y bandas nacionales, ya que también repara instrumentos musicales.

“La reparación de instrumentos me ha permitido retocar y componer miles de aparatos, y conocer a cientos de músicos guatemaltecos”, dice.

EXPERIENCIA

Entre las características de los instrumentos que fabrica Iglesias destaca que todos son de una pieza de madera.

Entre las maderas que más utiliza están rosul, ciricote, chicozapote, chichipate y hormigo. “Es un arte saber combinar las maderas”, asegura.

Iglesias relata que hacer un producto único en el mundo lo llena de mucha satisfacción, porque no es solo de cortar madera, sino hay que ser, dibujante, diseñador y escultor, aunque lamenta no poder ejecutar ningún instrumento.

A sus 75 años, el empresario espera seguir produciendo guitarras, bajos y otros instrumentos de cuerdas.

“Hay que ir tras la perfección, enfocarse y luchar todos los días hasta convertirse en el mejor”, enfatiza Iglesias.