Mi segunda piel: La obra de Paula Nicho llega a Italia

La artista maya kaqchikel expone cinco obras en la 60 Bienal de Venecia en las que retrata la belleza del diseño textil maya.

Belinda S. Martínez

4 de mayo de 2024

|

10:00h

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Las exhibición estará disponible hasta el 24 de noviembre del 2024. (Foto Prensa Libre: Waseem Syed para Fundación Paiz)

“Cuando yo era pequeña me discriminaron estando en la escuela. No tuve la dicha de ir a desfilar porque para eso debíamos llevar un uniforme ya que todas las niñas deben ir uniformadas. Mi mamá me dijo: ‘no te voy a hacer uno porque no tengo dinero, yo te voy a hacer un sobre güipil, para que te identifiques’. Cuando llegué a la escuela me dijeron que no podía desfilar…”, cuenta la artista maya kaqchikel Paula Nicho Cúmez, anécdota de la que se inspiró para una de sus obras expuestas en la 60 Bienal de Venecia.

Trabajadas en óleo sobre tela, Nicho originaria de San Juan Comalapa, relata cómo ha sido para ella el proceso de la creación y exposición de sus obras en esta exhibición internacional de arte. “Siempre me ha gustado pintar y poco a poco estoy dando a conocer lo que me gusta hacer y es por eso que estoy muy agradecida con todo lo que me está pasando”.

Cinco son las obras de la artista expuestas en la exhibición, una titulada Naturaleza y las otras cuatro pertenecen a una serie llamada Mi Segunda Piel, en la cual la artista retrata, según sus palabras, a “mujeres tatuadas” con un significado un poco más profundo.

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En sus pinturas, Nicho retrata a mujeres con diseños sobre su piel que, más allá de ser tatuajes, son historias, colores y diseños de tejidos de diferentes lugares de origen de Guatemala.

Entre los cuadros, por ejemplo, se muestra a una mujer tejiendo al mismo tiempo que refleja sobre su “segunda piel” tatuajes con colores y expresiones propias de la cultura guatemalteca.  

“… mi mamá se enojó con la directora cuando no me dejaron desfilar y me dijo: ‘vámonos mija, porque aquí la gente piensa que nosotros no tenemos derecho de usar nuestra indumentaria’. Al ser un poco más grande me di cuenta de que esto era discriminación y que pasaba en muchos lugares de Guatemala, ya que en colegios y hasta universidades no había libertad para la gente indígena; y me causó mucho dolor que la gente piense que la indumentaria no vale. Cada pueblo tiene su propia indumentaria y colores y esto lo quise plasmar en mis obras”, cuenta Nicho.

La artista transformó ese dolor en arte y sus obras, presentadas en esta exposición, muestras a mujeres conscientes de su propio poder, resaltando la belleza del diseño textil maya.

“Hay que seguir trabajando y luchar para conseguir un futuro, porque cada persona tiene sueños y diferentes formas de ver la vida, hay que estar orgullosos de dónde venimos y utilizar el arte para plasmar esa historia”, finaliza la artista.

Esta es la primera vez que Nicho se presenta en la Bienal de Arte y junto a ella también se exponen obras de los guatemaltecos Margarita Azurdia, Carlos Mérida, Andrés Curruchich y Rosa Elena Curruchich.

La exposición estará disponible hasta el domingo 24 de noviembre en el Pabellón Central de la Bienal como parte de la exposición internacional “Extranjeros en todas partes”, curada por el brasileño Adriano Pedrosa en Venecia, Italia.

Dos artistas caminan entre hilos, volcanes y mangos en la ciudad de Guatemala

En sus primeras exposiciones individuales, las artistas Mena Guerrero y Angélica Serech narran y desbordan paisajes emocionales desde sus puntos territoriales.

Alejandro Ortiz

8 de marzo de 2024

|

01:00h

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Desde dos puntos cardinales distintos, pero siempre ubicados en el Occidente guatemalteco, las artistas provocan diálogos más allá de lo racional en sus primeras exhibiciones individuales. (Fotos Prensa Libre: Cortesía La Galería Rebelde y Mena Guerrero)

Una semana antes del Día Internacional de la Mujer, se inauguraron dos exposiciones de arte en la ciudad capital, protagonizadas por mujeres.

Lejos de buscar una temática relacionada con el fondo conmemorativo del 8 de marzo —visto desde la Organización de las Naciones Unidas como una lucha por referirse a las mujeres corrientes como también “artífices de la historia”—, las exhibiciones abrieron en dos galerías ubicadas de extremo a extremo en la ciudad capital.

El espacio La Erre, ubicado en la zona 4, festejó la inauguración de Volcanes, Mangos y Amor, una exhibición con cerca de 100 obras elaboradas por la artista Mena Guerrero, nacida en 1996 y actualmente radica en La Antigua Guatemala.

A la otra orilla de la urbe, en Muxbal (ruta a El Salvador), La Galería Rebelde inauguró Diálogos del Maguey, su segunda exhibición del 2024 en donde se presentaron 12 obras de la artista de San Juan Comalapa, Angélica Serech, nacida en 1982.

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Las exhibiciones, que pueden visitarse hasta abril y mayo del presente año, han sido posibles gracias a un grupo de mujeres más allá de las artistas en exhibición, entre ellas, gestoras, curadoras y divulgadoras tanto de La Erre como de La Galería Rebelde. Afuera de ambos espacios, los procesos de Guerrero y Serech han sido posibles desde la co—relación femenina.

Cabe recordar cómo en algunas ocasiones, la artista Angélica Serech ha mencionado que su sensibilidad creativa fue estimulada a través de la relación que tuvo con su tía, quien constantemente la animaba a tejer de una forma en la que la se sintiera más cómoda, aún fuera esta “experimental” desde la óptica tradicional del bordado.

“Con Angélica hablamos sobre el linaje de las tías, de lo femenino y cómo las mujeres en nuestra familia nos han influido”, comparte Mena Guerrero a propósito de una conversación que tuvo el pasado 28 de febrero durante la inauguración de la muestra de Serech, que fue realizada un día antes de la apertura de la muestra de Guerrero.

Las artistas han coincidido en tiempos no solo con un día de diferencia en la apertura de sus proyectos, sino que además celebran sus primeras muestras individuales.

Serech se siente “muy feliz y agradecida” por este hito en su carrera, misma que empezó a visibilizarse desde hace más de 14 años. Durante este tiempo, la artista ha llevado sus obras a espacios como la Bienal de Arte Paiz o la subasta de arte Juannio.

En su primera exposición individual, curada por el portugués Bruno Leitão, la artista reconoce el trayecto de sus conversaciones personales alrededor de temas vinculados a la vida. La artista comalapense materializa estas ideas en Diálogos del maguey donde comparte 12 instalaciones que suelen desplegarse abstractas y en caída a lo largo de varios puntos en el ancho espacio de La Galería Rebelde.

egún infiere Serech, esta reunión de piezas aborda los caminos, el encuentro y la celebración a la materialidad: “Elegí el maguey como protagonista del título porque fue uno de los elementos de conexión con mi proceso creativo”.

Para la artista, las conexiones y los entrecruces son elementos importantes de su obra. Es a partir de la metáfora de los hilos y el bordado, que Serech se reconoce dentro una historia comunitaria formada por un gran entramado.

Intuición y materia

Desde su estancia en La Erre, Mena Guerrero explora distintas materialidades como la pintura, la cerámica, el dibujo y las piñatas, en Volcanes, Mangos y Amor, donde se permite pensar las exhibiciones artísticas como un espacio menos serio y frío.

“Es una invitación a rescatar el juego, tener un respiro y reconectarnos con la libertad”, refiere la artista quien desde hace cuatro años habría querido montar una exposición en este espacio.

Si tuviera que describirse con el paladar, la primera exposición de Guerrero podría ser chiclosa, agridulce y fresca. A través del olfato, podría decirse que huele a incienso y pólvora. Estas imágenes, no precisamente visuales, dan forma a la obra de la artista quien reconoce lo corpóreo como eje central de su muestra.

“Estoy experimentando desde la corporalidad. Con las imágenes del mango he intentado tener presente la experiencia táctil que puede surgir a la hora de comerse uno: es una fruta perfumada, tiene una cualidad de lo chicloso y lo jugoso. Hay un erotismo ahí y una imagen de las semillas suaves que con el tiempo se vuelven más duras. También me he preguntado cómo es sentirse volcán. Me ha llamado la atención lo que está debajo de la tierra, que es la potencia. Siento que los volcanes no me crean miedo, más bien su ponencia me abraza”, explica Guerrero sobre la conceptualización de sus obras.

Asimismo, la artista reconoce que estas miradas a dichos elementos naturales vienen de una nostalgia por el paisaje que le rodea. La artista, residente en La Antigua Guatemala asegura que a pesar de haber crecido en la ciudad se siente más encontrada con la dinámica fuera de lo urbano; algo que intenta poner de facto en sus más de 100 obras dentro de La Erre.

“No es ser ideológica desde el territorio, sino que sea una experiencia personal y luego ficcionada. Para mí es una analogía con la corporalidad”, agrega la joven artista quien ha sido reconocida con la beca Flotador de la organización costarricense Teorética y quien ha sido ganadora del certamen Galería Abierta de la Municipalidad de Guatemala y el primer premio artístico de la Fundación Defensores de la Naturaleza de Guatemala.

Tanto para Guerrero como para Serech, llegar a sus primeras exposiciones ha implicado una gran dosis de sensibilidad y apuesta por la intuición.

“Creo en el agotamiento de las cosas y en confiar en las cosas que se puedan revelar. Creo que hay una razón más allá de la racionalización”, comparte la artista exhibiendo en La Erre obras que van desde pequeños volcanes de pólvora, hasta los de piñata (elaborados junto a un artesano de San Lucas Sacatepéquez) o pinturas de escalas que van desde los dos por 1.50 metros hasta lienzos en tamaño carta.

Para su primera exposición Angélica Serech ha utilizado como máximo 170 libras de hilo, así como también varias ramas de madera, hilo de plástico, hebras de maguey e incluso su propio cabello. Estos elementos fueron empleados de distintas maneras en sus ensambles artísticos.

Según explica la realizadora algunas piezas poseen urdimbre como estructura principal, elemento que suele ser fundamental para el arte de las tejedoras y los tejedores.

En su intento por deconstruir la forma tradicional del bordado, Serech deshilvana y desborda un universo sin límites e incluso sin un punto de partida racionalizado. Sobre sus procesos de creación dice: “No creo que haya tanto concepto o al menos, uno discursivo en mis obras. Siempre hay ejercicios propios de entender mi arte como algo no estático. Intento hacer algo distinto en torno a lo que voy aprendiendo”, concluye Angélica Serech.

Sobre las exposiciones:

• ‘Diálogos del maguey’: La Galería Rebelde (Km. 7.5 Carretera a Muxbal, Plaza Muxbal, Local 3, Guatemala) / Visitas de lunes a viernes de 10 a 17 horas
• ‘Volcanes, mangos y amor’: La ERRE (Vía 6, 2-60, zona 4, Guatemala) / Visitas de miércoles a viernes, entre las 11 y las 17 horas, y sábados de 11 a 13 horas

Niñas Furia y su libro que narra nuevas historias del arte femenino en Guatemala

‘Niñas Furia: Mujeres artistas en Guatemala’ aborda la práctica de 13 autoras radicadas en el país quienes trabajan en ilustración, diseño gráfico, activismo político y educación.

Buena Vida

29 de febrero de 2024

|

07:13h

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La publicación cuenta con una revisión de la obra y biografía de artistas locales y extranjeras comprometidas con la formación de una sociedad más abierta. (Foto Prensa Libre: Camila Caris)

Al calor de una semana movida para las luchas y las reivindicaciones femeninas alrededor del mundo, en Guatemala la colectiva artística Niñas Furia se prepara para dar conocer su primer libro, el cual destacará la obra de 13 realizadoras locales como extranjeras quienes han hecho del arte un lugar para la enunciación y la apertura social.

La presentación del libro -el cual empezó a gestarse desde antes de 2023-, se realizará el próximo martes 5 de marzo en el Centro Cultural de España (6 Avenida 11-02 zona 1, Edificio Lux) a las 17:30 horas e incluirá la revelación de un mural trabajado por la colectiva en la sede del centro cultural, así como un conversatorio.

Niñas Furia: Mujeres artistas en Guatemala , titulo que ha recibido el nuevo libro, pone en diálogo el trabajo de varias realizadoras que se han vinculado a la colectiva y quienes han hecho frente a la historia de Guatemala y sus deudas en cuanto a la inclusión femenina.

Según apuntan las coordinadoras de la agrupación artística, el objetivo del nuevo proyecto editorial es el de dar a conocer el trabajo que cada una de las artistas desempeña en sus territorios “como una forma de resistencia cultural al interior de un país donde se vive una amplia violencia y desigualdad de género“.

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La compilación, que podrá adquirirse el 5 de marzo y posteriormente bajo pedido a través de las redes sociales de la colectiva, supone un nuevo bastión en la historia editorial que narra el arte en Guatemala. De esta cuenta, el libro incluirá biografías que han sido elaboradas junto a las artistas, así como un recuento y registro fotográfico de sus obras.

Sandra Arizandieta, artista y fundadora de Niñas Furia, comparte que la relevancia de este nuevo documento histórico se encuentra en el reconocimiento de artistas jóvenes que han logrado compartir y abrir puertas desde la organización colectiva.

Desde 2016, la agrupación ha realizado exposiciones y talleres mediados desde el arte que abordan derechos humanos, sexuales y reproductivos, así como también sobre sensibilización de violencia de género. En estos ocho años las integrantes también han realizado murales y demostraciones de pintura en vivo.

Tomando en cuenta diferentes lenguajes estéticos, desde la pintura hasta el ensamble de publicaciones gráficas, las Niñas Furia también han facilitado procesos de sensibilización sobre temas vinculados a su experiencia identitaria junto a organizaciones de derechos humanos en contextos comunitarios.

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“En nuestros espacios hemos visto el fruto de intercambiar conocimiento. Todas hemos llevado formaciones distintas, entonces, al estar juntas en procesos de creación colectiva podemos actualizar nuestras técnicas y darle fuerza a un motor de búsqueda de aprender, abrirnos más oportunidades, compartir experiencias, pero para todo esto una tiene para romper berreras“, comparte Sandra Arizandieta.

El nacimiento de la colectiva

La imagen de Niñas Furia, lejos de verse como la de un grupo de infantes enojadas con la sociedad que ha llegado a normalizar la violencia sobre las mujeres,se ha convertido también en una posibilidad para defender la imaginación femenina y su visibilidad dentro del gremio artístico de Guatemala.

En 2016, la colectiva nació luego de las observaciones que habrían llevado a la realizadora Sandra Arizandieta a comprender sobre el lugar que ocupaban las mujeres dentro de varias convocatorias artísticas.

“Estuve trabajando de manera colaborativa con grupos de artistas en la ciudad de Guatemala, donde predominantemente la afluencia de las convocatorias era de público masculino, los artistas eran en su mayoría hombres y las pocas mujeres que acudían en algunas ocasiones eran tachadas con ideas preconcebidas. Había una idea de que las mujeres estaban exponiendo o participando porque eran novias o hijas de alguien”, recuerda Arizandieta.

Estle llevó a concluir sobre la necesidad de armar un espacio exclusivamente para mujeres. “Le hablé a mis colegas más cercanas, entre otras, y platicando con ellas estuvieron de acuerdo en que hiciéramos una exposición solo de mujeres“, agrega.

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Arizandieta cuenta que al principio eran de entre seis a siete las artistas que solían dar forma a las propuestas de Niñas Furia. Con el tiempo, las integrantes fueron compartiendo más sobre las convocatorias en sus redes, así hasta llegar a un nuevo aproximado de 40 a 50 artistas quienes se interesaron por la colectiva y quienes, desde entonces, han ido formando parte de las actividades.

“Fue muy bonito ver cómo nació esta idea y sobre todo, cómo realmente era una respuesta a algo que necesitábamos“, cuenta Sandra Arizandieta.

Desde 2016, las integrantes de Niñas Furia de la colectiva han colaborado junto a instancias culturales de la Municipalidad de Guatemala o con el Centro Cultural de España para realizar talleres y activaciones en el espacio público con orientación a mujeres de distintas edades.

Más allá de la ciudad de Guatemala, donde nació el proyecto, Niñas Furia también ha logrado alcanzar otros públicos femeninos en Sacatepéquez, Quetzaltenango, Sololá y Huehuetango. En estos departamentos han llevado a cabo talleres y exposiciones.

“Uno de los mayores logros de la colectiva ha sido poder tener el espacio para nosotras de manera colectiva, pero también poder llevar los talleres, descentralizar el arte, (…) y que instituciones de derechos humanos han empezado a ver la potencia que tiene el arte como herramienta de cambio y como herramienta educativa“, puntualiza la artista y fundadora de la colectiva.

Sobre el libro

Fue durante un viaje a Costa Rica en 2023 que Sandra Arizandieta junto a la historiadora de arte chilena Camila Caris imaginaron un nuevo proyecto para el curso de Niñas Furia: realizar un primer libro desde la coletiva que pudiera narrar nuevas historias del arte femenino en Guatemala.

De esa cuenta, decidieron empezar una investigación sobre artistas radicadas en Guatemala que han estado vinculadas a Niñas Furia en varios momentos de la colectiva.

A decir de Arizandieta, el libro -que está listo para ser presentado el 5 de marzo, tres días antes del Día Internacional de la Mujer-, es una apuesta para llevar a cabo un documento histórico que reconoce el trabajo de 13 mujeres artistas activas quienes residen en Guatemala y que han aportado a la confabulación de la colectiva.

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Durante varios meses, el proyecto, titulado hoy Niñas Furia: Mujeres artistas en Guatemala, ha desplegado varias lecciones para sus realizadoras.

Para la historiadora Camila Caris, quien estuvo a cargo de la edición del libro y así como de la recopilación de las biografías de las 13 creadoras, esta investigación le ha llevado a mapear una de las varias escenas del arte feminista que hay en el país.

Caris explica que este libro llevará a que el público lector reconozca sobre varios espacios formativos, lugares de exposición, alianzas y colaboraciones que han tenido que hacer las artistas de Niñas Furia, quienes así como otras realizadoras han tenido que edificar desde la resistencia en un país donde la formación artística llega a ser limitada.

Asimismo, el libro reconoce la migración como otro eje político y narrativo. De esta cuenta, en la publicación se reconoce la obra de artistas desde México, Chile e Italia, quienes radican en Guatemala y han trabajado con Niñas Furia.

“Por lo general, las artistas en Guatemala también tienen que pasar por un montón de dificultades para poder lograr validarse dentro de la escena y una artista migrante, una historiadora del arte migrante es aún más desafiante“, apunta Caris.

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La historiadora de arte agrega que la potencia inclusiva de Niñas Furia: Mujeres artistas en Guatemala, también presta atención a las circunstancias detrás de la migración.

“Se incorpora a artistas que no solo viven en ciudad de Guatemala, sino que también están en otras localidades o han tenido que migrar a la capital debido a factores ya sea económicos, políticos o sociales. Rescato esa voluntad de romper con la xenofobia e incluir a mujeres diversas que estamos aquí presentes en ciudad de Guatemala”, refiere Caris sobre el libro.

Asimismo, otro de los componentes de la nueva publicación radica en la diversa materialidad y trasfondo con la cual se sostienen las obras de las artistas incluidas. Camila Caris explica que varias de las realizadoras han trabajado de fanzines, grabado, ilustración y hasta gestión cultural.

“Ahora es el momento de que seamos nosotras las que contemos la historia de nosotras y creo que la publicación ayuda a situar dentro de la escena artística con la entrevista biográfica que ayuda a generar fuente directa; algo que ayuda mucho en investigación porque así nos acercamos cada vez más al relato primario de la artista“, explica Caris.

El libro en cuestión incluye reflexiones escritas por Ingrid Gálvez, así como la poeta maya k’iche’-kaqchikel Rosa Chávez y la psicóloga y actriz italiana Camila Camarlengo.

Niñas Furia: Mujeres artistas en Guatemala destacará la obra de las artistas radicadas en Guatemala:

• Sucely Puluc
• Karin Eli
• Ale Bara
• Chinitas Yon
• Edith López
• Adely del Cid
• Súa Agapé
• María Ñejitos
• Maru Archila
• Marissa Alarcón
• Morena Jenn III
• Thaís Arriola
• Paula Escobar

“Sentía que me iba en el universo. Ese total me asombró y me llevó a la pregunta del por qué frente a todo. Al día de hoy me he sentido alucinada por eso, es como estar en un vahío“, explica la también fotógrafa quien durante los últimos 17 años se ha dedicado a explorar su relación a lo cosmogónico y la naturaleza del mundo.

Durante más de una década y a través de su ejercicio personal, como desde la formación y dirección de la escuela La Fototeca, Tezanos ha visto en la fotografía una herramienta para indagar en la conexión de los humanos con su fuente de energía. 

A partir de estas indagaciones, la guatemalteca fue invitada el año pasado a  la exposición Prendre le soleil (Tomar el Sol), donde junto con otros 39 artistas, propone otra mirada a nuestro vínculo con la mayor de las estrellas del Sistema solar.

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Organizada por las curadoras Marta Ponsa, Aurelie Baron y LuceLeBart, Prendre le soleil estará disponible hasta el 21 de abril y será desplegada en el Hangar Y – Paris, Meudon, un revitalizado  inmueble del siglo XIX donde se almacenaban dirigibles.

El motivo de la exhibición busca plantear otras formas de comprender al Sol. De acuerdo con el texto curatorial de Prendre le soleil, este astro que suele ser temido o rechazado, “nos recuerda el misterio sublime de su consistencia ardiente”, mientras que sus quemaduras, golpes, huellas o efectos llegan a “activar” la imaginación de los realizadores y por ende, de los asistentes.

La participación de la guatemalteca Clara de Tezanos en la muestra reúne una serie de 50 objetos intervenidos con vidrio, madera, estaño, cuero, tela y otros recursos naturales, que son exhibidos a lo largo del mural. La intervención suele registrar el paso del tiempo y el recorrido que hace la luz, en la medida que el Sol genera sombras de distintos aspectos al pasar por los objetos.

También llamadas Lámparas votivas, las piezas creadas por Tezanos en su taller de La Antigua Guatemala, proponen una reflexión de la imagen más allá de la forma fotográfica. “Llevo muchos años tomando fotografías y observando cómo cae la luz. La obra nace de ese gesto de querer dialogar con ella o de jugar de forma más profunda. Es salirse del cuadrado de la imagen y quedarse con el gesto, que me parece muy poético“, explica la artista.

Cual alfabeto para leer el Sol, la obra desplegada por el mural, también se presenta como una reunión de esculturas artesanales que incluye objetos encontrados por de Tezanos, otros más análogos que abarcan el oficio fotográfico, piezas que eran de su abuela y otros que incluyen materiales traslúcidos u opacos.

Es difícil explicar la singularidad o materialización de cada una de las 50 lámparas, aduce la autora. Sin embargo, hay algunos de los cuales se pueden desprender gran cantidad de reflexiones introspectivas frente al mundo. 

Uno de ellos podría ser la diminuta repisa de madera que sostiene una especie de joyero que a la vez sostiene un huevo tallado en vidrio celeste que suele reflectar con el paso de la luz solar. Según apunta de Tezanos la pieza “juega con lo oculto, es como una joya que tenemos adentro o un tesoro expuesto“.

De entre las decenas de lámparas se desprenden ideas que abarcan la fragilidad (como el cascarón de otro huevo), lo cotidiano (mangos de espejos), la observación (un lente de cámara) o la naturaleza misma (un nido de paja).

Las reflexiones son logradas al metaforizar el significado de los objetos intervenidos que en simultáneo funcionan como anacronismos materiales y de uso; por ejemplo, un estuche de cuero resguardando un nido y un prisma. Con estas construcciones libres Clara de Tezanos también propone “juguetes para interactuar con el Sol”.

La conceptualización de los objetos inició en 2022 tras la exposición La fuente es el Sol, realizada por de Tezanos en la Galería Rebelde de Guatemala, y luego de su paso por la residencia artística Temporal en Costa Rica. Previo a su la llegada al Hangar Y de París, la guatemalteca había exhibido otras lámparas en la feria Salón Acme de México e incluso en Art Paris y Maison Objet en Francia.

En Prendre le soleil la guatemalteca muestra la mayor cantidad de lámparas que ha logrado crear hasta la fecha. Lo hace junto a obras como las del legendario fotógrafo británico Martin Parr, la estadounidense Penelope Umbrico quien se ha dedicado a recopilar cientos de miles de fotografías de atardeceres en internet, o junto al astrónomo francés Etienne Trouvelot, quien además hizo una carrera artística en el siglo XIX.

“Es lindo poder coincidir en búsquedas de personas que también han tenido esta revelación del Sol. Siento que he trabajado toda mi vida para esta exposición“, comparte la guatemalteca Clara de Tezanos quien trabajó en sus piezas durante seis meses, previo a llevarlas a Francia.

De acuerdo con la artista guatemalteca, sus indagaciones alrededor de la cosmogonía siguen buscando rumbos entre las sensibilidades y los tiempos venideros. En el arte la realizadora encuentra una forma de hacer magia, que define como ese “espacio de creencia donde podés apropiarte de las cosas” o bien, como una zona entre la ciencia y lo increíble. “Me gusta la contradicción y el balance entre lo racional, lo absoluto y lo intangible”, apunta la artista.

Esa resonancia podría deberse a varios méritos. Uno de ellos, quizá el más vistoso, ocurrió en 1978 cuando Pettersen fue reconocida por el Gobierno con la Orden del Quetzal luego de haber publicado el libro Maya de Guatemala. En él plasmó una extensa serie de pinturas con acuarela donde registró escenas de personas indígenas portando la indumentaria propia de su comunidad sociolingüística.

Otra de sus huellas en la historia nacional quedó fundada hace exactamente un siglo, cuando en 1923, siendo encargada del cuidado doméstico de la finca de su esposo en Escuintla, se convirtió en una de las primeras mujeres en exponer dentro de la Academia de Bellas Artes de la capital.  

Las obras de Pettersen emergían de su visión frente al entorno sociocultural y natural que le rodeaba y eran manifestadas sobre lienzos de tela que cuidadosamente transformaba con imágenes que pintaba con acuarela, situada “en vivo” frente a la naturaleza, las personas u los objetos.

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Gran parte de su mirada fue vertida en cuadros, ilustraciones y pequeños bocetos que la realizadora propuso desde su estancia en la bocacosta guatemalteca, específicamente en la Finca El Zapote, a unos escasos kilómetros del Volcán de Fuego, donde vivió junto a su camada familiar que inició con su esposo, el terrateniente inglés Leif Lind Pettersen.

Llegado 2023, el mito de esta artista es revelado en Carmen L. Pettersen, Vida, obra y pasión: un libro que ha empezado a circular luego de la investigación publicada por la Fundación Carmen Lind Pettersen en la que se conglomera una biografía de la acuarelista, un análisis de su obra y varios diálogos alrededor de los archivos que generó Pettersen debido a su interés y vínculo con la vasta cultura identitaria y botánica de Guatemala.

El libro, que puede obtenerse en el Museo Ixchel del Traje Indígena y la librería Sophos por Q.780, ofrece una mirada minuciosa y profunda en la noción del paisaje local.

La artista y su libro

Carmen Dorothy Gehrke de Maria y Campos nació en la ciudad de Guatemala de 1900, pero a los cuatro años su familia viajó a Londres, Inglaterra para establecerse allá. A los 15 años, Carmen completó sus estudios en The Royal Drawing Society, y a los 17 ingresó a la Polytechnic Art School de Regent Street. En ambas instituciones perfeccionó sus trazos y se sumergió en el mundo del acuarelismo.

En 1923 regresó a su natal Guatemala para establecerse, y donde comenzó a trabajar una serie de pinturas de naturaleza que expuso por en la Academia de Bellas Artes, siendo esta su primera exposición, así como una de las primeras individuales de una mujer en la institución.

Según explica la curadora e investigadora Rosina Cazali en el libro Carmen L. Pettersen, Vida, obra y pasión, durante aquella época la pintura de paisaje llegó a ocupar un lugar preponderante, y llegó a construirse como la máxima representación de la nacionalidad y la celebración de las “bondades del entorno natural, el trópico y sus recursos agrícolas”.

A lo largo de 225 páginas, Carmen L. Pettersen, Vida, obra y pasión, cuenta el pulso de una artista que vivió gran parte de su vida fuera de la urbanidad y que, a la vez, permitió reflexionar sobre la importancia del contexto de la Costa Sur.

Nikki Bahr, bisnieta de la acuarelista y presidenta de la Fundación Carmen Lind Pettersen, comenta que Pettersen “realiza un aporte cultural importante que se debe rescatar dadas a las lupas y apreciaciones culturales sobre qué es el país y quiénes somos”. Según apunta Bahr, mucha de la obra tiene un valor botánico en cuanto al registro de varias especies que brotan del país desde hace siglos.

Es así como a lo largo de sus obras, Carmen muestra escenas agrícolas donde también destacan las formas y características de matilisguates, flamboyanes, lagerstroemias, cicas, conacastes, caimitos, ceibas, aguacates, amates, papayas, matapalos, helechos, monsteras, palmas, bambúes, entre otras especies.

 El libro Carmen L. Pettersen, Vida, obra y pasión además de presentar más de 60 obras originales de la acuarelista, cuenta con un análisis de la mirada artística de Pettersen desarrollado por la historiadora de arte Katherine Manthorne, una entrevista hecha por Christa Bollmann a Violeta Gutiérrez, curadora del Museo Ixchel, y a Rosario Miralbés, etnógrafa y especialista en textiles de Guatemala, así como despliega una biografía de Carmen propuesta por la investigadora Rosina Cazali.

Memoria natural y cultural

Sobre la historia de la artista, Cazali apunta que, a pesar de vivir en una zona rural, su obra reflejaba un vínculo con el momento político que atravesaba Guatemala. Esto puede verse en las escenas donde aparecen dinámicas de trabajo agrícola, así como toman protagonismo imágenes de talas de árboles, por ejemplo.  

A pesar de ser lo común que eran estas prácticas en aquella época, el lenguaje creativo de Carmen asomaba una poética cotidiana. “Era una documentalista y preciosista. Tenía un ojo analítico que le permitía ver el paisaje como tal. No usaba fotografías. Se tomaba el tiempo de observar”, agrega Rosina.

Según anota la curadora, estas exploraciones facultaron que Pettersen llegara a un circuito artístico limitado y urbano en el que llamaba la atención por el retrato agreste del sur.

Por otro lado, sus obras destacaban por la minuciosa forma de situar las tonalidades. Cazali explica que durante la investigación alrededor de la obra de Carmen L. Pettersen, se descubrió que la artista utilizaba una paleta de colores con tonos específicos para cada una de las especies y elementos que documentaba.

La propuesta, llamada Apis Ferrugo, es una exposición impulsada por el curador y director de la galería Os-mo-sis, Waseem Syed, y en donde se pretende llevar a los visitantes por un recorrido “genuino” a través de la particular forma de creación que Ada ha desarrollado durante más de veinte años.

En la pulcritud de los muros blancos de la galería, sus obras no esconden dramatismo ni silencio. Al contrario, su abundante interlocución a partir de las texturas da forma a un lenguaje que podría ser interpretado únicamente por Ada, quien para la presente exposición defiende su proceso creativo nombrándolo como ‘apis ferrugo’.

Además de servir como título para la exhibición, el concepto se convierte en símil de la técnica con la cual Ada suele oxidar con hierros lienzos de fibras naturales, como algodón o lino, para luego intervenirlos con bordados hechos a mano, así como con elementos de la naturaleza que van desde hojas de árboles hasta conchas.

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Este gran “collage textil”, más allá de nacer por una técnica tan singular, metaforiza el ensimismamiento y la desconexión de Ada frente al mundo. En las piezas, no se encuentra únicamente el resultado del aislamiento, sino que permanecen entrecruzados varios capítulos donde el dolor, la ausencia y la tristeza, pero también, la naturaleza han parte del relato de la artista.

Para cuando había alcanzado los 18 años, Ada ya era una mujer con esposo. Había migrado desde Jutiapa para encontrarse con una nueva vida en las colonias de la zona 6, donde junto a su marido formaron un hogar que vio nacer cinco hijos.

En su día a día, como trabajadora de casa, y a más de 130 kilómetros de su mapa rural, Ada siempre mantuvo un vínculo con la naturaleza a pesar de la distancia. Cuenta que siempre solía pensar en la tierra, los ríos, las hojas y los árboles de mango que trepaba durante su adolescencia para subirse a leer.

Las memorias de la naturaleza pueden ubicarse de forma explícita en la obra de la artista quien busca priorizar materiales orgánicos: desde las fibras de los textiles que utiliza como base, hasta el proceso de transformación con materiales corrosivos y la consecuente intervención con hilos o retazos del planeta.

En Os-mo-sis, las primeras obras de su exposición vienen dadas de ese vínculo medioambiental. De esa cuenta, el primer grupo de piezas responde a una serie de hojas secas intervenidas con diferentes hilos que plantean la unicidad de las raíces y el brote multicolor.

Justo a la par de las hojas, se presenta un manto que remite al tiempo de confinamiento durante la pandemia en 2020. La pieza, titulada Cartas de amor y esperanza, se forma a partir de un conjunto de telas acompañadas de elementos a base de bambú, concha de nácar, entre otros materiales textiles.

“Usar estos materiales responde a una conexión que me lleva a pensar en cómo sentimos que somos parte del planeta, aunque todas las personas seamos distintas”, cuenta Colocho respecto a las obras que expone, creadas entre 2020 y 2022.

Hablar sobre el tiempo también parece una necesidad dentro de Apis Ferrugo. El peso de la memoria ha llevado a que Ada se conecte con otros momentos cruciales de su historia como la niñez.

Dicha época guarda un lugar incuestionable dentro de la exposición de Colocho: Un pequeño vestido quemado y bordado remite al caso del Hogar Seguro Virgen de la Asunción, mientras que otra pieza, intervenida con hilos que crecen en forma de raíces habla sobre la época en que el hijo mejor de Ada padeció cáncer a los 2 años.

Todo remite a la transformación explica la artista al hacer referencia a las posibilidades que recibe del hilo como metáfora de unidad.

A sus 54 años, luego de haber criado a sus hijos, y de haber cuidado a su familia, Ada se comprende como una nueva persona que, al no ser formada por la academia, puede tejer sus emociones y vincularlas con el mundo.

“El arte nació en mí el día que yo nací. Es solo que no lo había descubierto.  Ahora tengo otra visión, otros sueños y la libertad y el tiempo de crear mis obras de arte sin problema alguno. Estoy en una etapa de transición donde la Ada que decía ‘sí a todo’, ya no busca esconderse, sino que busca gritar a través de su obra”, puntualiza Colocho.

De formación autodidacta, la artista originaria de Jutiapa ha llegado a compartir sus creaciones en espacios artísticos locales como Juannio o Fundación Rozas Botrán.

Colocho, quien además trabaja como docente, busca con su práctica artística generar una poesía donde las personas espectadoras puedan habitar sus mundos de hilos y  en donde puedan encontrar ya sea una pregunta o un afecto para sí mismas.

La meticulosa e inmensa selección de colores que aviva los días dentro de la sala principal de la galería de La Nueva Fábrica moldea un lenguaje que Ascoli utiliza para hablar sobre su distancia con Guatemala viviendo desde Estados Unidos, así como del inseparable vínculo que mantenemos con el peligro y la muerte en este país.

Estas ideas generales dan forma a Cien tierras: exposición en la cual Hellen ha reunido instalaciones de madera con textiles, esculturas cinéticas de pared, tejidos acompañados de textos y códigos, así como vídeos, fotografías y piezas sonoras exhibidas en muebles diseñados a su medida y elaborados por su esposo Karl Williamson.

Dichos formatos cobran vida a partir de una serie de propuestas que se esparcen en el gran salón de La Nueva Fábrica, y que llegan incluso a abrazar el espacio.

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La instalación ‘Aquí dimos forma a dioses suaves’ ejemplifica el abrazo al tomar forma de un muro perforado que fue elaborado a partir de reconstrucciones de moldes de madera hechos para fundir ladrillos.

“Cuando uno piensa una exposición, piensa en distintos registros. Se juega con los materiales. Hay algo que la mano percibe y genera un contraste a tu obra. A la larga, la forma llega a ser parte del contenido”, explica Ascoli.

Bajo una de las secciones del techo puede verse cómo ondea una colcha intervenida con distintas “X” bordadas por la artista, en alusión a la forma que toma la urdimbre y el montaje del tejido.

Justo detrás del muro que separa ese cuadrante, una instalación con soportes de madera de cinco por cinco metros extiende varios telares con preguntas tejidas que refieren al estado emocional y , en sentido figurativo, al corazón.

Sentir y recordar podrían entenderse como los conceptos detonantes en esta exposición de piezas elaboradas por Hellen Ascoli entre 2016 y 2022; periodo el cual asegura, le ha llevado a momentos determinantes para su historia actual.

El asesinato de su hermano, ocurrido en 2016, o la experiencia tanto individual como universal de la pandemia en 2020 –la cual Hellen vivió lejos de Guatemala– toman un lugar importante en la exhibición.

“La muerte está atada a la vida, y nos lleva a pensar cómo la metabolizamos día a día. Hay temas que requieren tiempo. Las maneras en que usamos la tecnología y la comunicación predisponen cierto tipo de respuestas”, comparte la artista.

En Cien Tierras, la memoria de la violencia puede verse resignificada en formas como la de una colcha intervenida (aludiendo a delitos por actos violentos que han ocurrido sobre colchones o incluso, remitiendo a detonantes de casos como el Hogar Seguro Virgen de la Asunción en 2017), frases acompañadas sobre textiles o pequeños registros fotográficos que muestran partes de un cementerio.

En palabras de la estadounidense Amara Antilla –curadora de Cien tierras–, en esta exposición Ascoli demuestra un interés por “reflexionar sobre experiencias traumáticas, personales y colectivas, y sobre el potencial de cambio que encarnan los actos cotidianos”.

El dolor no se pretende acá como fetiche galerista. A partir de la transformación de este, se permiten nuevas maneras de diálogo. Antilla también resalta que muchas de las obras exhibidas “investigan la traducción, literal y metafórica como punto de entrada para desestabilizar los modos occidentales de entender y comunicarnos”.

Para la obra ‘Achike’ rub’anon ak’u’x (¿Cómo está tu corazón?) (¿How is your Heart?)’ la artista bordó estas preguntas y varias de sus derivas en español, inglés y kaqchikel, luego de reflexionar sobre el fondo de distintas pláticas que tuvo durante las cuarentenas de 2020 junto a la poeta comalapense, maya-kaqchikel, Negma Coy.  

Es así que cómo la transformación del lenguaje lleva a Ascoli a profundizar en la materia. De esa cuenta podría entenderse su enunciación alrededor del tejido: forma de creación que inició cerca de tres décadas atrás cuando aprendió de este arte a los 9 años mientras estudiaba en una escuela la capital guatemalteca.  

Su conocimiento en tejido, más allá de asomar una extracción identitaria o cultural de comunidades indígenas –comentado por la artista como un asunto que ha aparecido en ciertas entrevistas– funciona dentro de su obra como herramienta para explorar un lazo corporal con la imaginación.

“La urdimbre es del ancho de mis caderas, su longitud refleja mi estatura, sus diseños están espaciados por los hilos que puedo sostener en la mano…Transmite memoria a través del tacto, con un sentido de cercanía”, ha manifestado Ascoli para su exposición individual en La Nueva Fábrica.

Por otro lado, Cien tierras ve la dislocación territorial de la artista quien vive y trabaja entre Estados Unidos y Guatemala. El juego de palabras ‘En Cielo Entierro Des Tierro Sin Tierra Cien Tierras’, bordado sobre una manta con tonalidades azules, amarillas, rojas naranjas y blanco, alude al cuerpo desplazado, así como por la insistencia de entender y recordar los lugares que nos habitan, infiere Hellen.

La exhibición, además, pone en diálogo la obra de otros artistas con quien Ascoli ha generado diálogos a lo largo de la construcción de sus ‘cien tierras’. Mediante formatos como el bordado, la literatura, el sonido, la pintura y el diseño, incluye obras de artistas locales como Negma Coy, Luisa González-Reiche, Gabriel Rodríguez, Jorge de León; y los estadounidenses Karl Williamson y Sofia Jade Tanki.

“No existo sola en un cubo blanco. Trabajo con otras personas porque la creatividad no es un genio solitario, sino que surge de los encuentros. Pienso que es un espacio generoso para prestar y compartir conocimientos”, explica Hellen Ascoli.

Estas son dos de las actividades que se realizarán en el marco de la exposición:

• 23 de marzo – Taller ‘Tejiendo una huella’: Los participantes aprenderán a bordar a partir de una foto. Se debe llevar una foto, hilo, marco y tela. La entrada es gratis. Se debe reservar espacio en este enlace.
• 30 de marzo – Recorrido por la exposición: Visita organizada por equipo de La Nueva Fábrica. Se realizará a las 15:00 horas.
  

¿Pero qué ocurre cuando la información que nos despliega internet no es suficiente? ¿De qué depende la inmensa cantidad de referencias que podamos encontrar?

Para muchas personas, entre ellas, las integrantes de la colectiva guatemalteca de arte La Revuelta, así como las desarrolladoras de la Editatona dentro de Wikipedia Español, los vacíos en la información y el archivo web pueden deberse tanto a una brecha de género, como a una invisibilización de las mujeres, en este caso, dentro del arte.

Según una encuesta publicada en 2012 por la Fundación Wikipedia, en ese entonces, tan solo dos de cada 10 biografías de personajes dentro de Wikipedia en español eran sobre mujeres.

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“Aunque en los últimos años creemos que el contenido ha aumentado, pero no de manera significativa, esto es un fenómeno que afecta a las Wikipedias de todos los idiomas. Esto nos dice que seguimos viviendo en un espacio global donde de la mujer no tiene tanta visibilidad”, apunta Carmen Alcázar, politóloga, directora de Wikipedia México y wikipedista desde hace 12 años.

Estas conclusiones han provocado que, durante los últimos siete años, en México y otros 10 países de Iberoamérica se realicen las Editatonas: sesiones donde mujeres conectadas a internet y reunidas en espacios físicos o virtuales escriben y editan contenido “abierto, libre y colaborativo” sobre temas que implican la participación femenina.

Anteriormente, Guatemala se ha involucrado en proyectos maratónicos como este dentro de Wikipedia, tales como los intencionados para generar contenido sobre idiomas mayas. No obstante, la información sobre mujeres guatemaltecas en el sitio parece necesitar mayor empuje.

Aunque se trata de la enciclopedia web más grande del mundo y a la vez, el sitio más consultado en el globo (hasta finales de 2022, según el proveedor de dominios web Hostinger), Wikipedia resguarda menos de 200 biografías de mujeres nacidas en Guatemala. Según apuntan datos de la página, de esas mujeres 120 son artistas en diversas disciplinas.

Es por eso que, ante los aparentes vacíos, así como la falta de información sobre las artistas, la colectiva La Revuelta propone junto a Wikipedia en español la primera Editatona de mujeres artistas guatemaltecas en Wikipedia.

La Editatona de Guatemala se llevará a cabo el 18 de febrero en modalidad virtual, y previo a la fecha se realizarán dos sesiones de inducción por parte de las integrantes de Wikipedia Español el 09 y 16 de febrero.

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Durante las jornadas previas, se asesorará a las participantes sobre cómo escribir, editar, proponer y publicar información en Wikipedia. El día de la maratón, se propone la escritura de cinco entradas de páginas web para que se escriba la biografía, en un rango de 4 a 6 horas.

Según explica Carmen Alcázar, para generar contenidos vistosos en Wikipedia y la Editatona, se recomienda una investigación con al menos seis referencias de carácter “enciclopédico”, donde se demuestre la validación de los personajes en publicaciones dentro de medios de comunicación, libros, investigaciones, tesis, bases de universidades entre otros.

Para la primera Editatona guatemalteca se escribirá sobre artistas del país como Marilyn Boror, Rosa Elena Curruchich, Magda Eunice Sánchez, Gloria Hernández, Luisa González-Reiche, María Dolores Castellanos, Camila Juárez, Katheryn Patá, entre otras.

Según explica Jimena Galán Dary, investigadora y comunicadora de La Revuelta, la elección de las artistas responde a que son mujeres que están referenciadas en distintas publicaciones, o quienes han sido citadas por otras realizadoras artísticas dentro de registros documentales.  

Jimena comenta que, a pesar de existir información sobre varias artistas, el contenido dentro de la Editatona servirá para actualizar o ampliar biografías en la enciclopedia web.

Serán 45 mujeres de distintos campos de conocimiento quienes escribirán las participantes fueron elegidas luego de postularse a través de una convocatoria abierta en internet.

“Son mujeres que podrán aprender a editar o a conocer más sobre la tecnología de Wikipedia”, puntualiza Galán Dary quien además señala que la enciclopedia global, lejos de ser un espacio criticado por su supuesta falta de veracidad, puede pensarse como territorio de disputa para generar más conocimiento.

A propósito de lo mencionado, la integrante de La Revuelta menciona: “El mundo del arte también llega a internet y las violencias también suceden allí. Normalmente estamos acostumbradas a que la mayoría de publicaciones sean escritas por hombres y a que se cuestione si nuestro arte es válido o no. Es importante que los registros también sean escritos por mujeres y que sean de acceso gratuito”.

Sobre la gratuidad, así como el acceso a Wikipedia desde cualquier parte del mundo, Carmen Alcázar menciona que la enciclopedia pasa a entenderse como un espacio donde se deja ver la colectivización y la disposición de compartir conocimiento sin jerarquías.

“El poner en duda el contenido de Wikipedia es una cosa muy de América Latina porque creemos que nada es gratis. Sin embargo, hemos olvidado que como comunidades y países nos formamos a partir de la colectividad. En Wikipedia somos un montón de personas esperando recibir un tema que nos apasiona para escribir. Todas podemos ser expertas en algo”, comparte la directora de Wikipedia México.

Se trata de la primera vez que Europa acoge de manera sustanciosa la obra de Margarita Azurdia, creadora multidisciplinaria quien se relacionó a los movimientos artísticos moderno y contemporáneo en Guatemala entre 1960 y mediados de la década de 1990.

La exposición monográfica en el Reina Sofía presentará alrededor de 150 piezas de la artista. El museo señala que esta muestra invita a “recorrer la metamorfosis creativa” experimentada por Azurdia durante su carrera.

Margarita Rita Rica Dinamita ha sido un proyecto gestado durante los últimos dos años y comisionado por la curadora y crítica de arte guatemalteca Rosina Cazali, quien explica que, al tratarse de una exposición monográfica, se busca “estudiar a la artista y proyectar el interés hacia varios datos históricos en distintos momentos de su producción”.

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De esa cuenta, la propuesta expositiva de Cazali junto al Reina Sofía entabla un diálogo con una gran mayoría de series que Azurdia trabajó mientras vivió tanto en Guatemala, como en Francia.   

En tres décadas, Margarita expandió un universo de imágenes que terminó por provocar círculos artísticos de Guatemala como internacionales durante la segunda mitad del siglo XX.

Sus obras llegaron a ser vistas en Estados Unidos, Colombia y Brasil. En este último país, obtuvo una Mención honorífica durante la II Bienal de Sao Paolo en 1969.

Con una carrera cimentada en la producción de obras que versaban entre la poesía, el collage, la pintura, la escultura y hasta el perfomance, Azurdia redefinió y diversificó las nociones sobre la mujer creadora dentro de un agobiante panorama sociopolítico.

En paralelo al Conflicto Armado Interno del país, la artista se entendió como un ave raris que prefería dialogar desde un explosivo lenguaje de colores y formas, con el cual armaba utopías muy suyas, así como referentes al simbolismo de Guatemala.

Margarita también logró resignificar al país a través de propuestas como la de sus primeras pinturas basadas en los patrones de textiles indígenas de Guatemala. Por otro lado, destaca su serie de los setenta Homenaje a Guatemala donde a través de 50 montajes con figuras esculpidas en madera, la artista dialogó sobre los vínculos histórico-culturales entre el poder, la tradición y la violencia.

Medio siglo después de sus primeras incursiones creativas –muchas de las cuales solían presentarse en la extinta galería de arte DS, ubicada en ciudad de Guatemala– Azurdia se ha hecho de un importante lugar en el seno de la institucionalidad artística madrileña. Su voz, permitirá expandir nociones sobre lo que ha sido y podría ser el arte guatemalteco frente a los ojos de Europa.

Según cuenta Rosina Cazali, Margarita Rita Rica Dinamita es el resultado de una exploración que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha procurado desde hace algunos años, con el propósito de acercarse a narrativas artísticas del Sur Global.

“Desde el museo han estado interesados en conocer ecosistemas como el de Guatemala o El Salvador, a los cuales llamamos panoramas silenciosos porque a nivel histórico se han conocido muy poco y no hay tanta bibliografía que circule de ellos”, explica Cazali.

En ese sentido, la curadora apunta que la obra de Margarita Azurdia fue una revelación para el equipo investigador del Reina Sofía: “No solo les pareció excepcional, sino les llamó muchísimo la atención como dato histórico”, relata la curadora.

El montaje de las cerca de 150 piezas de Azurdia en España no hubiesen sido posibles sin el trabajo de la sociedad Milagro de Amor, la cual resguarda el acervo de obras de la artista. La asociación es representada por Nickolasa Fanjul y dos de sus primas, quienes además son nietas de Margarita Azurdia.

Fanjul, quien recuerda a su abuela como una mujer que siempre vestía de blanco y quien le ensañaba sobre la importancia de la sensibilidad, señala que aún queda mucho por explorar sobre la obra de Margarita.

“Es tiempo que el mundo conozca más sobre ella y sus diferentes facetas porque se puede aprender mucho de cada una”, apunta Nickolasa.

Más allá de las series de pintura, escultura y dibujos, la exposición Margarita Rita Rica Dinamita hará hincapié en las exploraciones del cuerpo y la palabra en la artista guatemalteca.

A través de una extenso archivo de vídeos, fotografías y documentos, se mostrarán los procesos de Margarita alrededor de la danza contemporánea y sus performances.

En la historia de la artista destacó la creación del grupo Laboratorio de Creatividad donde exploró el movimiento, los orígenes del ritual y las danzas sagradas para dialogar con relación a la naturaleza, el medioambiente y la sanación espiritual.

Por otro lado, la exposición en el Reina Sofía destacará un archivo sobre la poesía de Margarita. Los textos ocupan un lugar importante en la carrera de la artista, particularmente luego de su estancia en París (Francia), donde debido al reducido espacio que habitaba, optó por volcarse a la escritura.

A decir de Rosina Cazali, la presentación de estas derivas creativas son pertinentes en la actualidad ya que los diálogos de Margarita hacen eco en el presente.

“En estos últimos dos años se ha hablado mucho de nuestra relación con el planeta y que el aislamiento nos marcó para siempre. Resulta que son temas que incluso Margarita ya venía tocando desde su época y que nos revela en los textos”, explica Cazali.

Durante los próximos seis meses, los visitantes al Reina Sofía podrán encontrarse con extractos de libros de la artista como Margarita Rita Rica Dinamita, Iluminaciones o El encuentro de una soledad, así como sus demás propuestas materializadas en ensambles, pinturas, esculturas y registros de perfomance.

Esta edición fue dedicada a piezas elaboradas en grabado, técnica que se trabaja sobre superficies talladas y que implementa diversas formas de teñido.

En Guatemala son varios los artistas que se posicionan desde esa disciplina, y una de ellas es Gabriela Alfaro, quien se distingue por desarrollar piezas que remiten a la sutileza cotidiana que toma forma de vestidos, insectos, gestos y texturas.

En su obra también conviven técnicas como el collage, la encáustica o el bordado. Allí, en ese mundo confeccionado a mano, Gabriela da forma a símbolos con los que intenta explicar qué es la trascendencia individual y colectiva. En esta conversación, la artista nos aproxima más a ese gran tejido de nociones.

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¿Hacia dónde cree que puede llevar la experiencia del arte?

Creo que las personas necesitamos darle un espacio a las emociones que experimentamos a diario. En mi experiencia lo encontré a través del arte. Fue algo que me condujo desde niña hasta un momento en el que caí en cuenta en que era medicina para mí porque reconocía que me ayudaba a comprender muchas cosas.

Ahora entiendo que al compartirlo he podido ayudar a otras personas también. Antes sentía que al compartir mi proceso estaba abriendo una ventanita de mí a todo el mundo. Lo entendía como ponerme en un punto vulnerable y decir “esto es lo que soy”. Al final, eso era lo que quería hacer desde el arte: representar todo lo que estoy viviendo y lo que hay dentro de mí. Ha sido un recorrido de conocimiento personal.

¿Hay cosas que ha logrado sanar o reconocer sobre su historia desde el hecho de abrir esas ventanas?

Sí. Para mí ha sido lograr sanar muchas cosas que necesitaba, pero todavía queda mucho camino por recorrer. Es algo que me ha ayudado a reconocer la posibilidad que tengo por crear, y cada vez que estoy haciendo un movimiento repetitivo, cuando estoy bordando, o tallando, esas formas de creación se transforman en mantras.

El hecho de crear me permite entender que hay un mundo de ideas y de emociones que siempre podemos procesar. Allí es cuando se vuelve un proceso sanador.

¿Cuál cree que sería la importancia de que los artistas tengan la disposición de hablar y reconocer sus grietas emocionales?

Pienso que, en mi caso, el mensaje que quiero compartir siempre irá cargado de una responsabilidad emocional, ya que, al final, lo que estoy tratando de hacer es vivir mi experiencia y seguir mi pasión.

Creo que reconocer eso junto con mis grietas emocionales es también una forma genuina de transmitir lo más honesto que siento. Pienso que las personas que vean mis obras podrían tomar esa experiencia como una semillita que les conduzca a hacer lo mismo. Al final, la vida, como el arte, consiste en que tratemos de hablar desde lo más honesto.

En su propuesta destacan obras desde una sutileza cotidiana que son representadas en figuras casi “desapercibidas”, como lo son los gestos de manos, prendas de vestir o incluso insectos. ¿A qué se refieren?

A través de un trabajo introspectivo, a lo largo de los años me he ido sorprendiendo también de los significados que siempre estuvieron allí. El vestido, que es bastante común en mis obras, es una metáfora de mí misma en esta vida, es un autorretrato.

Hablo de lo que conozco, y, por ende, hablo de mis emociones y vivencias, no desde un lugar egocéntrico, sino de mi ser como persona, que también puede referenciar a otras personas, quienes muchas veces son los espectadores que pueden sentir una relación con mi universo.

¿Cuáles son algunas de las referencias artísticas que le han permitido llegar a estas conclusiones?

He admirado mucho la historia de Luis Ulloa, el arte de Kiki Smith y, en Guatemala, desde siempre he mantenido el ojo sobre las mujeres artistas.

Me gustan las obras y las historias que precisamente hablan de historias de vida. En ese caso, Isabel Allende ha sido una gran referencia literaria cuando nos presenta relatos que no parecieran ser extraordinarios y que se narran desde lo común de cada día. Es algo que me ha permitido entender que cada historia cotidiana es una puntada dentro de un gran tejido que resulta ser la vida, y así, la historia de cada persona.

Creo que la gente no suele pensar realmente sobre su historia o sobre las historias que existen. Es algo muy fascinante que no resulta ser independiente de todo. Al final, tenemos lo que han vivido nuestros papás, abuelos, bisabuelos, y más personas hacia atrás.

A partir de esto me ha interesado conocer más sobre la psicogenealogía, una rama que también permite a las personas entender sobre la personalidad, el carácter y cómo muchas veces estos cuadros psicológicos repetidos son heredados por nuestros antepasados.

Creo que mientras más conocimiento tenemos de eso, de nuestras raíces y de nuestras historias, más podemos comprender el momento en que estamos viviendo ahora.

Hablando del rastreo hacia el pasado, resulta pertinente hablar del uso de archivos antiguos como la fotografía o mapas. ¿Qué valor ha encontrado en estos elementos?

Los mapas que he usado en algunas obras son de lugares en Guatemala. Por otro lado, las fotografías remiten a personas que también han vivido en el país. Esa es mi fascinación: reconocer que las personas pudieron haber tenido distintas historias y que han dejado una huella en el mundo.

Creo que la gente no suele pensar realmente sobre su historia o sobre las historias que existen. Es algo muy fascinante que no resulta ser independiente de todo. -Gabriela Alfaro, artista multidisciplinaria

El camino de entenderse implica un reconocimiento con otras personas. ¿Cómo ha atravesado la historia familiar en su creación artística, tomando en cuenta que varias de sus piezas parecieran encontrarse en sitios muy privados y hogareños?

Muchas veces, y en espacios como el que nací, hay planes o expectativas sobre la vida que van a tener las personas, y en mi caso, como mujer, me di cuenta de varias ideas que debía cumplir. Pero, como mencionaba, hay cosas que surgen hasta llevarnos a desvíos de lo que se suponía que tenía que ser.

Puedo decir que al final estoy en un punto de vida al cual llegué sin que fuera el plan de nadie, ni siquiera el mío, pero es algo totalmente bueno. Al final, mis obras hablan sobre la riqueza de aceptarnos y de aceptar lo que debemos atravesar.

También las obras surgen desde memorias de mi niñez. Recuerdo que entre las más lindas era cuando nos reuníamos todas las mujeres de la familia, una vez a la semana, en la casa de mi abuelita.

Compartíamos, nos reuníamos en una mesa a tomar café, comer algunas cosas, pero siempre todas estábamos haciendo alguna manualidad. Había quienes pintaban, otras bordaban; cada una elegía que hacer. Lo veía como un espacio de terapia, donde aprendí a escuchar las historias que contaban las mayores.

Recuerdo que allí fue donde empecé a conocer y entender más sobre la vida de mi abuelita o mis tías. En sus relatos hablaban sobre parejas que tuvieron, el amor, el final de algunas relaciones, cómo tenían que sufrir algunas situaciones y también cómo después lograban levantarse. Yo escuchaba atenta y caía en cuenta de ver toda la fuerza de esas historias.

Ahora entiendo que aquellos habían sido los caminos de ellas y que yo también tenía que transitar otros. Fueron experiencias que me moldearon un montón.

Respecto de las técnicas que ha utilizado para sus obras, destacan las mezclas de materiales. Ejemplo de ello son los collages. ¿Qué le motiva a elegir estos soportes?

Desde siempre me gustó la mezcla y la experimentación, ver cómo responde un material si lo mezclo con otro y así, sucesivamente. Empecé por una fascinación con la técnica de encáustica, y creo que el proceso me encantó tanto por la dinámica artesanal que implica y porque también me resulta una experiencia totalmente multisensorial: conocer el olor de la materia, palpar las distintas temperaturas, crear un propio pigmento.

Esa parte me ha permitido estar más involucrada con el proceso y la obra. Con el grabado siento que ha sido como la vida, no hay un plan definitivo sobre cómo serán las cosas, pero sí que hay distintas ideas o pequeños planes de cómo podría resolver la pieza.

En el camino se van aprendiendo muchas cosas, y así como en la creación de una obra, siempre pueden existir desvíos o contratiempos que nos ayudan a resolver y fluir ante los resultados que se nos presenten. El resto es dejarse sorprender.

Llegó a esta conclusión en 1996 cuando a sus 22 años, siendo redactora y una joven entusiasta de la poesía, leyó sobre las atrocidades cometidas durante el conflicto armado interno, especialmente aquellas que sufrieron las mujeres indígenas. Aquel fue un punto de no retorno desde la conmoción y la rabia que la llevaron a expresarse desde 1997.

A sus 48 años, Regina ha denunciado la violencia social mediante obras en la calle donde su cuerpo ha funcionado como vehículo para reinterpretar experiencias traumáticas individuales y colectivas, y con las que ha buscado impactar a una audiencia lejos de los mismos circuitos del arte.

En 1999, a plena luz del día, se colgó del arco en el edificio de Correos para declamar varios de sus poemas teñidos de consignas atravesadas por experiencias personales siendo mujer en este país.

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Cuatro años después, caminó descalza desde la Corte de Constitucionalidad hasta el Palacio Nacional de Guatemala, y previo a cada paso sumergía sus pies en sangre humana para dejar un fantasmagórico rastro de huellas en conmemoración a las víctimas por el conflicto armado interno.

“El espacio público siempre ha sido mi preferido. Me parece enriquecedor el asombro que se puede generar en las personas desde asuntos referentes al país”, comparte Regina previo a lo que será su primera revisión artística en Latinoamérica, y que tomará lugar en el espacio cultural La Nueva Fábrica desde el 26 de junio al 27 de noviembre.

La propuesta, que lleva por nombre GRITO, pretende acercar a las audiencias con más de 40 obras adscritas a los últimos 25 años de producción de Galindo y que la recontextualizan como una de las artistas de la “generación de posguerra” en el país.

GRITO es curada por la investigadora e historiadora Maya Juracán, quien asegura que la muestra pretende ahondar en la trayectoria de Regina en paralelo a varios acontecimientos políticos y sociales de Guatemala. “Pretendemos que la muestra pueda ayudarnos entender el pasado para así generar un juicio crítico sobre la historia”, dice la curadora.

“La sensación que puede dar esta muestra es la de vernos en un espejo para entender que el camino en el país no ha tenido grandes avances. Es desalentador como 25 años después seguimos entrampados frente a un Estado cooptado”, añade Galindo.

Sobre las temáticas

De acuerdo con Maya Juracán, la revisión y exposición GRITO se divide en tres ejes –‘Resiliencia’, ‘Contra el Olvido’ y ‘Resistencia’- cuyos nombres se asocian a temáticas que Regina suele abordar en sus obras, y las cuales serán presentadas en formato de vídeo, escultura y registros documentales.

El apartado ‘Resiliencia’ agrupa piezas donde la artista explora “prácticas concebidas desde el cuerpo y los derechos de las mujeres, a partir de la denuncia de hechos colectivos”.

Una de las piezas bajo esta temática consiste en la instalación de una valla con la expresión “No violarás” en el kilómetro 36.5 de la Ruta Nacional, y la cual se basa en hechos como las violaciones grupales.

‘Contra el Olvido’ reúne piezas con gran peso de memoria histórica y el hecho de “habitar espacios públicos” para reivindicar la justicia social. Por último, ‘Resistencia’ aborda el “performance como acto de enunciación desde el cuerpo de problemáticas sociales”, comparte Maya Juracán.

De esa última temática, pueden mencionarse acciones como Ríos de gente, donde Galindo realizó una pieza con vecinos de Quiché, Alta Verapaz, Izabal y Retalhuleu, quienes con mantas celestes daban forma a ríos que han sido desviados o intervenidos por proyectos industriales en el país. 

Regina menciona que su accionar con otras personas la ha llevado a confirmar que todas las luchas en colectivo son más fuertes. “Me dan una sensación de fuerza y siento que mi voz se expande”, asegura.

Más allá de la exposición

GRITO se compone de distintas actividades que ponen en diálogo la obra de Regina con las audiencias locales, internacionales y de la Antigua Guatemala, lugar donde radica la artista, y donde se encuentra el espacio de exposición La Nueva Fábrica, uno que, de acuerdo con su directora, Jamie Denburg Habie, se convierte en una plataforma para “catalizar puntos de encuentro entre artistas de diversas generaciones a través de discursos multidisciplinarios”.

Además de la revisión artística, también se podrá acceder a un programa pedagógico destinado a personas de todas las edades y contempla conversatorios, talleres de defensa para mujeres y acciones paralelas como la exposición para artistas emergentes en la sección íNTIMO de la galería.

De esta cuenta, Jamie Denburg Habie comenta que la exposición de jóvenes busca “tejer conexiones y fortalecer alianzas, tanto al nivel de discurso como de convivencia” desde premisas que buscan nutrir nuevas relaciones en el tejido social.

Estas son las actividades del programa pedagógico que podrán disfrutarse del 26 de junio al 26 de noviembre del 2022:

• 30 de junio: En el marco del Día del Ejército, Regina José Galindo y Rodrigo Véliz Estrada discutirán sobre las obras expuestas que abordan una crítica alrededor del ejército.

• 6 de julio – 2 de noviembre: Los primeros miércoles de cada mes se impartirá un taller de autodefensa destinado a mujeres y niñas. Habrá una introducción sobre la importancia de aprender defensa personal, impartido por la antropóloga Libertad Sagüí Rian.

• 26 de julio: Se llevará a cabo un concierto de marimba por el día de Santa Ana en a la plaza frente a La Nueva Fábrica y Galindo realizará una intervención.

• 6 de agosto: En conmemoración del Día de la bandera, la artista caminará con su obra Bandera Negra (2018) por las calles de Antigua Guatemala. Se presentará la documentación el 17 de agosto en La Nueva Fábrica.

• 3 de septiembre: Regina José Galindo y Leonel Najarro presentarán una alternativa ilustrativa para intervenir monumentos.

• 8 de octubre: Regina José Galindo junto a la artista y poeta Rosa Chavez dialogarán sobre la poesía y el performance. Las personas que asistan podrán leer sus escritos y poemas.

• 20 de octubre: Maya Juracán y el colectivo H.I.J.O.S. abordarán las obras expuestas en espacios públicos y que se involucran con la desaparición forzada.

• 5 de noviembre: Regina José Galindo junto al colectivo La Revuelta harán una visita guiada para artistas jóvenes y emergentes.

• 26 de noviembre: Durante el cierre de la muestra se presentará un catálogo de la propuesta.

Durante tres meses, la realizadora permitirá que los visitantes se aproximen a un micro universo personal en el que ha vertido preguntas e impresiones sobre lo que para ella significa transitar la vida.

Partiendo de un estilo abstracto, Chavarría abre las puertas a su imaginario conformado por lienzos donde conviven personajes sin rostro, camas, sillas y tinas vacías, así como rayos de luz que se cuelan por geografías etéreas inspiradas por la naturaleza.

Para la artista guatemalteca de 50 años, la abstracción es imprescindible al comunicarse con los demás. Sus trazos difuminados entre capas de tonalidades y formas que parecieran ser el escenario de un sueño buscan dar respuesta a la ambigüedad de la existencia.

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“Mis obras funcionan como un intento de comunicar emociones o preguntas sobre la vida que son bastante puras”, apunta la artista.

Su más reciente exposición, Esplendor, es un ejercicio que mezcla lo anterior con el silencio y la soledad como si hubiese un intento por magnificar la contemplación ya sea frente a sus pinturas, sus dibujos o sus cerámicas.

“Con esta muestra traté de unificar muchos de los temas que he buscado en mi trabajo: el brillo, la esperanza y ver la vida como un esplendor en el que aparece la vulnerabilidad”, dice la artista cuya exposición presenta cuadros con dimensiones que van desde las 14×11 pulgadas hasta otras de 72 x 60; una pequeña serie de dibujos, y algunas piezas de barro.

Más allá de sus apreciaciones abstractas, Chavarría infiere que para ella es vital hacer tangible todo lo que siente.  Durante su ejercicio artístico ha experimentado con materias que van desde el óleo y el acrílico, hasta la arena, las tintas, la cera, fibras y papel.

Esta multidireccionalidad podría entenderse como un rechazo de la guatemalteca al arte estático.

“Es normal llegar a sentirse cómoda en algún momento con las formas tradicionales de hacer arte, pero es importante no quedarse estacionada. En mi caso, trabajar distintos formatos y superficies me ha dado la oportunidad de encontrar algo nuevo”, expresa Chavarría.

¿Y qué ha logrado encontrar en este camino desde la creación? se le pregunta. “Las piezas siempre me enseñan algo: puede ser la profundización de una idea, el análisis de un sentimiento o el cuestionarme una situación. El arte para mí es una terapia para comunicar preguntas”, asegura la realizadora.

Entre Guatemala y EE. UU

En su proceso artístico, Klara Chavarría suele partir de ideas o conversaciones marcadas por temas referentes a la filosofía o la antropología –áreas que le han perseguido desde siempre, asegura–.

Allí, dentro de las preguntas y respuestas de lo que significa existir, Chavarría se permite habitar la incertidumbre y crear. “Mi obra es un diario humano que surge de pensamientos que fluyen hasta convertirse en algo”.

La idea de su exposición Esplendor nació de esa premisa, y por primera vez, Klara reunirá muchas de las conclusiones filosóficas que ha materializado en los últimos años.

Gran parte de las obras que serán expuestas en el Museo Casa Santo Domingo fueron creadas a partir de 2013 y otras las realizó específicamente para la activación que se podrá visitarse el 14 de mayo al 14 de agosto en La Antigua.

Klara asegura que este es un momento importante, ya que se trata de su primera muestra individual en Guatemala, luego de casi 28 años de vivir en Estados Unidos y 15 de ser residente en la ciudad de Miami.

Aunque en este regreso “a casa” la emoción la desborda, este será tan solo otro de los escalones que la artista plástica en su carrera. Durante las últimas dos décadas ha logrado posicionar sus obras en espacios como la subasta guatemalteca de arte Juannio -por 5 años- o la Junkabal -durante ocho años-.

Estados Unidos le ha visto crecer significativamente. Luego de haber egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas, con énfasis en pintura y diseño gráfico en la Kansas State University, Chavarría ha expuesto tanto de forma individual como colectiva en distintos estados del país.

Prueba de su recorrido pudo verse en 2009 cuando se convirtió en la única artista –mujer y extranjera– que fue seleccionada por la administración de Miami Beach para realizar una obra en el espacio público de la ciudad.

Además, sus piezas han podido verse en el Museo de Ciencias e Industria y en el Aeropuerto Internacional O’Hare, ambos en Chicago, Illinois.

Sus obras, impregnadas por el silencio, las dudas, pero también por la iluminación y la urgencia existencial también son parte de colecciones privadas en Guatemala, Estados Unidos, España, Francia, Mónaco, México, Puerto Rico, Venezuela y Argentina.

Más detalles sobre ‘Esplendor’

• Podrá visitarse del 14 de mayo al 14 de agosto
• Sala del artista en Museo Casa Santo Domingo (3a Calle Oriente 28 A, La Antigua Guatemala)
• Horario: Todos los días de 09:00 a 17:00 horas
• Admisión: Gratuita

Se trata de un evento importante por varias razones. La primera tiene que ver con que la obra representa uno de los pasajes literarios y cosmogónicos más definitivos de la civilización maya, mostrando Xibalbá -el lugar al que las personas llegan después de morir- desde un nueva mirada multicolor.

Otro hecho que envuelve esta noticia tiene que ver con que la pieza es la primera obra de una mujer muralista expuesta en el Palacio de Bellas Artes.

Xibalbá, el inframundo de los mayas tiene una dimensión de 5.25 metros de largo por 2.70 de ancho y empezó a ser elaborado cerca del 2009 con los primeros trazos y fue concluido en 2019, según apuntó la arquitecta Rina García Lazo, hija de la artista guatemalteca vinculada casi toda su vida a México.

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“El sueño de mi mamá siempre fue que el mural pudiera ser visto en el Palacio de Bellas Artes, incluso antes que fuera a otro lugar. Deseaba que muchas personas pudieran verlo en el máximo recinto del arte mexicano“, comparte García Lazo, cuya familia ha custodiado las obras de la guatemalteca desde que falleció en 2019.

Según cuenta la arquitecta, el mural recién mostrado en la ciudad de México fue concluido en la casa de habitación de Rina Lazo y en 2020, un año después de su fallecimiento, fue trasladado hasta las instalaciones del Palacio de Bellas Artes. No obstante, dados los cierres por la pandemia, este no pudo mostrarse hasta dos años después, en 2022.

La gran obra podrá verse hasta el 24 de julio del 2022 y quienes se aproximen a ella podrán observar varias escenas que aluden a la narrativa de Xibalbá, la cual implica temáticas como la vida, la naturaleza, y por supuesto, la muerte.

Otro detalle que destaca en el mural es la presencia de la misma Rina Lazo quien decidió pintarse en el extremo izquierdo del lienzo. Así como otras criaturas, también aparece entrando a Xibalbá y puede notarse que su pierna no tiene carne, sino es únicamente hueso.

Según comenta Rina García Lazo, su progenitora le habría confesado que esa parte decidió pintarla de último y además tomó la decisión con el fin de “inmortalizarse”. La sucesora de la muralista no duda en apuntar que esta es la “obra cumbre en la vida de Rina Lazo”.

Según apunta la hija de la artista que vivió casi toda su vida en México y quien prefería nombrarse “mesoamericana” y no tanto guatemalteca o mexicana, el mural recién estrenado en el Palacio de Bellas Artes fue hecho con la técnica del temple, en la que se mezcla una base de huevo con pigmentos naturales. Esta forma ha sido trabajada desde el Renacimiento.

Durante la inaguración de Xibalbá, el inframundo de los mayas, estuvieron presentes familiares de Rina Lazo y miembros del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, Amigos del Museo del Palacio de Bellas Artes, la Fundación Jenkins y la Secretaría de Cultura del Gobierno de México.

En el mismo mes que se conmemora el Día Internacional de la Mujer, esta apuesta artística busca presentar el trabajo de artistas  centroamericanas a partir de una serie de diálogos alrededor de sus experiencias, resiliencias y perspectivas contextualizadas en la región.

Las 24 realizadoras mostrarán sus propuestas desde técnicas como fotografía, audio, escultura, bordado, performance y collage.

Rewriting Us / Recontarnos surge como una conversación que aborda la relación de las mujeres “con los otros, las maternidades, las luchas diarias, el acoso, sus transiciones y el reconocimiento de sus decisiones y libertades“, señala Jimena Galán Dary, integrante de La Revuelta y co-curadora de la muestra.

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Esta activación nace de una urgencia por crear espacios para mujeres artistas desde la ternura, el cuidado y la complicidad. “Pero también se trata de una declaración política convertida en manifiesto para presentarnos: nosotras desde nosotras”, añade Galán Dary.

Renata Álvarez, también integrante de La Revuelta destaca que a pesar de venir de distintos países y comunicarse desde diferentes disciplinas, “cada una de las artistas aborda cuestionamientos que desafían el lenguaje y la narrativa por las que las mujeres centroamericanas han sido contadas, pensadas y percibidas”.

Álvarez subraya que las artistas en la muestra “construyen ficciones de memorias personales y colectivas” en respuesta a los territorios de Guatemala, El Salvador, Nicaragua, Costa Rica y Panamá.

Rewriting Us es un ejercicio que apunta al reconocimiento individual y colectivo.

En el transcurso de la exposición podrán verse obras en conjunto de dos duplas guatemaltecas: Lisa De León y Katheryn Patá, así como de Djassmínn Morales y Elda Figueroa.

En cuanto a las agrupaciones, dos colectivos costarricenses -Colectivo Hapa y Las Hartas- mostrarán piezas hechas por las distintas miembros. El resto de artistas presentarán una obra individual.

A lo largo del próximo mes también se realizarán actividades digitales en el marco de la exposición “en respuesta a las necesidades de espacios y distancias”, apunta Álvarez.

• El sábado 26 de marzo a las 15 horas se realizará un tour virtual por la muestra en el que las curadoras hablarán acerca de las piezas y el trabajo realizado previo a la exposición.

• Otra de las acciones a distancia será la transmisión del performance We Can’t Breathe por la artista guatemalteca María Adela Diaz. Se realizará el 23 de abril a las 15:00 horas vía Zoom.

• Por último, las integrantes del colectivo costarricense Las Hartas desarrollarán un taller en el que se busca “entender el cuerpo como elemento histórico y de organización de la rabia de manera creativa”. Se realizará a las 12 horas vía Zoom.

Para inscribirse en ambas actividades las personas pueden ingresar a este enlace.

Contexto centroamericano en Nueva York

Renata Álvarez comenta que Rewriting Us / Recontarnos, surgió de una convocatoria abierta hecha por el colectivo La Revuelta en 2020, cuando la agrupación llevaba un mes de existir.

En el 2021, el espacio Apexart hizo un llamado para que artistas, curadores y profesionales postularan una idea curatorial allí. La Revuelta logró llamar la atención de los evaluadores y ganó el primer lugar de entre 450 propuestas.

Renata Álvarez agrega que la idea también consistió en presentar realidades para generar preguntas y una genuina sed de conocer qué sucede (…) con esos temas que se discuten en los espacios privados y a susurros”.

“Esta es una exposición de mujeres centroamericanas curada y concebida por mujeres centroamericanas, planteada en una pandemia que significó el aumento de casos de violencia contra la mujer. También sucede alrededor de diferentes persecuciones a sujetas políticas por parte de los gobiernos y mandatarios de la región”, manifiesta Jimena Galán Dary.

Esta es la primera exposición realizada por el colectivo La Revuelta fuera de Guatemala y Centroamérica.

A la vez, se trata de un ejercicio que se hace por primera vez en un espacio físico, ya que durante el 2021 realizaron varias acciones en el espacio público de Guatemala a partir de la propuesta llamada Las Calles son nuestras, y donde acompañaron el proceso artístico de varias artistas del país.

La Revuelta está conformada por las guatemaltecas Christa Krings, Jimena Galán Dary, Maya Juracán, Renata Alvarez y Vekis Morales, quienes desde distintas áreas de trabajo y enfoques han propuesto una plataforma “de y para mujeres que busca nombrarse y reconocerse dentro de la escena cultural, política y social”.

Maugdo Vásquez el artista que hace hablar a los muros

Familiares y amigos del locutor confirmaron este domingo su fallecimiento, ocurrido el sábado 24 de julio a las 18.30 horas. Su hija, la también actriz y locutora, Dharma Morales escribió: “Mi corazón está destrozado y no tengo palabras para tanto dolor.

Su hermano, el actor y comediante, Josué Morales, también empleó las redes sociales para dar a conocer su fallecimiento.

“Con mucha tristeza y profundo dolor, me toca hoy despedir a mi hermano Luis Morales Orellana.  Luego de una larga enfermedad, finalmente dejó este cuerpo y ahora está en el descanso. Mi hermano, mi mentor, y como mi padre.  Que Dios te reciba en sus brazos hermano querido”, escribió.

Mientras que el artista italiano con residencia en Guatemala, Maurizio Colombo, lo recordó como un hombre con nobleza, humildad y talento, dueño de una voz “cálida, educada, garbada y de miles de colores, tonos e inflexiones que daban credibilidad y sustancia a las emociones”.

Una voz que acompañó a los guatemaltecos

Morales prestó su voz a anuncios institucionales de radioemisoras como 5-60, a la cual identificó por 20 años con el eslogan: “Hablando nuestro idioma, pensando en español, esta es radio 5-60, la primera del cuadrante y la primera en su corazón”.

También hizo lo propio con la radio La voz del hogar, para la cual dio vida el lema “Aquí es su voz del Hogar, la del sonido latinoamericano”.

Ciros y FM Joya son otras estaciones en las que imprimió su talento. También grabó documentales para el extranjero y locutó para varias marcas reconocidas.

Morales heredó de Víctor Molina la tarea de dar vida al  Rey de Rayovac que decía: “¿Cuál es la pila? Rayovac”.

“Este siempre lo grabábamos de noche porque tenía mejor calidad y podía tener a 16 actores en el estudio haciendo vocecitas”, recordó Morales durante una entrevista con Prensa Libre, efectuada en 2014.

En la década de 1990 ganó un premio Jade como Mejor locutor, y en 1976, un Kin de Oro, por haber sido la voz de Pollo Campero, empresa para la que locutó la popular frase: “Pollo Campero, tan guatemalteco como tú”.

Hasta el momento no se han detallado la causa específica del fallecimiento de Morales, pero se sabe que fue por quebrantos de salud, según lo han compartido familiares y amigos.

Faceta de educador

Durante su carrera impartió varias pláticas y talleres en la Universidad de San Carlos, Rafael Landívar Francisco Marroquín, escuelas, colegios y a pastores religiosos.

“Creo que mi mayor logro ha sido, y será, ver y escuchar a alumnos que he tenido, que están haciéndolo bien al aire”, manifestó el locutor en una entrevista con TV USAC de 2018.

Sus restos serán velados en Capillas Señoriales a partir de las 10 horas de este domingo y el lunes el cortejo fúnebre saldrá rumbo al Cementerio Las Flores, a la misma hora.

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Durante la estancia, Rina aprovechó a ubicar un cuadro que había pintado en 1963. Su plan era donarlo al Museo Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida”.

No obstante, los días pasaron y sin concretar el anhelo, la pintora regresó a México junto con su hija, la arquitecta Rina García Lazo. Insospechadamente, aquel sería el último viaje que la reconocida muralista haría a Guatemala, previo a su fallecimiento el 1 de noviembre de 2019.

Dos años después del deceso, Rina García Lazo volvió a Guatemala, motivada por el cuadro del que había hablado su mamá durante la última visita al país. “Vengo a cumplir su deseo de formalizar la donación”, explicó la arquitecta y también presidenta de la Sociedad Defensora del Tesoro Artístico de México.

Desde esta semana, en el museo “Carlos Mérida”, puede apreciarse la pintura titulada Bodegón de Lina Razo que, dentro de sus 50 x 60 centímetros, muestra una enternecedora escena al óleo donde se aprecian cinco güicoyes sobre una caja postrada en un piso de mosaico.

Más allá de tratarse de un gesto en cumplimiento al deseo de Rina Lazo, la llegada de esta obra reafirma el gran significado de la artista tanto para el país, como para la región mesoamericana.

Rina en la Historia

Lazo nació el 30 de octubre de 1923 en ciudad de Guatemala. Llegada su adolescencia estudió en la Academia de Bellas Artes. Posteriormente ganó un concurso de pintura que le posibilitó una beca para continuar sus estudios artísticos en México.

Ingresó a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado del país vecino donde cosechó reconocimientos aún siendo estudiante. De esa cuenta fue invitada para trabajar con el artista Diego Rivera, con quien aprendió de la grandeza del muralismo.

Luego de convertirse en una asistente fundamental para Rivera, la guatemalteca conoció al también artista Arturo García Bustos con quien se casó.

Rina se convirtió en muralista independiente y realizó obras tanto en México como en Guatemala donde abordó el imaginario maya y temáticas de justicia social. Entre sus obras más importantes destacan Los cuatro elementos, Tierra fértil, Venerable abuelo maíz o El inframundo de los mayas.

Los trazos de Rina llegaron a verse en espacios como el Museo de la Universidad de San Carlos, el Mexic-Arte (Texas) y el Museo Nacional de Antropología de Ciudad de México.

Su reminiscencia

Rudy Cotton, director del Museo Nacional de Arte Moderno, comenta que la llegada del nuevo cuadro de Lazo a la institución recuerda la importancia del periodo de muralismo durante el cual la pintora se desempeñó.

Cotton mencionó que la figura de Rina también destaca en el imaginario por su vínculo tanto con Diego Rivera como con su esposo en vida, el maestro grabador Arturo García Bustos. No obstante, la figura de Lazo va más allá de los hombres con quienes coexistió artísticamente, señala la única hija de la muralista.

“Creo que es momento de ver a Rina como ella misma; su obra refleja un estilo propio que no necesariamente es una copia de Rivera. Es tan valiosa como muchos otros artistas y creo que debe reconocérsele a nivel mundial”, expresó García Lazo, quien desde la partida de su madre y su padre se encarga de proteger y conservar la obra de ambos.

La hija de los artistas coordina desde hace algunos años el mejoramiento de lo que fue el hogar y taller artístico de sus progenitores: la emblemática Casa de la Malinche (una edificación del siglo XVI) que Rina y Augusto compraron luego de la década de 1960.

Un hogar en el museo

De acuerdo con el director del Museo Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida”, las piezas de la colección permanente en el lugar son donadas, ya que la institución no cuenta con presupuesto para comprar obras. En su lugar, han recibido las donaciones por parte de artistas y/o familiares de estos.

Cabe resaltar que, de las 500 obras resguardadas en el museo, 300 son de la autoría de Carlos Mérida y tan solo 15, de mujeres; entre las artistas del catálogo figuran Margarita Azurdia, María Dolores Castellanos, Isabel Ruiz, Carmen Lind Pettersen, Wilfreda López y Rina Lazo, que además ya contaba con otra pieza en el museo: Ventana con Luna.

Rudy Cotton apunta que la donación de obras es la única forma de revitalizar el catálogo del museo dirigido. Aportes como el de la familia García Lazo son una “ventana para que más coleccionistas se sumen a actitudes como esa”, comentó el también artista.

Aunque sigue siendo un reto, el director comenta que las piezas donadas al museo tienen una gran repercusión ya que se vuelven “colección patrimonial de Guatemala y de los millones de habitantes del país”. La nueva obra de Rina Lazo ayuda a cumplir ese cometido también.

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Su importancia además es por una lucha “plurisecular por participar en la sociedad en pie de igualdad con el hombre”, dice la ONU. En Guatemala, las mujeres también se han destacado por su rol transformador en diversidad de áreas, incluyendo la práctica artística.

A propósito de esta fecha, destacamos el perfil de ocho mujeres guatemaltecas que han propiciado nuevos caminos para las artes con sus propuestas.

Cada artista cuenta con méritos que suponen hazañas dentro de sus trincheras personales, pero también para las distintas disciplinas a las que se dedican y que dejan huella en el país.

Mirada a las historias propias

Pamela Guinea ha estado detrás de películas exitosas y laureadas como Nuestras madres (premio Cámara de oro en el Festival de cine Cannes de 2019) o La jaula de oro (premio Ariel a la Mejor Opera Prima, 2014). Su participación ha sido como productora en esas y otras siete producciones durante los últimos 10 años.

El primer acercamiento artístico que tuvo fue con la literatura, ya que su familia ha desarrollado una editorial. No obstante, Guinea asegura haber encontrado su voz en la producción de cine, con lo que ha apoyado a distintos realizadores a contar sus historias.

Considera que uno de los retos más frecuentes en el séptimo arte es la escasez de relatos contados por mujeres. A propósito de esa inquietud, Pamela ha trabajado junto a organizaciones culturales por llevar a cabo espacios como la denominada Muestra de cine hecho por mujeres, en el que se presentan películas y cortometrajes elaborados por creadoras de todo el mundo.

Actualmente Pamela escribe el guion de una película, y a la vez trabaja en la postproducción de dos largometrajes.

“Cada obra es un reto y un desafío. El cine me ha dejado rigor y mucho trabajo colectivo”, manifiesta la productora, quien además se expresa comprometida con las mujeres creadoras y las invita a contar sus propias historias.

Música que da fortaleza y voz a otros

Ser una mujer cantante maya kaqchikel en Guatemala es una declaración política y un acto de resistencia. Estas características describen a Sara Curruchich, quien desde hace seis años utiliza la música como instrumento de introspección y de expresión de los pueblos indígenas.

“Decidí hacer mi propia música como respuesta a la introspección de mi ser como mujer indígena porque, aunque vivimos en un país multicultural y multilingüe, falta mucho trabajo por parte del Estado para la protección de los derechos de los pueblos originarios, de sus territorios, comunidades y ríos”, comenta.

Curruchich tiene claro que la música es la mejor forma de fortalecer su espíritu y así cantar el mensaje de que los pueblos indígenas no solo son parte de la cultura milenaria, sino que son grupos que defienden la vida. Además, es una forma de luchar contra el racismo y la desigualdad, por ello uno de sus anhelos es que sus canciones también sean fuerza y acompañamiento en la lucha de los demás.

“La música es mi fuente de fuerza y valentía, con ella sueño a que las mujeres podamos tener una vida digna, a que podamos caminar libres, seguras y sin miedo. Deseo crear una red más grande de mujeres cantautoras indígenas en Guatemala y a nivel internacional, porque así se genera una visión cosmogónica, histórica, de memoria y de defensa de las tierras”, puntualiza.

Pasión por la imagen documental

Andrea Aragón es una publicista que en 1999 empezó su caminar en el mundo de la fotografía documental y en el que destaca por ver las realidades de Guatemala.

Fue por una asignación laboral que terminó en un curso de fotografía junto a Wendy Walsh en Santa Fe, Nuevo México, EE. UU. y desde ahí comenzó su preparación en otros talleres y cursos en Estados Unidos y Francia.

Ha destacado en temas sociales, en especial de las minorías o de los que son invisibilizados. “Busco historias que me ayuden a explicarme a mí misma el mundo”, dice.

Destacan en su portafolio imágenes impresionantes de la vida de pacientes con VIH, migrantes y una de sus series más destacadas llamada Antipostales, en las que retrata una Guatemala que no todos quieren ver.

Cuenta que el ser mujer le ha ayudado a entrar a ciertos lugares y en la vida de las personas. Nunca se ha sentido amenazada y, por el contrario, esto le ha permitido que se abran más las puertas de su profesión. Invita a utilizar el lenguaje del arte como la escritura, la fotografía u otros…

“La historia y el mundo están contados desde la mirada de los hombres y cuando las mujeres asumimos el rol de contar, tenemos otra manera de ver y es más sutil porque tenemos más percepción y sensibilidad”, dice.

Aragón invita a que “tomemos nuestra mitad del mundo que nos corresponde a nivel de oportunidades, de campo y arte porque no existe diferencia entre lo que son capaces hombres y mujeres, juntos podemos crear un mundo mejor”.

El escenario como espacio de construcción

Patricia Orantes se enamoró de la actuación cuando vivió en Cuba hacia finales de la década de 1970.

En la isla ingresó a un taller de teatro en el que transformó su timidez en una fuerza que no la ha parado durante los últimos 30 años. En Guatemala, Orantes ingresó a estudiar en la Universidad Popular y posteriormente siguió formándose.

Además de dedicarse a la actuación, también lo ha hecho desde la dirección de más de doce puestas en escena. Actualmente es docente de actuación en la Escuela Superior de Arte de la Universidad de San Carlos y tallerista de manera independiente con otras mujeres de las artes escénicas.

Patricia asegura que en estos años se ha topado con algunos retos para las mujeres dentro del hacer teatral, como el hecho de que no se ha visibilizado tanto el trabajo de mujeres como directoras, sino que a estas suele vérseles más como actrices y no como orquestadoras de producciones.

“Aunque muchas veces hemos tenido un trabajo de años, no se nos ubica tanto por nuestra capacidad de dirección, aunque las generaciones han cambiado”, sostiene Orantes, quien agrega que su gran anhelo actualmente es ver una reapertura de los teatros; esos espacios de comunicación y construcción.

La actriz invita a que las mujeres se unan también con los hombres para trabajar en la formación de una mejor sociedad.

La literatura como reflexión

Desde hace 18 años Carmen Lucía Alvarado supo que quería dedicarse a la poesía para ver el mundo a través de sus poemas. Esto la ha llevado a escribir tres libros: Imagen y semejanza, que fue publicado en 2008,  año en el que considera dio inicio la búsqueda de sus opciones poéticas.

Con el segundo libro, Poetas Astronautas (2012), abrió una puerta que le permitió explorar sus inquietudes existenciales. En ambos aborda temas como el universo, Dios, la naturaleza y la muerte.

En el 2015 comenzó a escribir el que será su tercer libro y a la vez “su mayor obra”: Pangea muerte. Acá, Alvarado expresa sus pensamientos acerca de la muerte, la existencia y el territorio. En el proceso de escritura, con las interrogantes que surgían, publicó Edad geológica del miedo (2018).

Paralelo a la escritura, Alvarado es gestora cultural y editora de Catafixia, “una editorial que evidencia la literatura y memoria como formas de pensamiento, con el objetivo de que la sociedad conozca que somos un territorio lleno de escritores que usan sus libros como salvación, porque nuestra memoria está a salvo por medio del arte”, dice Alvarado.

Para la escritora, el mayor reto ha sido mostrar sus sentimientos y percepciones que le permite descubrir la poesía. “La historia del país ha sido mi mayor estímulo, por ello mi trabajo y mi palabra es una ofrenda. Espero que en algún momento abra interrogantes e inquiete a quien las lee o escucha”, comenta.

Aliadas en el cine

Antes de entrar a la universidad, Camila Urrutia no sabía a qué quería dedicarse específicamente. Solo tenía una certeza: “Lo que más me gustaba era el cine”, cuenta.

Motivada por ese sentimiento, incursionó en la carrera de Bellas Artes con especialización en producción fílmica, y también fue acreedora de una beca para cursar una maestría en estudios cinematográficos en La Sorbona (Francia).

Durante los últimos 18 años, Urrutia se ha dedicado a filmar cortometrajes y documentales en los que prevalece el rol de las mujeres en Guatemala. Asegura que por este oficio ha logrado conocer más del país, y la lucha de las mujeres en los pueblos indígenas.

Ese interés también fue plasmado con la realización de Pólvora en el corazón, su primera película que salió en 2019. La historia presenta la relación de dos amigas que se enfrentan a la violencia en ciudad de Guatemala.

Esto le valió a sus protagonistas un reconocimiento en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva (España) donde la película también ganó los premios a Mejor obra audiovisual con perspectiva de género y Radio Exterior de España.

Actualmente Camila y el equipo de filmación tienen el plan de llevar Pólvora en el corazón a más festivales latinoamericanos.

Camila se expresa entusiasmada con la idea de seguir afinando su propuesta artística y manifiesta que, a pesar de que muchas veces no hay tantas mujeres en el cine, lo cual provoca un camino “más solitario para las compañeras”, invita a más mujeres ávidas del séptimo arte a no sentirse solas, buscar aliadas y emprender juntas.

Soñar desde la pintura

La creación fue algo que se presentó desde temprana edad a Mariana Siebold, gracias a su mamá quien la motivó buscar su identidad desde el hacer artístico. Persiguió ese motivo hasta que logró obtener una beca en el Armand Hammer United World College, en Nuevo México, Estados Unidos, donde estudió Arte.

En la actualidad, Mariana suma más de tres décadas en las artes y se ha dedicado a varias disciplinas en las que ha implementado materiales como metal e incluso resina, pero fue la pintura lo que más la atrapó.

Desde esa área ha creado distintas obras donde plasma figuras geométricas que invitan a las personas a reflexionar, y que han sido concebidas por Siebold como “un idioma universal” donde aborda la conexión y la esencia de cada persona.

Las pinturas de Mariana se han visto en distintos espacios nacionales y de países extranjeros como España, Italia, Francia y Portugal. Además ha sido reconocida como embajadora del movimiento Cultura de Paz por el príncipe Damien Dematra de Singaraja, Indonesia, quien además es artista.

El viaje dentro del arte ha sido uno satisfactorio y de constante esfuerzo para Mariana, quien aconseja a las mujeres que se desean dedicarse a las artes plásticas a “perseverar y ser valientes”, ya que muchas veces, los retos para las creadoras empiezan desde casa. La artista invita tanto a mujeres como a hombres a perseguir todos los ideales que les mueven.

Un camino en la escultura

Su nombre es Luisa Aguilar de Ayau, es arquitecta y artista, a lo cual se ha dedicado por más de tres décadas. Ha incursionado en el muralismo, escultura en piedra y modelado en arcilla, dibujo y pintura.

En escultura le encanta descubrir lo fascinante de los mensajes en que se transforman la piedra o la arcilla, “pienso que todo en el universo esta cuántica y holísticamente comunicado”, dice.

En su arte busca crear una conexión simbólica con los distintos roles humanos. Busca responderse cuestionamientos sobre la existencia y la realidad, usando como recurso artístico la figura humana y la geometría. Detrás de cada obra generalmente hay un significado.

Su obra ha estado en exposiciones en diferentes países como República Dominicana, Italia y Austria. Uno de sus más recientes trabajos fue expuesto en el evento Mascarillas solidarias donde se presentaron objetos artísticos que fueron subastados para apoyar a afectados por el covid-19.

Luisa cuenta que, como mujer creadora, su mayor reto fue retomar la universidad cuando ya tenía cuatro hijos. “Yo aconsejaría a todas las mujeres tener confianza en sí mismas. Emprender actividades que verdaderamente las apasionen y hagan felices”, expresa.

Su mensaje es que las mujeres se sientan orgullosas de su género, y que aprovechen haber nacido en estos siglos donde hay libertad e igualdad.

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Sin duda, estas mujeres abrieron paso para que nuevas generaciones encontraran su camino y vocación en alguna de las diversas ramas del arte. Estos son solo algunos de los rostros de las mujeres que sobresalieron en los 70s:

Karim May

La artista supo desde su niñez que quería dedicarse a la música. Con el apoyo de su familia y su talento poco a poco estuvo en más escenarios del país, incluso comenzó a presentarse en programas como “Canal Once Buscando Estrellas” y “Casino de Alegría”. Fue la primera cantante popular en ser invitada a participar con la Orquesta Sinfónica. Aunque se dio a conocer en los 70’s, la actriz consideró la década de los 80’s como la mejor porque tuvo la oportunidad de realizar algunas presentaciones fuera del país.

Fryda Henry

Es uno de los rostros más populares del teatro en los 70’s. Participó en más de 14 obras y ganó el premio Opus, creado por el Patronato de Bellas Artes para los teatristas guatemaltecos. Su carrera la inició cuando la llamaron para suplir a una artista en la obra “La duquesa de Baltabarán”, luego el maestro Rubén Morales Monroy la invitó a participar en “Las tres perfectas casadas”.

Onelia Sosa

Conocida también como “Ruiseñor de Occidente” su voz fue muy popular en los años 60, 70 y 80, acompañada siempre por la marimba. Comenzó en la música desde niña, pero fue cuando su familia llegó a la capital que su carrera inició, al conocer a los compositores Jerónimo Orantes Navas y José Alejandro de León. Este último escribió la canción “Regalito de amor”, la cual la llevó a la fama.

Ingrid Klussmann

Es la creadora de la Galería el Tunel, la cual en la década de los 70 se ubicaba en la 16 calle de la zona 1. Su fascinación por el arte comenzó a los cinco años, en las clases de dibujo. Aunque su familia se resistía a que se dedicara al arte, poco a poco su madre aceptó su vocación, por lo que la dejó seguir los pasos del maestro Miguel Ángel Ríos. Compartió en la Escuela de Artes Plásticas con Rodolfo Abularach, Manolo Gallardo y con Ana Lucrecia Prera.

Isabel Timeus

Es una de las pintoras de los 70’s. Fue alumna del maestro Miguel Ángel Ríos y en España estudió con el maestro José Bardasano. La especialidad de Timeus eran los paisajes, tuvo varias exposiciones personales en Guatemala y otras colectivas en El Salvador y Europa. Formó parte del primer grupo de artistas que fundió Juannio, exposición y rifa a beneficio del Instituto Neurológico de Guatemala. Junto con Ingrid Klussmann inauguraron la primera exposición de miniaturas en la galería El Ático.

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La muestra de Fernando M. Díaz en Guatemala

La exposición está organizada por Arte en Viena, y a partir de este jueves 4 hasta el 18 de julio es el turno de Eva Salazar, con su exposición Del Corazón a la trama.  La segunda parte del mes, hasta el 4 de agosto estará la muestra colectiva De lo Íntimo a lo inconsciente,  con Luisa de Ayau, Rocio Villanueva y la colombiana Andrea Paola Castillo.

Cuatro mujeres que coinciden en su amor al arte, pero cada una con su propia personalidad y forma de expresión.  Conózcalas en este artículo.

Eva Salazar

Eva Salazar es diseñadora gráfica y una artista visual contemporánea que tiene una academia de arte y es una apasionada por la investigación.  Nació el 20 de julio de 1974 y desde su niñez comenzó a dibujar, a los 8 años ingresó a diversas academias de arte y a los 15, tuvo su primera exposición  individual con piezas en óleo, en el Museo Ixchel.

En 1995 viajó a Italia como un aprendizaje de historia del arte.  A su regreso al país trabajó con Walter Peter y ahí empezó a experimentar la escultura.

Su obra se ha expuesto en distintas galerías de arte en Guatemala, Miami e Italia.  En este último país presentó en 2014, Manifestaciones de Fe, en la que mostró diversidad de elementos de cómo se vive esta experiencia en un país multicultural como Guatemala.

Su inclinación está en varias técnicas como  óleo, tinta, acuarela y grabado.

Para esta exposición se inspiró en los trajes indígenas que se encuentran en el Museo Ixchel.  La institución tiene una colección de más de 5 mil huipiles ( blusas adornadas propia de los trajes indígenas), tanto ceremoniales como de uso diario, del siglo XIX y XX.

Se apasionó por el tema y empezó a trabajar sus propuestas para dar a conocer con su arte cómo son algunas de estas piezas y los detalles que tienen, en especial aquellas que están guardadas de manera especial para su conservación y que pocas veces son compartidas con el público.

“Quisiera inmortalizar estas obras que están clasificadas por grupos lingüísticos… cada óleo es una abstracción del huipil tradicional”, dice Salazar.  Vea en este link todo el catálogo de Eva Salazar. 

Rocío Villanueva

Fotógrafa y artista ítalo-guatemalteca.  Es una autodidacta que trabaja la fotografía digital intervenida.  Su proceso comienza con bosquejos en papel que toman forma por medio de elementos, tiempo, lugares y personajes.  Sus imágenes representan mundos paralelos por medio del juego de la luz y la sombra, el color y las texturas.

Ha participado en exposiciones colectivas en Guatemala, Roma y Estados Unidos.  Es ganadora de la Convocatoria de mujeres fotógrafas latinoamericanas de la revista Visor, México, en fotografía conceptual 2017.  Primer lugar en Fotografía, Oper Art, 2019 en Roma.

Para esta exposición reúne historias de metáforas que se han formado por medio del subconsciente.  “Mi arte busca dentro del alma y la psique humana la respuesta a problemas y situaciones comunes con las que el espectador se identifica”, dice la artista que nació el 3 de febrero de 1968.

Aunque desde niña tiene la imagen de tener un crayón en la mano, dejó el arte por algún tiempo.  Retomó su pasión cuando sus dos hijos llegaron a la Universidad y asegura que no importa la edad para seguir los sueños. “No perdamos de vista al ser humano ni su parte espiritual,  tenemos algo más que dar que nuestro simple trabajo del día a día”, expresa.

Luisa de Ayau

La arquitecta De Ayau nació el 29 de septiembre de 1956. Ha incursionado en el muralismo, escultura en piedra y modelado en arcilla, dibujo y pintura.  Su trabajo se ha expuesto a nivel internacional en colectivas que se han presentado en Italia y República Dominicana, así como en el Museo Ixchel, en el Museo de Arte Moderno Carlos Mérida, entre otras.

Entre sus maestros han estado Arnoldo Ramírez Amaya y Danel Scheffer, entre otros que le han influenciado.  Su obra generalmente  usa la figura humana para expresar conceptos existenciales como el tiempo, la estructura matemática, la espiritualidad, y la realidad que no se perciben con los sentidos.

Sobre su trabajo en esta muestra comenta que la serie Múltiple Interpretación  manifiesta el concepto de que la realidad no es igual para todos. Cada individuo la construye seleccionando y haciendo asociaciones de causa-efecto.

Se compone de ocho dípticos diseñados para girar y crear en sus diferentes posiciones por lo menos cuatro diferentes imágenes que hacen sentido, como lo muestra el video abajo.

“Me motivan los cuestionamientos sobre la existencia, la realidad, el tiempo y la relación de los acontecimientos, las percepciones intuitivas sobre el orden del universo y existencia de Dios, las relaciones humanas que socializan como redes o grupos de
matrices matemáticas… lo mío no es espontáneo, siempre recurro al concepto, la geometría, utilizando la figura humana como recurso”, describe.

Sobre su participación en esta muestra comenta que se sintió honrada y ha sido un trabajo en conjunto agradable.

Andrea Paola Castillo

La artista nació en Bogotá en 1978.  El arte ha estado en su vida desde temprana edad y a los 12 años estudió violonchelo en la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia y en su país fue parte de la Orquesta Sinfónica Juvenil.

Se graduó en el 2002 como maestra en Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá.

Viaja en 1998 para continuar sus estudios de dibujo y pintura en la Academia San Alejandro, La Habana, Cuba.  Reside en Guatemala desde el 2007.

En el 2015 participó como escritora e ilustradora en el proyecto La Factoría de Historias de Editorial Santillana. Sus creaciones han participado en exposiciones Individuales y colectivas en Buenos Aires, Bogotá,  Guatemala y La Antigua Guatemala.

Comenta que su trabajo gira a través de su imagen como mujer y su historia.  En sus propuestas aparecen sus hijos, su esposo y personas queridas que le rodean.  ““El arte no solo trata sobre una profesión, abarca la vida de quien lo realiza, no tiene itinerario, llena cada parte de su ser, se relaciona con sus experiencias, sus gustos, su cultura, su presente, su pasado y su futuro”, agrega.

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El tema de 2016 para el Día Internacional de la Mujer es Por un Planeta 50-50 en 2030: Demos el paso para la igualdad de género, según lo indica la Unesco.

Como parte de la conmemoración las artistas guatemaltecas Rosario Vásquez, del Cuarteto Asturias; Luisa Chaluleu, del Ballet Guatemala; Mercedes Arrivillaga, actriz y Ana María Rodas; Premio Nacional de Literatura 2000, dieron su opinión y un mensaje por tan importante fecha.

La guatemalteca Sara Curruchich compartió una canción llamada Mujer junto a un mensaje de motivación dirigido a la mujer guatemalteca. 

Rosario Vásquez

Todos somos capaces de lograr nuestros sueños y la sociedad debe ser equitativa para darnos las mismas oportunidades. Es importante reconocer el valor de cada mujer, de cada ser humano y tratarnos en las mismas condiciones. Que reconozcan nuestro trabajo.

Luisa Chaluleu

En mundo tan desigual es importante resaltar el valor de cada una de las mujeres, reconocer el valor que se tiene y resaltar el trabajo que cada una de nosotras hacemos. La sociedad deben empezar a vernos de manera igualitaria, sin ningún tipo de discriminación.

Mercedes Arrivillaga

La lucha por la reivindicación de la mujer debe mantenerse en sociedad patriarcales como la guatemalteca. Esta fecha es para recordar las luchas por los espacios en la sociedad. Para recordar el movimiento feminista y mantener ese frente sin detenerse.

Ana María Rodas

Siendo esta una sociedad completamente machista esta fecha es importante porque logramos espacios en medios de comunicación. Es una conmemoración para hacer visibles nuestras peticiones y exigir nuestros derechos. Una fecha que involucra a la mitad de la población de nuestro país.