En un cementerio encontraremos un espacio cargado de símbolos, en donde flores y plantas juegan un papel esencial. Cada una de las que allí veremos, ya sean vivas, o talladas en mausoleos o lápidas, contienen mensajes: muchos de ellos provenientes del origen de la humanidad. Símbolos que con sus formas, colores y olores sensibilizan el alma y nos conducen a reflexionar sobre la vida.

En su Crítica del Juicio, Emanuel Kant consideraba la jardinería como un “arte de la forma” incluido dentro de la pintura.

Rosario Assunto, en su ensayo sobre la ontología y la teleología del jardín, va más allá en su reflexión: el jardín funerario alcanza el más sublime grado artístico. Lo hace porque dispone de una ontología propia, basada en la relación entre la vida y la muerte. La primera, representada por la vegetación en constante renovación, y la segunda, entendiendo ese locus como el espacio que separa lo material y lo espiritual.

El jardín funerario alcanza ese grado artístico además porque dispone de una teleología. En las causas finales del jardín funerario, arte y naturaleza se integran en pos de un mensaje común: el eterno retorno. Así, los conceptos de sueño eterno y renovación de la vida han sentado las bases, en todas las culturas, del arte jardinístico funerario.

Sueño eterno, memoria y silencio

Tres ideas surgen alrededor del proceso de exhumación de los finados, desde su origen: el apacible sueño eterno, el recuerdo a través de la memorialización y el cumplido silencio.

El símbolo viático más antiguo que podemos encontrar tallado en mausoleos de nuestras necrópolis es el fruto de la adormidera, siempre usado en los rituales funerarios, incluso en las culturas prehistóricas ibéricas, como símbolo de un deseado dulce sueño eterno. Ese deseo es precisamente el origen del significado de la palabra cementerio. El origen etimológico es la palabra griega koimitirion, la habitación del sueño eterno .

La colocación de macetas con plantas vivas en recuerdo de los finados fue una tradición romana. Esta práctica se ha extendido hasta la actualidad, perdiendo su significado original, en los patios domésticos y por extensión en los patios cementeriales.

El silencio, como condición previa a la reflexión y a la paz del espíritu, y como forma de respeto a los finados para no molestarles en su eterno sueño, ha marcado de siempre las pompas funerarias. Los romanos ya veneraron a una deidad, Angeronia, que con el gesto de su dedo aproximándolo hacia su boca solicita sigilo. Ella era además la encargada de aliviar la angustia y el miedo. Esta deidad ha formado parte de la escultórica que antecede a algunos panteones, en donde además suele portar entre sus faldones conjuntos florales que evocan muchos de los mensajes de la botánica funeraria.

¿Por qué los cipreses?

Celestino Barrallat recogía en 1885, en su interesante opúsculo Principios de Botánica funeraria , buena parte de estas concepciones y tradiciones. Las sistematiza en dos grandes grupos de símbolos vegetales: los celestiales, como la palmera o la viña, vinculados a lo sagrado, a la luz y a la resurrección; y los infernales, como la yedra o la ruda, relacionados con lo luciferino, con la sombra y lo mefítico.

Desde la antigüedad, la vinculación entre enterramientos y árboles ha sido una constante, basada en la creencia de que la inmortalidad de los árboles servía de cobijo para el depósito de las almas. Éstas, a través del tránsito de la savia, se elevaban desde las profundas raíces de la oscuridad hacia las altas ramas en busca de la luz. El uso de las coníferas en las necrópolis se explica por ser árboles de porte erguido, longevos, de copas cónicas cuyos ápices apuntan al cielo, de intenso aroma resinífero y con un respetuoso verde oscuro.

Este uso de las coníferas para escoltar a los finados es una antigua tradición, como por ejemplo describe Cervantes varias veces a lo largo de El Quijote

“ (…) bajaban hasta veinte pastores, todos con pellicos de negra lana vestidos, y coronados con guirnaldas, cuál de tejo y cuál de ciprés. (Capítulo XIII, Primera Parte).

En esta línea, Barallat destaca el papel del ciprés en los cementerios, ya que imprime en el ánimo las ideas de severidad y de reposo, y señalando al cielo con su punta sirve de guía a las miradas para elevarse a la región de la luz en contraposición a la oscuridad de las tumbas.

La simbología cristológica

Buena parte de las concepciones renacentistas y barrocas vinculadas a conceptos religiosos han tenido su reflejo en esa botánica funeraria (cuya máxima exaltación la encontramos también en las manifestaciones de la Semana Santa). La interpretación apologética de Horigenes Adamantius sobre la simbología de las más de veinte plantas citadas en El Cantar de los cantares ha servido de inspiración en el arte funerario.

Así, el lirio, la azucena y la rosa adquieren el mayor protagonismo de la simbólica cristiana tan presente en la iconografía funeraria. La introducción en el siglo XIII en Europa de la flor de clavo o clavel tuvo un gran impacto, vinculándose por su forma, olor y color con una de las insignias de la crucifixión. Incluso se creó una leyenda que se vincula el surgimiento de esta flor a la caída a la tierra de la sangre de Cristo.

Durante el Renacimiento, muchos grandes pintores italianos dedicarían alguna obra a la Madonna dei garofani. La entrega por parte de la Virgen de un clavel al niño Jesús evoca el amor maternal a la vez que la presunción del destino final de la vida y de su resurrección. El clavel se ha convertido así en un elemento frecuente en las ofrendas florales a difuntos, cuya diversidad cromática es usada como base del lenguaje de la floriología. Desde el rojo oscuro, de aflicción por la muerte, hasta el amarillo de decepción.

Otras flores también han jugado un papel destacado en su vinculación a los cementerios. Desde la humilde malva, a la que la tradición ha hecho creer que crece a partir de lo que se corrompe bajo la tierra (“criar malvas”), hasta plantas de flores doradas como el crisantemo, vinculadas a la luz de la resurrección, y el eterno retorno; o las de color morado, como la violetas y pensamientos, dedicadas a la viudedad sufrida.

De las tumbas intramuros a los parques cementerios

Hasta el advenimiento de las grandes pandemias del XVIII, era costumbre realizar los enterramientos cerca de los domicilios de los seres queridos. Estas epidemias obligaron a localizar los enterramientos de forma ordenada extramuros de las ciudades. Bajo esta idea, en el siglo XIX se produjo un cambio importante en la consideración de las necrópolis en el contexto urbano, generalizándose en las grandes ciudades europeas los “parques cementerios”.

Existen extraordinarios diseños urbanísticos y arquitectónicos de estos equipamientos, basados en un racionalismo con el que dotar a un espacio, a priori ingrato, de suficiente esplendor artístico. Excelsos mausoleos de corte clásico, y de una relevante escultórica; panteones de personalidades ilustres o lápidas de gente sencilla enriquecerán la simbólica floral de estas necrópolis, que mantendrán buena parte del acervo secular en el caso de las plantaciones de vegetales vivos. Tan solo la necesidad de crear paseos arbolados, al estilo de los salones de la época, y de alguna flora exótica importada, ampliarán el patrimonio florístico, en algunos casos en detrimento de la simbólica funeraria.

Los jardines funerarios del futuro

El cambio de la cultura del enterramiento a la cremación ha obligado a un cambio en las costumbres funerarias. Esparcir las cenizas de un ser querido en la Naturaleza se ha convertido en un acto evocador, pero de consecuencias ambientales importantes, que ha llevado a su prohibición cuando es de forma incontrolada.

Nuevos equipamientos funerarios, como el Jardín del Recuerdo en Málaga, se conciben en primer lugar como áreas verdes urbanas que se integrarán en el futuro como parques para la ciudad. Las urnas de cenizas se disponen aquí en torno a árboles elegidos por las familias.

El diseño obedece a un compromiso con las medidas de mitigación de la crisis climática, mediante soluciones basadas en la naturaleza y adaptaciones basadas en los ecosistemas. Pero, por otra parte, el locus se diseña bajo criterios de uso cultural dentro del obligado respeto.

Ángel Enrique Salvo Tierra, Profesor de Botánica y Planificación y Ordenación Territorial, Universidad de Málaga

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Lea el original.

A Ernesto Boesche se le conoce por reproducir rostros, expresiones y momentos en una infinidad de lienzos en los últimos sesenta años. Además de las figuras humanas —que asegura como fuentes de inspiración de siempre— la naturaleza ocupa un lugar importante en el patrimonio creativo del maestro.

Más allá de esa faceta, se le ha conocido por su compromiso con la docencia, que afianzó desde su paso por la Escuela Normal y la de Artes Plásticas (Enap), donde fue maestro y director en varios períodos.

Su mundo artístico empezó a formarse tanto en la Escuela Normal como en la Enap y se perfiló en España, donde llegó por una beca y radicó durante dos años. Boesche, un niño de Salamá, Baja Verapaz, prefirió los dibujos a otra labor, transitó por decenas de aulas y con su predilecto lápiz grafito trascendió con su mirada realista hasta posicionarse en la actualidad como uno de los grandes maestros del arte nacional.

¿Qué recuerda de sus primeros pasos en el arte?

Como todos los niños, dibujaba en la primaria y parece que lo hacía más que el resto. Mientras mis compañeros dejaron sus libros de dibujitos, yo continué por la vocación que traía y por el ejemplo que me había dado mi papá. Aunque él no se dedicó al arte, pintaba y dibujaba. Hacía retratos de mi abuelo y otras pinturas que evocaban cuando era alcalde de Salamá.

¿Qué tiene esa realidad que ha plasmado durante su carrera?

Me gusta la figura humana. Recuerdo que cuando entré en 1950 a la Escuela Normal, como estudiante becado interno, me gustaba hacer retratos de los compañeros a crayón. También realizaba algunas ilustraciones. Había una máquina de litografía en la escuela y entonces, con el subdirector, hacíamos experimentos de plasmar dibujos con la misma.

¿Qué trascendencia considera que tiene la figura humana?

También la tiene la naturaleza que he retratado. Me gusta hacer paisajes y bodegones de elementos autóctonos. Mis primeras composiciones al óleo eran acompañadas de piedrecitas, palos y cosas que llevaba el río Motagua. Las recogía cuando me iba de Guatemala para Salamá. Armaba composiciones con esos elementos y les agregaba un poco de fantasía. Tengo un poco de todo, y, aun así, mi obra es poca porque me ha demandado más tiempo la docencia.

Después de tantos años, ¿tiene las mismas sensaciones a la hora de retratar?

Siempre hay una emoción de lo que uno va a hacer, así como la emoción que se transmitirá a otro cuando termine el retrato. Eso crea un ambiente muy satisfactorio. No pierdo la emoción con cada obra que hago. Muchas veces en el Festival del Centro Histórico la gente que pasa por donde estoy retratando se pone a observar. Eso es algo muy especial porque se trata de un arte que no está en la academia, sino en la calle.

¿En alguna ocasión se planteó ir a la calle a retratar personas?

Mis demostraciones solo han sido en el Festival del Centro Histórico. Constantemente hago algunas en escuelas municipales de arte, también en la Enap y en la Escuela Superior de Arte. En esos lugares realizo mi labor de divulgación artística.

Estuvo envuelto en la Enap por años, tanto en la dirección como en la docencia. En alguna ocasión mencionó que fue algo agridulce. ¿A qué se refería?

Eso hace referencia a mis últimos tiempos en la dirección de la escuela, que fue hasta mediados de 1994.

Se me hizo una especie de campaña negra porque me preocupaba porque todo caminara bien: que hubiera maestros, materiales para trabajar, que se consiguiera materiales, entre otros.

Diez años después del terremoto del 1976 ingresé como director. Me preocupé por las instalaciones, porque ninguno de los directores previos se preocupó por retocar los daños que había dejado el sismo. Empezaron a haber mejoras, pero los alumnos y algunos maestros querían que además de que funcionara hubiera “cosas nuevas” en la institución.

A mí ya no me quedaba para hacer cosas. Cubría la dirección artística y me quedaba hasta tarde viendo aspectos administrativos hasta casi la medianoche. Las personas no sabían qué querían exactamente y empezaron a hacer una campaña negra. Fue algo amargo.

¿Y la parte dulce?

Fue haber logrado metas como la creación del taller libre. Consistía en que los alumnos, maestros y hasta artistas invitados podían hacer demostraciones de dibujos para que distintas personas apreciaran. También se realizaron mejoras en la biblioteca y se creó el escalafón de los maestros de arte, porque no estábamos incluidos, solo los profesores del Ministerio de Educación.

¿Cómo recuerda la experiencia como maestro en la institución?

En ese sentido no tuve mayores sobresaltos. Me dedicaba a dar clases lo mejor que podía, con muestras en vivo. Me diferenciaba de algunos maestros.

Sigue practicando la docencia. ¿Siempre tuvo interés en dedicarse a esto?

Siempre me gustó enseñar y compartir lo que uno sabe con el resto de la gente. Si uno logró conseguir un desarrollo técnico y conceptual en ciertas áreas, en mi caso la del arte, uno piensa que otras personas quieren tener un dominio sobre ello.

A mí el Estado me ha patrocinado los estudios desde párvulos, hasta una beca para estar dos años en España. Tengo un deber moral de retribuir eso que me obsequiaron y verterlo a mis alumnos. Me gusta compartir lo sabido.

¿Qué es lo que más ha extraído de esa experiencia?

Diría en una forma algo egoísta que el reconocimiento de ser un maestro entregado a los alumnos, que no ha escatimado y que no se ha guardado nada para él. Me satisface que sea reconocido por la cantidad de generaciones de alumnos que he tenido desde el 1958 hasta la fecha.

Además del dibujo y la pintura también ha incursionado en la escritura. ¿Cómo se ha sentido en esta disciplina?

Hice un libro en 2015 que lleva por nombre Canto de nostalgia, con el que pretendo revivir el ancestro de aquellos personajes antiguos para que las nuevas generaciones los conozcan. Hablo desde mi experiencia en Salamá donde había personalidades simpáticas: una loquita que se la pasaba metida en los mercados o el limpiabotas que insultaba a todo el mundo. También busco que estas vivencias sirvan de gozo y de referencia histórica.

Y también esa intención la busca desde la pintura…

Todo lo que uno hace es para transmitir sentimientos; tanto lo que se escribe como lo que pinta o se musicaliza. Es para transmitir diferencias, y que otros puedan disfrutarlo.

¿Considera que ya alcanzó metas que se ha planteado desde el arte?

En temas de retrato considero que sí. Llegué a un pináculo donde en términos de expresión ya estoy cumplido. En otros aspectos tengo pendientes: en pintura sobre cuestiones tradicionales de Guatemala, especialmente las de antaño.

También tengo un libro de cuentos que quiero publicar cuando salgamos de estas carreras. Son historias inauditas. Una de ellas se llama Picasso del 10,907 D.C. y habla que después de cataclismos en el planeta y la humanidad se vivirá debajo de la superficie donde las personas que pasaron por distintas mutaciones tendrán caras como las figuras de Picasso.

Otra idea que tengo es la de crear un centro cultural en el Callejón del Fino, en la 10a. Av. A de la zona 1, que lleva ese nombre por el miniaturista Francisco Cabrera, conocido como El Fino, durante los tiempos de la Independencia. Se dedicaba a realizar retratos miniaturistas.

Sus planes se enfocan en el paso del tiempo y Guatemala. ¿Se considera nostálgico?

Totalmente. Para poder tener una personalidad, un sentimiento, una nacionalidad, se debe conocer el pasado.

Es habitual, cuando se le acaban las hojas al calendario, que nos lancemos a formular votos por la felicidad y la prosperidad durante el ciclo que viene. Abundan las buenas intenciones, las buenas resoluciones, los buenos ánimos para superar lo logrado en los últimos doce meses, dejar atrás lo que no ha salido como esperábamos y encarar nuevos retos. Solemos llenarnos el espíritu con una esperanza, más o menos difusa: las cosas van a cambiar.

Pero, ¿qué significa cambiar? Si nos auxiliamos de la filosofía, veremos que el cambio es propio de todo objeto y de todo fenómeno, y es la forma en que generalmente existe todo, tanto en cantidad como en calidad; es decir, en transformación constante. Incluso aquello que parece estable e inmutable no es sino el resultado de cambios y no representa más que un momento o un caso particular de cualquier cosa. Por lo tanto, si andamos esperando que las cosas cambien, estamos cayendo en una redundancia, pues eso ocurre todo el tiempo y ocurre independientemente de nuestros deseos y de nuestras acciones. Deviene ocioso predicar la permanencia y la perpetuidad de ciertas circunstancias o de ciertos entes —reales o imaginarios— para aferrarnos a ellos con tal de no caer en la desesperación. La noción de seres o situaciones con características definitivas e invariables es una ilusión.

Ante la constatación de lo anterior, podríamos dejarnos arrastrar por la comodidad. Podríamos concluir que si el cambio es incesante e inevitable, para qué vamos a preocuparnos de ello. Podríamos dejar que el mundo siga su curso; al fin, nuestra presencia es efímera y nuestro poder, limitado. Sin embargo, olvidaríamos así que cada quien también es agente de cambio. Vale decir, cada cual tiene capacidad de obrar y su actuación —o su falta de actuación— tiene efectos. Encima, hay tantos, tantísimos asuntos que están urgidos de renovación, de modificación, de evolución. Si estamos conscientes de esto, no nos asustará la metamorfosis. Antes bien, la abrazaremos y seremos elementos activos en ese proceso, en ese cambio de una cosa que se convierte en otra diferente. Esto implica aceptar lo que tenemos, aunque no nos hallemos a gusto con ello, porque no es posible pasar a otro estado que anhelamos si no partimos del actual.

En ese sentido, este espacio periodístico no pretende perderse en la disquisición abstracta, por un lado, ni puede escapar a la contradicción entre lo poco que es factible transformar en la realidad cuando se compara con lo mucho que falta hacer, por el otro. Simplemente buscaremos, como siempre, que se constituya en un aporte para construir una sociedad digna de llamarse humana. En ese sentido, igualmente, es que el arte de Guatemala —materia principal de esta columna— provee un paradigma excelente. En verdad, la cultura artística guatemalteca, aun desprovista de los sustentáculos que merece y plagada como está de tanta precariedad, es paradigmática de lo que es viable hacer para el desarrollo social y económico de la nación. Un paradigma, no sólo en su acepción como ejemplo, sino como el conjunto de las potencias con las que cuenta el arte y las numerosas variantes que de él se derivan.

Invito, pues, a quienes semana tras semana me favorecen con su lectura, y como en muchas otras ocasiones, a que apoyemos resueltamente toda manifestación artística nacional de alto nivel. Reclamemos, claro, que permanezca lo bueno. Exijamos, asimismo, que cambie para mejor lo que no es tan bueno. Sobre todo, no esperemos para ver qué sucede. Actuemos para que suceda.

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Escribir es viajar por el tiempo, el espacio, los sentimientos  y las personas, para luego trascender. Ese ha sido el destino del autor guatemalteco Eduardo Halfon, cuya trayectoria literaria fue reconocida este año con el Premio Nacional de Literatura Miguel Ángel Asturias, el  galardón más prestigioso para las letras en el país.

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“Este honor es de todas las madres, las abuelas, las tías, las esposas y las maestras. Un hombre es un hombre debido a las mujeres. Y un país es un país debido a las mujeres”, refirió el autor, durante la ceremonia de entrega. “Una sociedad que descuida a sus niñas no tiene pasado ni futuro”, señaló.

Reconocimientos

Este no ha sido el único premio con el que ha sido galardonado el  universo literario halfoniano. En el 2016, el autor, de origen judío, libanés y guatemalteco fue uno de los cinco finalistas para la tercera edición del Premio Hispanoamericano de Cuento Gabriel García Márquez, el más importante en su género en habla hispana, por su libro Signor Hoffman. Este logro   se añade a otros como el haber sido semifinalista del Premio Herralde de Novela (2004); ganador del XV Premio Literario Café Bretón & Bodegas Olarra (2008); Premio de Novela Corta José María de Pereda (2009), Premio Roger Caillois de Literatura Latinoamericana (2015) y el  Premio de Librerías Navarra (2018).

Es ingeniero industrial de profesión, pero ha destacado por ser un prolífico autor de obras como Biblioteca Bizarra (2018), Esto no es una pipa, Saturno (2017), Duelo (2017), Signor Hoffman, (2015), Elocuencias de un tartamudo (2012) y El boxeador polaco (2008).
En el 2007 fue elegido como uno de los  39 mejores escritores latinoamericanos menores de 39 años por el Hay Festival de Bogotá.

Luego de graduarse  en EE. UU. regresó a Guatemala,  donde enseñó Literatura en la universidad, hasta que se dedicó de lleno a escribir. “No he vuelto a la docencia desde el 2007, año en que me marché de Guatemala y decidí dedicarme únicamente a la escritura. Una decisión insensata y megalómana, por supuesto. Pero en esas sigo”, comparte el autor.
“Toda página que escribo surge del mismo lugar, y le pertenece a un mismo libro. Como si estuviera escribiendo un gran libro, y publicándolo por entregas. Ahí, en esas páginas, están mis temas, mis miedos, mis anhelos, mis inseguridades, quizá hasta mi sangre. No invento nada. Me siento a escribir y escribo la historia de mi vida, una y otra vez”, indica Halfon, quien debutó en las letras a los 30 años, con la novela   Esto no es una pipa, Saturno.

Pero, ¿cómo surge cada historia? “Siempre de una imagen. Empiezo a escribir sin plan ni expectativa, sin nada en mente más allá de una imagen rugosa, atractiva. Una jaula de bambú en Sipacate; por ejemplo, o un campo de concentración en Italia, o los últimos garabatos que me escribió mi abuelo polaco antes de morir. Quiero darle al lector esa imagen. No describírsela, pues la literatura no es un ejercicio de descripción, sino invitarlo a sentirla conmigo”, dice el laureado autor.

Por sus obras, que han sido reconocidas a escala nacional e internacional, Eduardo Halfon fue elegido por Prensa Libre como Personaje del Año 2018 en la categoría de Arte. 

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En la obscuridad las obras de Chaj Guinac lucen como un cuadro de acrílico con cinta adhesiva, pero al colocarlas frente a la luz se descubre la imagen, que puede ser un paisaje del Centro Histórico de Xela, una figura humana, entre otras.

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“Por coincidencia, casualidad, o lo que sea, compré esta cinta y la fui pegando en un vidrio, tuve que salir del lugar donde estaba, cuando regresé me di cuenta que entre todo ese pedacerío loco había una figura humana, entonces entendí que se podían hacer otras cosas y decidí hacer mi primera obra”, relató.

Su primer cuadro consistió en un paisaje de la ciudad que incluía el Puente de Piedra. Al contar con algunas obras, Chaj Guinac contactó al artista Josué Hernández, también quetzalteco, quien lo apoyó para que expusiera sus cuadros, la primera vez que lo hizo fue en Casa No´j.

“Siempre trabajo con un boceto para tener clara la idea, luego agarro la cinta y empiezo a pegar varias piezas, la cinta es la que comúnmente se utiliza para sellar cajas, la de color marrón, también utilizo una cuchilla, las piezas de la cinta las coloco sobre un acrílico y después uso más cinta dependiendo de la luz o la sombra que necesite”, indicó el artista.

Según Chaj, hay personas que piensan que la cinta no tiene valor, ven algo bonito pero que no merece ser comprado. “Normalmente los cuadros me los compran extranjeros”, comentó.

Para hacer uno de sus cuadros, Chaj necesita desde seis horas hasta un mes, el costo de estos varía de acuerco con el tamaño y la complejidad de la imagen, normalmente pueden costar entre Q400 y más de Q1 mil.

“Por el contexto del lugar donde nací el arte es una pérdida de tiempo, al inicio eso pensaba mi familia, mis padres y abuelos se han dedicado principalmente a la agricultura, pero después se dieron cuenta de lo que podía lograr, ahora me apoyan y motivan”, aseguró Chaj.

El tema económico ha sido uno de los obstáculos para el artista, por esta razón no ha podido dedicarse de tiempo completo a crear obras y ha sido inconstante, incluso dejó de producir obras durante dos años, y este año retomó su pasión.

El artista también estudia diseño grafico, además es maestro de serigrafía y sublimación, en el pasado fue maestro de las escuelas abiertas y para 2019 tiene planificado realizar sus obras en botellas de vidrio utilizando la cinta, proyecto que pretende realizar con el café donde expone sus cuadros.

Para Chaj, su hijo de 8 años se ha convertido en su inspiración y la razón por la que persiste en cumplir sus sueños, y a futuro le gustaría realizar “un cuadro enorme” del parque central de Xela.

Las obras de Chaj están enmarcadas e incluyen luces led que al encenderse permiten ver la imagen que el artista creó. En Quetzaltenango el artista no ha coincidido con alguien más que trabaje esta técnica y según lo que le han informado amigos artistas tampoco han observado en el país cuadros hechos de esta forma, pero por medio del internet ha descubierto que en otros países sí hay, pero asegura que “trabajan de forma distinta”.

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Las obras del quetzalteco se exponen en Joe´s Coffee, ubicado en la 5a avenida 6-28 zona 1 de Xela, de martes a sábado, de 16 a 22.30 horas.

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Con el objetivo de rendir un homenaje el talento nacional, especialmente a los artistas quetzaltecos y de la región se presentó el calendario La Fórmula Del Éxito 2019 que para esta edición llevará el nombre de Tu Talento en honor a los artistas. En total son 12 fotografías representadas en cada mes, con bandas musicales, cantantes, pintores y bailarines.

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Carlos Mérida, representante de la empresa, expresó que el objetivo del calendario es crear una plataforma en donde se pueda dar a conocer en el çambito nacional y difundir lo que hacen los artistas de la región, no solo en la música sino también en distintas artes como pintura y danza.

“Queremos que la población conozca a nuestros artistas, nuestros talentos y sobre todo para que los apoyen en el arte que les apasionada a cada uno. Son muchos artistas los que habían en propuesta pero lamentablemente solo había espacio para 12 que se eligieron luego de estudiar ciertas cualidades como trayectoria, integrantes e historial”, explicó Mérida.

Se mandaron a imprimir 10 mil ejemplares que se comenzarán a repartir sin ningún costo en todas las estaciones de Fórmula 1 de los departamentos de Quetzaltenango, Huehuetenango, Mazatenango y Retalhuleu.

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#TalentoNacional
Realizan la presentación de los artistas locales que aparecen en el calendario 2019, Tu Fórmula Del Éxito, un proyecto que busca promover a los artistas de la región. pic.twitter.com/UY2JnjLmA0

— elQuetzalteco (@elQuetzalteco) November 21, 2018

“Nos sentimos muy agradecidos por el proyecto que apoya al talento nacional y que es una gran oportunidad para darnos a conocer y que las personas sepan que hay talento acá y que no dejen morir al artista nacional”, dijo Luis López, conocido artísticamente como el Potrillo originario de San Pedro, Sacatepéquez, San Marcos.

Juan Daniel Policarpio Ramírez, conocido con Don Poli, es un rapero quetzalteco que ha utilizado las redes sociales como su plataforma de difusión. El talentoso cantante será quien abra el calendario pues estará posicionado en el mes de enero.
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“Estamos muy felices con esta iniciativa que apoya y reconoce el talento quetzalteco. Creo que este tipo de actividades son las que hacen falta para promover el arte porque es complicado abrirse paso en el mundo de la música cuando no se tiene el apoyo”, expresó Don Poli.

Se agregó que esta es la primera vez que se lanza el calendario con esta temática y la intención será seguir el proyecto para institucionalizarlo año con año.

Los artistas homenajeados

• Enero: Don Poli
• Febrero: Albany Pivaral
• Marzo: Los Socios
• Abril: Mariana Laparra
• Mayo: Luis Villagréz
• Junio: Agrupación Tatuana
• Julio: Luisfer López y Mimi (Potrillo y Paquita)
• Agosto: The Clippers
• Septiembre: Layla Roots
• Octubre: Joney Lemus
• Noviembre: Los Arvol
• Diciembre: Sacate Jag

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Esta semana nos ha otorgado el privilegio de interactuar con dos significativas exhibiciones de artes visuales. Las dos tienen en común el vínculo conceptual, el diálogo entre artistas, los sitios en que se verifican los montajes, la reciprocidad entre países. Carlos Mérida, la Ciudad de México, las culturas guatemalteca y mexicana.

Por una parte, la muestra Diálogo Interior, inaugurada el martes 13 en el Museo José Luis Cuevas, una institución que ha logrado poner a conversar a la arquitectura colonial de su edificio en el centro histórico mexicano, con su vocación actual como espacio para el arte moderno. Originada en la presentación que se llevó a cabo durante agosto y septiembre en la sala Carlos Mérida del Banco de Guatemala, esta exposición reúne obra de dos escultores, Pepo Toledo y Rodrigo Santa Cruz Anchissi, bajo la guía curatorial de Guillermo Monsanto. A gentil propuesta de ellos, me vi involucrado como músico en un performance en la que incluimos al coreógrafo y bailarín Josué Barrios para la inauguración de la muestra. De ello se desprendió la posibilidad de llevar el acontecimiento a una segunda fase en México, en el cual ha participado Aiira Mérida, bisnieto del gran maestro, como percusionista invitado. Todo un coloquio entre distintas disciplinas y corrientes de expresión. Esta nueva exhibición permanecerá abierta hasta el 4 de diciembre.

Por otro lado, la impresionante retrospectiva Retrato Escrito 1891-1984, que se inauguró el pasado jueves 15 en el Museo Nacional de Arte y llegará a marzo del 2019. Una colección de casi 300 cuadros y piezas alusivas al trabajo del visionario e incansable pintor quetzalteco, muralista, escultor, escenógrafo, diseñador de vestuario, ilustrador y docente, Carlos Mérida, a un siglo de haber radicado en el vecino país. Heredero del modernismo, del surrealismo y del cubismo, fue contemporáneo y colega de artistas de talla mundial y se decantó por un argumento visual geométrico en un estilo propio, reconocible, altamente personal. Su influencia alcanza a todo el arte del continente latinoamericano.

Es en tales circunstancias donde surge otro diálogo. Es el diálogo cuestionador de la extraordinaria capacidad que Guatemala posee para producir un arte de gran nivel, pero su total incapacidad para valorarlo y extenderlo a toda su sociedad. Un virtuoso creador que nunca renuncia a su nacionalidad ni a su legado cultural, pero cuya trascendencia pasa inadvertida para la mayoría de sus coterráneos y que se hubiera perdido si él no se exilia voluntariamente. El fenómeno se repite —y continúa planteándose como una realidad ineludible— a lo largo de los últimos cien años. Para los guatemaltecos y las guatemaltecas que buscan dejar una impronta como exponentes en literatura, plástica, música, cine y danza, México sigue siendo esa meca que no sólo atrae sino recibe generosamente a los artistas forasteros. Una nación grande, de alma grande.

Este diálogo, que comenzó introspectivo, que ahora es interior, y que más adelante podrá ser íntimo, hasta llegar a lo intrínseco, recupera las esencias de la estética. No obstante, para que eso llegue a todos, a todas, no puede sembrarse en la esterilidad de una tierra arrasada, en la que a cada momento se destinan más recursos a los fusiles y a las balas mientras se ahorca a la educación, al arte, a la ciencia y a la cultura. El enorme arquetipo que traza Carlos Mérida nos habrá de servir como inspiración para no conformarnos con la abulia y la desvergüenza que torpemente guían la codicia estatal y privada, tan obtusa a la hora de fomentar las manifestaciones humanas más nobles.

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Lo que conocemos del hombre prehistórico proviene de sus dibujos, grabados o esculturas plasmadas en la piedra de cavernas, farallones o barrancos que hacen referencia a su actividad; se le llama arte rupestre. Esa representación artística está relacionada con prácticas de carácter mágico-religiosas para propiciar la caza, y está presente en todos los continentes. Recién en este 2018, investigadores de la universidad de Witwatersrand encontraron en Sudáfrica una piedra con dibujos paleolíticos que superan los conocidos hasta ahora, estimados 73 mil  años atrás.

La historia empieza a registrase con la invención de la escritura, a partir de la que el conocimiento y actuar de la humanidad ha difundido con amplitud.

Es entonces a través del arte que el hombre ha dejado, deja y seguirá dejando constancia de su avance cultural, entendiendo por cultura toda actividad que le es propia, en su calidad de mamífero superior de la escala zoológica; superior porque es un ser pensante, que actúa según su razonamiento. La obra artística es el mejor testimonio de esa evolución.

En nuestro medio el 2018 tiene particular importancia, pues por un lado se conmemoran cien años del natalicio de Guillermo Grajeda Mena, uno de los grandes artistas de la generación del 40; y por otro, el Ministerio de Cultura y Deportes entregó el pasado martes 13 el Premio Nacional de las Artes Plásticas Carlos Mérida, a Luis Díaz Aldana, artista de la modernidad.

Grajeda Mena junto a Dagoberto Vásquez fue beneficiado por los cambios culturales que trajo la Revolución de Octubre del 44, luego del oscurantismo ubiquista, cuando el Estado les becó para estudiar en Chile; de ahí las coincidencias en su expresión artística.

Paralelismos semejantes hay en otros artistas, de otras disciplinas que por entonces tuvieron el privilegio de salir del país y estudiar, para convertirse en esa generación de artistas y profesionales de la arquitectura, música, literatura y teatro particularmente, que contribuyeron a que Guatemala entrara en la modernidad junto a sabias decisiones políticas. Ese conjunto de hechos propició aquel respiro político-económico-cultural denominado por la historia reciente, la Primavera Democrática (1944-54).

En el urbanismo y la arquitectura ese derrame cultural se prolongó algunos años más, al que se sumó la excelencia administrativa. Fue creada la primera Facultad de Arquitectura en Centro América, en la Universidad de San Carlos. Se planificó y construyó el Centro Cívico en donde Grajeda Mena dejó plasmada su más importante obra mural, en la fachada poniente del Palacio Municipal, que resume su vasto conocimiento histórico y arqueológico del país, además de su refinada abstracción de la figura humana, al igual que la técnica y uso del concreto fundido in situ.

Por su parte, Luis Díaz (1939), en su adolescencia conoció el trabajo de los grandes talleres de la Dirección General de Caminos, en donde aprendió a dar forma y producir piezas de mecánica. Tuvo contacto con materiales y herramientas que le abrieron un mundo de oportunidades técnicas, que más adelante supo combinar con su talento artístico y arquitectónico. Llegó a forjar un lenguaje expresivo, de carácter único y personal que lo hacen el más completo e importante artista contemporáneo, a quien el Estado reconoce y premia con el máximo galardón que lleva el nombre del insigne maestro Carlos Mérida.

La obra de ambos está plenamente registrada y documentada. La de Grajeda Mena por su nieto Gustavo Grajeda y la de Luis por él mismo en dos sustanciales libros: El Gucumatz en persona, y Luis Díaz Aldana en primera persona.

jmmaganajuarez@gmail.com

El Patronato para la Protección del Centro Histórico y la Fundación Rozas Botrán que apoyó el certamen, se mostraron satisfechos por haber concluido con éxito una edición más de tan importante concurso de arte.

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Ganadores del CAM 2018

• Primer lugar: Eduardo Escobar Monzón

Título: Música de Madera
Técnica: Acrílico sobre madera

 

• Segundo lugar: Edvin Andrés Mendoza Pérez

Título: Ixiim Ulew
Técnica: Óle sobre tela

 

• Tercer lugar: Luis Arturo Tobar

Título: Intento de paisaje IV
Técnica: Acrílico sobre tela

Arte en las Calles

Este año los organizadores del certamen decidieron cambiarle el nombre al evento Pintura Rápida por Arte en las Calles. La decisión fue porque en la anterior actividad los artistas contaban con un par de obras para pintar y entregar su obra.
Con la actividad Arte en las Calles se decidió promover la participación y que artistas tuvieran tres días para crear sus obras. Por esta razón, cientos de quetzaltecos se mostraron sorprendidos durante un fin de semana porque decena de pintores se tomaron las calles del Centro Histórico.

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Los ganadores del Artes en las Calles

• Primer lugar: Édgar Marroquín

Título: El Sueño

 

• Segundo lugar: Edvin Andrés Mendoza Pérez

Titulo: Sin nombre

• Tercer: lugar: Lerby Alessandro Guinea Vicente

Título: Guatemala tu nombre inmortal 

Arturo Martínez (1912-1956)

Nació en Cantel, Quetzaltenango. Se desempeñó como maestro rural empírico a la vez estudio en la Escuela de Arte y Oficios de Los Altos, donde egresó en 1934. Llegó a la capital en 1946 donde presenta sus primeras exposiciones personales.

Fue miembro del grupo de artistas y pintores Sakerti.

Fue becado a Europa en 1949, y del 7 al 21 de octubre,  fue presentado por la crítica María Traba, en la galería Mirador de la Plaza Vendome. Muere en un accidente aéreo en 1956.

Certamen Arturo Martínez

Fue instituido en 1970 por el Ministerio de Educación y la Municipalidad de Quetzaltenango por iniciativa del maestro Víctor Vásquez Késtler.

El objetivo de la actividad es rendirle honor al ilustre pintor de Cantel, estimular la creación artística en la región occidental y contribuir a conservar el prestigio cultural de la ciudad altense.

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El escultor, arquitecto y artista visual, nacido en la ciudad de Guatemala en 1939, tiene una trayectoria de más de cinco décadas y ha participado en bienales de Francia, Chile, Italia y Brasil.

La entrega del reconocimiento será el 13 de noviembre en el Palacio Nacional de la Cultura, según indicó el ministerio en un comunicado.

“Este galardón se concede a artistas que destacan por su trayectoria en las artes plásticas y está dotado de Q50 mil y un pergamino”, agregó.

El maestro Díaz ha trabajado en  pintura, escultura, diseño de muebles, y obras ambientales y arquitectónicas que ha expuesto en el país y en el extranjero.

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“Luis Díaz es una persona icónica dentro del arte moderno y contemporáneo de Guatemala. Uno de los artistas que incursionó desde la década de los sesenta con propuestas contemporáneas, además de una trayectoria especial”, dijo Rudy Cottón, Director del Museo Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida”.

Entre las distinciones que ha recibido destaca el Gran Premio Latinoamericano de la XI Bienal de Sao Paulo (Brasil), en 1971.

Fue cofundador de la Galería De Arte DS. Su participación como consultor artístico incluye el plan maestro del campus de la Universidad de San Carlos de Guatemala (USAC), Plaza del Sol, edificio Médico Obelisco, Universidad Rafael Landívar, edificio del Banco Industrial y Biblioteca Central de la USAC.

“Luis, con 78 años de edad, todavía se mantiene trabajando y con energía. Eso se reconoce. Es el mérito que tiene el maestro”, agregó Cottón.

En 2017 la artista Isabel Ruiz fue la galardonada con ese reconocimiento.

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Tras varias semanas de incredulidad y hondo desagrado debidos a la censura mal inspirada con la que el Congreso de la República se permitió coartar la libertad de expresión y de locomoción, al impedir el ingreso al país de unos músicos procedentes de Suecia, de pronto emite el decreto 22-2018. El mismo pasado jueves 11 —que debía ser la actuación—, aunque esta vez sin pasar encima de la Constitución, los legisladores acordaron declarar al compositor Joaquín Orellana como “guatemalteco ilustre, con honor público que le tributará el Estado de Guatemala, por su aporte extraordinario al legado musical de Guatemala”. La disposición contempla una pensión por Q7 mil mensuales.

Igual, surgen dudas, a la luz de acontecimientos tan encontrados. Ya de muchos años anteriores habían comenzado las acciones para lograr reconocimientos materiales a favor de Orellana, pero no fue sino hasta el mes de mayo de este año que se encaminó la iniciativa de ley, encabezada por los artistas Julio Serrano, Julio Santos, Jonathan van der Henst y Christian Escobar, para quienes va un elogio sincero. Sus esfuerzos fructificaron, por fin, como ordenanza legal. Sin embargo queda una serie de dudas sin despejar. ¿Habrá influido en los diputados la noticia de la presentación de Sinfonía desde el Tercer Mundo a fines de septiembre? Es evidente que no llegaron al concierto ni tienen intimidad con las obras de Orellana como para emitir un dictamen con conocimiento de causa. De ser así, hace rato que ellos mismos tendrían que haber apoyado la labor del creador de Evocación profunda y traslaciones de una marimba, Sacratávica –las voces de Río Negro, La tumba del Gran Lengua, todas estas y muchas más creadas antes de que cumpliera 65 años, una edad razonable para compensar de por vida al compositor más relevante de este país. A menos de un mes de cumplir 88, Joaquín agradece la pensión, pero empujado por su característico ingenio bromea que ahora será “muertelicia”, no vitalicia. Así, ¿estará a tiempo y en monto justo este reconocimiento como para sufragar la continuada labor de Orellana, preservar su obra y difundirla extensamente por el mundo?

Uno de los 12 congresistas que votaron en contra del decreto incluso se permitió cuestionar el otorgamiento porque, según él, muchos querrían ahora que se les otorgue una pensión similar. Aparte que ni dicho congresista ni tantos otros ostentan una mínima parte de los méritos de Orellana, lo que semejante aseveración demuestra es la ignorancia supina de lo que significa la producción simbólica de una nación, no solamente como un supuesto, sino como una contribución notable al desenvolvimiento de la economía y la sociedad. La previsión social de una vejez digna, saludable y segura no es un privilegio de quien pueda pagar; es un derecho fundamental de toda persona. Con mayor razón es el caso de quienes, dotados de una capacidad creativa sobresaliente, han dedicado toda su vida a compartir una producción brillante con los demás, sin egoísmo y con el afán de darle motivo de trascender a la existencia humana. ¡Bien por la mayoría del Legislativo, que supo identificar una de las razones de ser de dicho organismo y sancionó positivamente esta ayuda y este merecimiento para el maestro!

En el aire quedan, pues, mezcladas, la felicidad y la incertidumbre en cuanto al porvenir de nuestro compositor emblema. Tal y como lo reitera el final de una canción, aptamente encabezada Sin Título, compuesta en 2015 por Vinicio Molina, y en cuya grabación nos tomamos la libertad de incluir la voz de Orellana, grave y solemne, “la duda sigue, la duda sigue, la duda sigue”.

presto_non_troppo@yahoo.com

Walter Pérez como es conocido en el mundo artístico, tiene 22 años, los últimos cuatro han sido de auge en su carrera, le han dado la oportunidad de impregnar momentos especiales de la cultura guatemalteca y de darlos a conocer en diversas exposiciones.

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“Mi motivación son las comunidades indígenas, mi primer concurso fue en la escuela de la aldea Las Nubes, gané un concurso de pintura, desde allí decidí que me dedicaría a la pintura”, recuerda Walter.

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El artista se ha formado empíricamente y su trabajo le ha llamado la atención de los artistas reconocidos Mariano Chavajay de San Pedro La Luguna de Sololá; Rolando Aguilar y Eduardo Sac. De ellos ha aprendido varias técnicas, aunque mantiene un estilo propio que resaltan la cultura, el modo de vida de la población indígena guatemalteca y los paisajes.
Entre los principales temas en los que se inspira Walter Pérez está el maíz, jarros, personas y naturaleza.

Se considera un artista visual, porque plasma lo que observa entre una mezcla de colores.

Recientemente participó en una exposición realizada por el Colectivo Efraín Recinos y la galería Raíces en 2017. 

“Sueño como artista dar a conocer los principios de mi pueblo y llevarlos a diferentes partes del mundo, nuestro país debe pintarse de colores y no de violencia, hay que hacer un cambio porque es necesario, todos debemos alcanzar nuestros sueños”, refiere el artista quetzalteco.

Walter Pérez, le recomienda a los niños cumplir sus sueños para que alcancen sus metas y a las mujeres valorarse y luchar porque se respeten sus derechos.

La organización Xela AID le brindó una beca de estudios desde niños y le pagó seis meses de clases en San Pedro La Laguna con el maestro de la pintura Chavajay, quien es reconocido por su trabajo en el país y en extranjero. Ahora será patrocinado por la Organización Internacional de Embajadores del Arte compuesta por artistas famosos del mundo.

Exposición

El próximo viernes se inaugurará la exposición Color del Hilo del artista Walter Pérez, en el Centro Cultural Efraín Recinos. Se expondrán 35 obras con temas de las fiestas patronales, tejidos, ventas en los mercados y otros. 

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Una pintura de aerosol del esquivo artista callejero británico Banksy se destruyó después de ser vendida por US$1,3 millones.

La obra enmarcada “Girl With Balloon” (Niña con globo), una de las obras más conocidas del artista, fue subastada por la casa Sotheby's en Londres.

La pieza, que muestra a una niña tratando de alcanzar un globo con forma de corazón, era el trabajo final vendido en la subasta.

Sin embargo, momentos después de que el martillo marcara la venta, el lienzo pasó a través de una trituradora que estaba escondida dentro del marco.

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Al colgar una foto del momento en Instagram, Banksy escribió: “Desapareciendo, desapareciendo, desaparecida…”.

“Parece que acabamos de ser Banksy-zados”, dijo Alex Branczik, director senior y de arte contemporáneo en Europa de la casa de subastas.

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Going, going, gone…

Una publicación compartida de Banksy (@banksy) el 5 Oct, 2018 a las 6:45 PDT

Banksy se hizo famoso tras dibujar una serie de piezas de graffiti por todo Reino Unido.

Se cree que el enigmático artista creció en Bristol, pero su identidad ha permanecido en secreto a pesar de muchas especulaciones a lo largo de los años.

Entre sus trabajos recientes se encuentra la inauguración en 2015 de Dismaland, un parque temático al estilo de Disneylandia que él mismo describió como un “parque temático familiar no adecuado para niños”.

En 2017 “Girl With Balloon”, que apareció originalmente en una pared en Great Eastern Street, en Londres en 2006, fue votada como la obra de arte favorita del país.

La versión de la galería presentaba pintura en aerosol y acrílico sobre lienzo, montado sobre una tabla.

Sotheby's no ha revelado quién había comprado la pieza antes de que fuera triturada.

Por el momento no está claro si el contrato sigue vigente.

Branczik le dijo al Financial Times que la casa de subastas estaba tratando de “averiguar” qué significa la artimaña.

“No hemos experimentado esta situación en el pasado … donde una pintura se tritura de forma espontánea, al lograr un récord [prácticamente] para el artista”, aseguró.

“Estamos tratando de averiguar qué significa esto en el contexto de una subasta”.

¿Valdrá más ahora?

Las opiniones están divididas.

Algunos usuarios de las redes sociales han especulado que la broma podría haber hecho que la obra aumentesu valor.

Sin embargo, otros han cuestionado si el comprador todavía tendría que pagar por ella, o incluso si querría hacerlo.

¿Fue todo simplemente un engaño?

Ha habido algunas sugerencias de que Sotheby's pudo haber estado involucrada en el truco.

Sin embargo, la casa de subastas no lo ha confirmado.

En una declaración en su sitio web, describió el incidente como “inesperado” y dijo que se había convertido en “historia mundial del arte instantáneo”.

El misterio continúa.

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Estuardo Estupinián, vocero de esa institución, aseguró que la decisión fue tomada por la Dirección General de las Artes para “mejorar” la gestión del Teatro Nacional.

“Desde inicios de esta gestión se mantiene un plan permanente de evaluación del personal del ministerio”, explicó Estupinián, “y se tomó la decisión en aras de fortalecer el trabajo que se lleva a cabo en el CCMAA”.

El responsable de comunicación agregó que, por el momento, no se tiene información de quién le sustituirá en el cargo.

“Motivos políticos”

Según Roxana Ávila, que asumió ese rol en abril, se le dio a conocer la decisión esta tarde, la cual fue tomada por “motivos políticos”.

“La razón es política y están involucradas personas en cargos superiores [del Ministerio]”, comentó Ávila. “Es delicado el tema”.

Según la periodista, su gestión dentro del Teatro Nacional fue “significativa” pues se llevaron a cabo varios proyectos de remodelación, mientras que se estaban preparando trabajos de limpieza y restauración en diferentes áreas del centro, por lo que no cree que su trabajo haya sido el motivo para destituirla.

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“No fue nada que ver con mi gestión. Todas las personas que conocieron el Teatro como estaba antes notaron la diferencia. Lo que sí había era descontento por parte de los empleados que tenían años de laborar allí”, aseguró.

Ávila explicó que ya presentó denuncias legales en contra de algunos empleados y no descarga proceder legalmente en contra de su destitución. “No me presté a ciertas acciones con fines políticos e intereses por parte de las máximas autoridades del Ministerio”, declaró.

Se intentó conocer la postura del Ministerio sobre las declaraciones de Ávila, pero no hubo respuesta a las llamadas telefónicas.

Llegada polémica

Roxana Ávila se encargó de la administración del Teatro Nacional desde abril hasta octubre, después de que sustituyera a Álvaro Véliz en el puesto.

Ávila asumió el cargo mientras que un colectivo de artistas se oponía a esa asignación, al considerar que la labor de Véliz fue “una de las primeras gestiones importantes dentro de la institución”.

Los más de 40 artistas, incluidos el cineasta Jayro Bustamante y el músico Joaquín Orellana, también presentaron una carta dirigida al presidente Jimmy Morales y a José Luis Chea Urruela, ministro de Cultura y Deportes, para solicitar la restitución de Véliz.

Antes de llegar al CCMAA, Ávila trabajaba como periodista de investigación en el diario digital El Vigilante, y en abril, en declaraciones a ACAN-EFE, afirmó que no tenía vínculos con el presidente Morales ni con el hermano del mandatario, Sammy Morales.

Véliz, por su parte, estuvo más de dos años en el cargo de director.

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Fuertemente simbólico fue el momento en que una persona del público allegada al actual gobierno interrumpió con un reclamo el discurso de uno los patrocinadores de este concierto, acción que recibió unánime recriminación en redes sociales porque de alguna manera este suceso le dio un metafórico contraste entre la elocuente expresión de la obra y los lastres estructurales burocráticos que han mantenido a la deriva los indicadores de desarrollo humano, de los cuales el arte apenas plantea una visión distinta.

Por otra parte, el jueves último, otro artista visual de sólida trayectoria, Rudy Cotton, recibió por parte del gobierno de Francia, la Orden de las Artes y Letras en grado de oficial, por su amplia trayectoria como creador visual y promotor de la cultura. De orígenes humildes y nacido en San Marcos, Cotton es un pintor que reinventa sus temáticas con base en los grandes dramas históricos del país mediante un lenguaje siempre vanguardista.

El cineasta guatemalteco Julio Hernández Cordón fue seleccionado, por su más reciente película, Cómprame un revólver, dentro de las nominadas a los premios Fénix del cine Iberoamericano, otorgados en España, lo cual ya de por sí es una alta distinción porque se trata de un escrutinio exigente entre decenas de producciones de todo el continente, en las que Guatemala apenas empieza a incursionar.

Finaliza el mes de septiembre, el mes patrio con estas tres excelentes noticias: hechos creativos que honran a la nación con el fruto de perseverantes esfuerzos creativos que han vencido barreras y superado lastres como la falta de recursos o el poco énfasis que ponen las autoridades en apoyar las escuelas nacionales de arte, que sobreviven entre la falta de presupuesto y las deficiencias en sus instalaciones, en una auténtica lucha diaria de quijotes que lejos de encontrar eco a sus enormes aportes pueden encontrar a su vez muestras de intolerancia.

Si algo brindan los artistas a Guatemala, además de la elocuencia de sus obras es la noción de que otra realidad es posible, otras soluciones se pueden emprender, nuevos universos de ideas se encuentran latentes, siempre y cuando se tenga la debida capacidad de razonamiento crítico, la necesaria formación intelectual para contar con elementos de juicio y la elemental apertura al diálogo que constituyen una vacuna contra males como la intransigencia, las falacias y los discursos que socavan subrepticiamente el estado de Derecho y las más legítimas garantías hasta de las democracias más elementales.

Las distintas expresiones del arte abren la puerta al último resquicio de libertad, pero también elevan el orgullo nacional al plantear otras visiones sobre una realidad que la historia oficial pretende distorsionar.

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The Public Medal Award, la cual la eligió el público a través de una votación en la página web del evento, fue otorgada a los organizadores del proyecto.

La noticia la confirmó Diego Olivero, integrante del grupo encargado de la instalación, a través de sus redes sociales.

“Es un honor recibir The Public Medal Award de la Bienal de diseño de Londres“, dijo Olivero, “una instalación asombrosa que muestra de lo que estamos hechos los guatemaltecos”.

 

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Honored to receive The Public Medal Award at @london_design_biennale an amazing installation that shows what Guatemalans are really made of – I was fortunate enough to led the design efforts in collaboration with @sylvia_denburg and curator @cecilia_santamarina presented by @oliveroblandstudio which tells the story and impact of @pintandosantacatarinapalopo Much love and gratitude to amazing talents who have worked, created, developed and materialized an amazing exhibition. This award is to celebrate Guatemala , its culture, heritage, creativity and diversity. Visual Arts – @sade.designstudio Documentary – @chapinfilms – Photography @blahblahblahclick @mynorcaballeros Lighting Design @beam_ld – Assembly – @litestructures Logistics @jayhawkfineart @cpslogistics Special thanks to amazing team: @hwhitbeck @meliwhitbeck @smoreiragt @joannamatheu @juanoliverogt @gonzalo_pertile @blandthomas @claudiabosch @avelasquez_26 @krislhnh @lidiacumes @kmenocalc This installation is possible thanks to the support of: @cementos_progreso @armetgt @jaguarguatemala @dario.escobar @grupobuena @perenco @azasgua @cemaco @cpslogistics @tykespreschool @mesogoods @georgetennenbaum @karentennebaum @casapalopo @portahotelantigua @portahoteldellago – Ministerio de Economia – Ministerio de Relaciones Exteriores – Inguat #LDB18 Installation Photography @editphoto Medal Design @shimell_madden PR – @exposureuk #LDB18 #Guatemala #pintandoelcambio #palopo #designinstallation #artforchange #londondesignbiennale2018 #textiledesign

Una publicación compartida por Diego Olivero (@diegolivero) el 18 de Sep de 2018 a las 4:40 PDT

En el proyecto participaron 200 tejedoras guatemaltecas originarias de Santa Catarina Palopó, del departamento de Sololá, que mostró los colores, perspectivas e identidad de esa comunidad.

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Está inspirado, además, en el Lago de Atitlán y sus alrededores. Es, según los organizadores, una instalación interactiva que invita a los asistentes a la bienal a aprender del proyecto en Santa Catarina Palopó, desde una experiencia audiovisual y con miniaturas que interpretan los espacios de Santa Catarina Palopó.

Esa instalación se desprende del proyecto familiar promovido por Harris Whitbeck y su sobrina Melissa, quienes por medio de la pintura motivan un cambio en esa comunidad.

La London Design Biennale es una exhibición que reúne a 40 países, ciudades y terrotorios en un evento que se celebra en la Casa Somerset, en Londres, del 4 al 23 de septiembre.

El objetivo de la bienal es revelar cómo el diseño influencia nuestras emociones. Diseñadores, inventores y curadores se reúnen en la capital inglesa para conocer el impacto del diseño en cada uno de los aspectos de las vidas de las personas.

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Durante la actividad, se lanzará el segundo volumen de PRISMA, en el que se pueden apreciar obras de 40 fotógrafos nacionales emergentes. También habrá cine al aire libre, música en vivo, mapping, conversatorios y biblioteca móvil.

En el evento se presentará el Sistema de Orquestas de Guatemala, Kathy Palma, Ishto Juevez y Allonzo, entre otros.

De las aulas de La Fototeca se han formado  artistas reconocidos como Ana Werren, Margo Porres, Martín Wannam, Guillermo Gonzáles y Beatriz Zamora, cuyas obras se han expuesto en galerías nacionales e internacionales.

“Es una nueva generación de artistas contemporáneos que estamos viendo crecer en el país y lo estamos documentando a través de estas páginas y con el trabajo que ha realizado La Fototeca en estos últimos años”, indicó la directora Clara de Tezanos.

“Estamos hablando de temas más globales, más existenciales que nos embarcan en una  introspección que nos permite abordar conversaciones universales”, añade Tezanos.

Foto Prensa Libre: Sarah Caroline Müller / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Ligia García / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Kathy Bueso / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Adam Marroquín / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Carlos Montes / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Isabella Palomo / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Carlos Narciso / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Camila Juárez / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Andrea Osuna / Cortesía La Fototeca

¿Cómo asistir?

El evento será el sábado 15 de septiembre, de 11 a 23 horas, en el Museo de Arte Guatemala, 5a. Avenida Sur No. 40, Antigua Guatemala. La entrada es de Q100 e incluye una edición impresa del segundo volumen PRISMA. Se pueden adquirir en  La Fototeca, vía 6 3-56 zona 4, y en todoticket.com.

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En estos momentos y en este país, en que todo mundo se vuelve a agitar por la inveterada costumbre guatemalteca de hacer las cosas al revés, pareciera que no procede ocupar la atención con asuntos que no salgan en primera plana. Las cúpulas gobernantes, angustiadas con no perder su inmunidad. Los económicamente poderosos, llenos de ansiedad por no perder sus privilegios. Los sectores reaccionarios, asustados por el reconocimiento a la diversidad y la autodeterminación. Los que se escudan tras las armas, intimidados por la inteligencia y la razón. Los predicadores y los moralistas, atareados con disfrazar su perversión. Los desposeídos, siempre a punto de estallar sin lograrlo realmente. Mientras, florece la corrupción, abunda el “hay que hacer algo” y, desde su torre de marfil, cada cual no hace sino defender su precariedad, grande o pequeña.

Así, ¿qué tanto podría importar una efímera y torpe campaña publicitaria supuestamente diseñada para atraer a estudiantes universitarios? “Ya que no vas a volverte millonario cantando, #MejorEstudia en una de nuestras sedes y campus en todo el país”, decía el anuncio, infortunado y de semiótica extraviada. Pero todo tiene relación. En un entorno social conservador y pusilánime, no sorprende mucho que incluso un centro de formación superior acuda a clichés retrógrados de publicidad. Quizá sorprende un poco más que, en la cadena de mando de estos negocios, no haya habido uno que reflexionara lo suficiente para preguntarse lo obvio. ¿Quiénes son, en efecto, los millonarios? ¿Una mayoría de académicos, científicos y profesionales de la salud, de la educación, del derecho, de la construcción, de la tecnología? No precisamente. No son los que solían figurar en las páginas de color rosado en las antiguas guías telefónicas como licenciados, ingenieros y doctores. Son los que estaban —y siguen estando— en las páginas negras de la historia: políticos, mercaderes, explotadores y criminales, con uniforme y sin él. Allí es donde se conectan las dos cosas, cuando caemos en la cuenta que si las instituciones educativas no son capaces de dimensionar y valorar su propia razón de ser, ¿cómo va a hacerlo un grupo de improvisados, instalados en la administración pública por fuerzas oscuras y sanguinarias?

Por supuesto, la estrategia dio tan mal resultado desde el principio, que tuvieron que retirar la publicidad los mismos que la iniciaron. Probablemente, cuando se hable de recuerdos, ya fuera de contexto, aquello quedará como un resbalón sin mala fe y sin mayores consecuencias. Mas, si hablamos de este incidente como uno de las señales de una sociedad enferma –por leve que se antoje el síntoma–, empezaremos a comprender hacia dónde se dirige Guatemala y por qué. Desde esa óptica, el arte es entretenimiento nada más; permitir que los jóvenes se dediquen a él es fomentar la vagancia y la transgresión… En todo caso, para eso están los patéticos (digo: patrióticos) desfiles septembrinos en que los estudiantes desperdician (digo: invierten) buena parte del año escolar, en aras de una conciencia cínica (digo: cívica). Bajo esta lógica, en la universidad se deberán preparar para trabajar, devengar una paga y ganar dinero. Nada de pretender que se dediquen profesionalmente a la música, a la danza, a la pintura ni cuestión semejante, pues eventualmente encabezarán empresas y ocuparán cargos públicos. Pero, para entonces, el daño estará hecho.

Y es que, si ni siquiera estudiamos lo que decimos —y lo que decimos es la articulación de lo que pensamos (vale decir: ni siquiera pensamos antes de hablar), ¿a cuenta de qué le vamos a prescribir a alguien lo que debe estudiar o no estudiar?

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En este convergieron más de 350 educadores de todo el país para formarse con talleres artísticos e impartir las clases de Expresión artística estipuladas en el Currículo Nacional Base (CNB).

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Flor de María Armas, presidenta de la junta directiva de Clea Guatemala, expresó su satisfacción con el evento, en el que participaron artistas, maestros, y arte educadores de todo el territorio nacional, por ser un primer paso hacia la profesionalización de la educación artística.

“El departamento de Educación Artística del Ministerio de la Dirección General de Gestión de Calidad Educativa (Digecade) nos está apoyando con la convocatoria de docentes. La idea es que estos docentes regulares, que se encargan de impartir distintas artes y no tienen especialización, les estamos dando talleres de arte para darles herramientas artísticas”, explica Armas.

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Los talleres se impartieron por profesionales de cada rama, entre las cuales había dibujo, danza, música, pintura, expresión corporal, entre otras. La idea es que tanto profesores, como el público en general interesado, pueda tener un primer acercamiento al arte educación.

Además de eso, Clea, junto al Ministerio de Educación y de Cultura y la Organización de Estados Iberoamericanos, está implementando un plan piloto en 10 centros educativos donde se imparten tres sesiones de talleres de arte a la semana para docentes. En total participan 100 maestros.

“Este primer congreso viene a consolidar el programa. Aquí están recibiendo talleres complementarios. Además, se convocó a nivel nacional para que vinieran docentes de toda la república a capacitarse”, agrega Armas. Estos docentes que viajaron del interior del país fueron becados por el Mineduc.

Rina Flores, del Departamento de Educación Artística del Ministerio de Educación de la Dirección General de Calidad Educativa, explica que del término “Expresión Artística” se desprenden subáreas como: teatro, música, danza, movimiento creativo, medios audiovisuales, artes plásticas, fotografía y cine.

“Contamos a nivel nacional con maestros especializados en música, no tantos como requiere el sistema, pero sí se tienen. También tenemos algunos maestros que nos apoyan en las subáreas de teatro, danza y artes plásticas”, apunta Flores y agrega que para las materias como cine, donde no hay maestros especializados como lo requiere el CNB, se han implementado talleres y festivales de cine.

Flores asegura que hay dos grandes obstáculos para la arte educación: la falta de presupuesto y la resistencia de los participantes. El primero, explica Flores, lo han podido superar con colaboraciones con empresas privadas, organizaciones y entidades que trabajan por el arte. “La resistencia viene porque hay personas que ni siquiera saben qué es arte. Eso sí, una vez se les explica, esto se supera porque el arte encanta”, asegura.

Ante el reto de formar docentes especializados en cada una de las ramas de las artes, Flores asegura que el Ministerio de Educación tiene toda la disposición y coincide con Armas que Clea está gestionando las mesas de diálogo para implementar los bachilleratos en educación de arte, teatro y danza.

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Sara Curruchich y su éxito en Francia

Ixquiac (Quetzaltenango, 1947) estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla, desde donde se especializó en el grabado y exploró el paisajismo.

Su primera exposición en Guatemala fue en 1976, pero su trabajo ya había alcanzado galerías y espacios en París, Francia.

“Era un artista excelente, de los más cotizados y de mejor calidad”, dijo Luis Pedro Solís, de la Galería El Túnel. “Fue una persona bastante culta”.

“Era muy dedicado con su trabajo. Respetaba muchísimo sus obras y el valor de ellas. Siempre priorizó la calidad y no la cantidad. Reflexionaba cada pieza y hasta que no estaba satisfecho, no las exponía. Nunca se cansaba de recorrer sus obras y explorar la estética”, agregó.

Dentro de las exposiciones destacadas de Ixquiac Xicará está Rata, que se presentó en 1980 y 1981, una analogía del sistema que tuvo el reto de representar a un animal despreciado con un aspecto estético y atractivo.

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Además también exploró África, la cultura negra y sus diferentes manifestaciones, lo que quedó plasmado, principalmente, en trabajos de acuarela.

“Se especializó en la acuarela y eso lo llevó a exponer en Costa Rica y El Salvador, además de varios países más”, comentó el artista Arnoldo Ramírez Amaya. “Eventualmente, nuestra profesión nos hizo amigos”.

Éxito internacional

En 1975, Rolando Ixquiac Xicará expuso en la casa de América Latina en París, Francia. Posteriormente llevó su trabajo a más ciudades de Europa y América.

Solís apunta que el artista guatemalteco tuvo una estancia importante en la Isla de Gorea, en Senegal, donde consolidó el interés hacia áfrica.

Entre sus premios están el entregado por el Salón Internacional Xerox, en Panamá y en el Festival Internacional de Cagnes-sur-Mer, en Francia, en 1979.

Sus últimas exposiciones estuvieron a la vista del público en 2014 y 2015, en la Galería El Túnel.

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Ha llegado a su mayoría de edad canónica el principal festival de la cultura y el arte de la capital, que en esta ocasión se desarrolla desde el pasado jueves 9 y se extiende hasta el próximo sábado 18, en numerosas ubicaciones de la zona 1 de la Ciudad de Guatemala. Son dos décadas durante las cuales se ha lucido gran cantidad de exponentes de música, danza, teatro, artes visuales, cine, poesía, conferencias, talleres y visitas guiadas por el casco histórico, en un ambiente de fiesta. Diez días cada año, desde su fundación en 1998, que ponen a la vista lo que la cultura y el arte siempre han puesto a la vista: mientras más sea la acción artística y recreativa —a la vez evocadora de las tradiciones, pero también de proposiciones y manifestaciones actuales— más sentido cobra la existencia humana. A más arte y cultura, menos violencia y menos destrucción. No es una opinión aislada e ingenuamente desiderativa; hablamos aquí de estadísticas, estudios e informes fundamentados.

Esta vigésima primera edición del Festival del Centro Histórico lo confirma. Con el respaldo de la Municipalidad, el Ministerio de Cultura y Deportes, el Instituto Guatemalteco de Turismo y la Universidad de San Carlos, son más de 150 eventos gratuitos en más de 50 sedes entre las que se comprenden diversas salas de concierto, teatros, museos, centros culturales, galerías y espacios públicos. Un atractivo característico también lo constituyen los paseos por la arquitectura colonial y republicana del centro, una caminata nocturna, la evocación de un día de antaño en la feria y un recorrido para niños por varios museos de la zona 1. Sobre esto, el festival englobará la inauguración de la también vigésimo primera edición de la Bienal de Arte Paiz, este jueves 16 de agosto. Un franco despliegue de la incesante y muy relevante actividad de los artistas nacionales, con el bienvenido auspicio de las cuatro instituciones involucradas en la organización del festival y cuatro embajadas acreditadas en el país.

Para la semana que comienza, algunas sugerencias de índole excepcional que compartimos con nuestros amables lectores incluyen el recital “Música italiana para violonchelo solo” de Ricardo del Carmen, mañana lunes; el show “Sinatra” del Quinteto Ecléctico, así como el concierto “Dama y Caballeros de la Edad de las Luces” del Cuarteto Contemporáneo, el día martes; una interpretación de música medieval y celta por Erick Vásquez, el miércoles; un rockfest con Radio Universidad y un recital de arias de ópera con solistas de bel canto, el jueves; la intervención de la Orquesta de Cámara del Conservatorio Regional de Huehuetenango, “Ri Q’Ojöm Pangea” de BA Productions y “A través del tiempo” de Fundación Teoxché, el día viernes; “La Guitarra Barroca en Guatemala y el Viejo Continente” con Claudio Solares y “La Nostalgia del Cenzontle” con José y su Blues, el sábado, antes de concluir el festival. Estas son apenas algunas de las presentaciones que, tal cual se ha apuntado arriba, abarcan todas las disciplinas artísticas (además de las musicales) y una rica variedad de muestras con participaciones personales y colectivas dirigidas… a todas las personas y a todos los colectivos de la ciudad.

Los detalles de la agenda pueden consultarse en línea en la página web del festival: www.festivaldelcentrohistorico.com o en facebook, instagram y twitter @FCHGT. Para reservaciones y más información están disponibles los números telefónicos 2285-8950 al 52. Bienvenidas y bienvenidos a “Fiesta en el Centro”.

presto_non_troppo@yahoo.com

La 21 edición del Festival del Centro Histórico se inauguró este jueves con un concierto de Imox Jazz y varios músicos en la Plaza Mayor de la Constitución, en la zona 1 de la ciudad de Guatemala.

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Ese lugar, también conocido como la Plaza Central, reunirá desde este 9 al 18 de agosto a una variedad de eventos culturales, que también se trasladarán a museos, casas y galerías en el centro de la ciudad.

El Festival se celebra con la intención de recuperar el legado cultural del centro, mientras se promueve los edificios históricos que caracterizan a esa zona de la capital.

En el concierto que se llevó a cabo la noche de este jueves el pie lo puso Imox Jazz, una banda que trasciende en el panorama musical del país, junto con más artistas de instrumentos de viento, algunos de ellos miebros de la Escuela Municipal de Música.

#FiestaEnElCentro | Junto con integrantes de la Escuela Municipal de Música, @ImoxJazz interpreta un arreglo de "Amanecer", de Lester Godínez. pic.twitter.com/napU5C7UT5

— José Andrés Ochoa (@jochoa_pl) August 10, 2018

Durante los 10 días del Festival, el arte, la música, la danza, el teatro y hasta la arquitectura tendrán su espacio. Para tener una buena razón para visitar el centro, aquí le dejamos algunas actividades (y la curiosidad) para asistir.

• Viernes 10,  9 a 13 horas: recorrido Arquitectura Emblemática del Centro Histórico. Hacer cita por el 2285-8950 y 52.
• Viernes 10, 12 horas: apertura de la exposición Sverige A-Ö, de la embajada de Suecia, en el Mapa en Relieve, zona 2.
• Sábado 11, 9 a 12 horas: taller de escultura Seres místicos de Max Leiva, Paseo de la Sexta y 12 calle.
• Sábado 11, 15 a 21 horas: concierto Las alegres estudiantinas por el Centro Histórico, de Guatemala y de México, un recorrido por Paseo de la Sexta.
• Sábado 11, 17 horas: Danzas Regionales, del Ballet Moderno y Folclórico Nacional, Parque Centenario.
• Domingo 12, 16 horas: obra de teatro Zootopia, Universidad Popular.
• Lunes 13, 15 horas: taller de caligrafía con tinta china, embajada de China (Taiwán), Casa Ibargüen.
• Lunes 13, 19.30 horas: concierto de música barroca, Consorcio Barroco, iglesia Nuestra Señora del Carmen.
• Martes 14, 9 a 12 horas: recorrido Día de Antaño en la Feria. Hacer cita por el 2285-8950 y 52.
• Martes 14, 17.30 horas: conferencia “Sabores de feria: memorias y recetas”, Casa Municipal Barnoya García.
• Jueves 16, 19 horas: Cine de Antaño, Cinemateca Universitaria, Centro Cultural Universitario.
• Jueves 16, 18.30 horas: película rusa Somos del jazz (1983), Casa Ibargüen.
• Viernes 17, de  8 a 10 y de 16 a 18 horas: intervención A cada paso que das, Paseo de la Sexta, zona 1.

Puede consultar el programa completa en la página del festival.

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¿Quién tiene la razón: diputados o la Usac?

Godínez —músico y docente, promotor de la marimba guatemalteca— afirmó que su contrato como responsable del CCU no fue renovado por “motivos políticos”, pese a que desde la Dirección General de Extensión Universitaria (DGEU), entidad a la que pertenece la CCU, se justificó por razones económicas.

La decisión, bajo el criterio de Godínez, pretende “desmantelar” el centro, pues en lugar de sustituirlo en el cargo, se busca que quede sin autoridad inmediata.

“Que no prorroguen mi contrato no es sorprendente. Es verdaderamente triste porque no se piensa nombrar a otro jefe ya que supuestamente quieren ahorrar recursos; pero ese dinero, para el pago de mi salario, el cual es ya estaba dentro del presupuesto”, afirmó Godínez.

Se intentó contactar a las autoridades de la DGEU, pero no contestaron las llamadas.

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“Se me había ofrecido la plaza por seis meses más [hasta fin de año] pero me tomó por sorpresa que a última hora retiraron la oferta”, agregó.

Fin político

El músico considera que existen “deseos de desaparecer el CCU porque se ha visto como un obstáculo para disponer de las agrupaciones artísticas y los espacios culturales para fines políticos, algo a lo que me he opuesto en varias ocasiones”.

A Godínez también le tomó por sorpresa que este miércoles, al llegar a la sede del CCU en el Paraninfo Universitario, ubicado en la zona 1, encontró que la oficina de su cargo había sido “desmantelada”.

“Lo único que me dijeron que era por austeridad pero es por intereses políticos, pues ellos quieren mandar ahí”, comentó.

El Centro Cultural Universitario tiene bajo su administración diferentes grupos artísticos y culturales, como la Marimba de Concierto de la Usac, la Estudiantina Universitaria y el Teatro de Arte Universitario, entre otros colectivos.

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El vocablo “Metéora” procede del griego y su etimología alude a algo que flota por encima o se encuentra suspendido en el aire, de donde se deriva la palabra meteoro, con lo que se designa a los fenómenos atmosféricos en general. Su uso está documentado en las culturas occidentales hará unos seis siglos para referirse a manifestaciones tales como el viento, la lluvia, la nieve, el relámpago, el arcoíris y las auroras polares.

Si nos vamos al empleo de este término en otras instancias, encontraremos testimonios tan apartados el uno del otro, como el título de un icónico disco lanzado hace 15 años por el grupo de rock alternativo y rap metal, Linkin Park… O un personaje de dibujos animados que se caracteriza por ser posesiva y despiadada… O una obra del compositor guatemalteco Joaquín Orellana, fundamental para la música electrónica, no solamente en Centroamérica, sino en todo el continente latinoamericano… Y todas se basan en el nombre de unas formaciones rocosas en la región central del norte de Grecia. De impresionante masividad, verticalidad y altura sobre las llanuras circundantes, llegaron a verse coronadas por dos docenas de monasterios construidos a partir del Medioevo. Por lo mismo, resultaban aislados y de muy dificultosa accesibilidad. Uno de los seis edificios que todavía permanecen en uso es el de la Santa Trinidad, cuya foto en un folleto turístico capturó de tal manera la atención de Orellana siendo él un treintañero, que decidió darle el nombre de Metéora a la emblemática pieza que compuso y grabó en 1968 durante su estadía como becario del Instituto Torcuato di Tella, Buenos Aires, hace ya la mitad de un siglo.

Dos años más tarde, hizo una versión sinfónica que fue presentada bajo la dirección de Jorge Sarmientos en Guatemala, pero la partitura de orquesta lastimosamente se echó a perder; lo que queda es la magnífica grabación de la primera versión, con una duración de nueve minutos y medio. El original es un extraordinario registro en cinta magnética, de las sonoridades y resonancias de un piano vertical, aparentemente sin importancia, que Orellana aprovechó para grabar, procesar y editar hasta obtener una obra maestra. Su profesor, Francisco Kröpfl anticipó el éxito del compositor guatemalteco cuando subrepticiamente le prestaba las llaves para acceder al estudio de audio en horas inhábiles porque, a diferencia de los demás, “Orellana ya sabía lo que quería”.

Poco hubiera imaginado Orellana que el año pasado, a tiempo del estreno de su Sinfonía desde el Tercer Mundo —precisamente en Grecia— llegaría a visitar el monasterio que había inspirado el encabezado de su obra. Hoy, esa obra es referencial para un género de música que, por épocas, despierta entusiasmo entre la juventud. Hoy, también, los músicos jóvenes cuentan con la conveniencia de una tecnología muchísimo más económica, portátil y de fácil manejo que aquella que encontró el maestro en Argentina. Hoy, es lugar común recoger el sonido de vehículos, pregones callejeros y ruidos industriales para incluirlos en álbumes de música pop. Pero hoy, a medio siglo de su creación, Joaquín Orellana igualmente reflexiona sobre las contradicciones implícitas en el hecho de haber abierto brecha con Metéora. ¿Por qué este trabajo no se conoce más que en reducidos círculos de eruditos y algunos diletantes de la música de nuestro tiempo? ¿Por qué llega hasta lo insolente esa indiferencia, estatal y privada, que nunca contempla espacios para el desarrollo del arte contemporáneo y no asigna los recursos necesarios para la realización de proyectos de interés estético, así como la contratación y la adecuada remuneración de sus creadores?

A las 18.30 horas las puertas del majestuoso recinto cultural se abrieron para dejar entrar a los medios de comunicación, quienes fueron testigos de la monumental producción que Querido Arte ha preparado para sorprender a su público.

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La química entre los actores principales, producto de sus magistrales interpretaciones, y la combinación de sus voces envuelven a la sala para deleitar a quienes la escuchan; además, las melodías de la orquesta dirigida por el director asistente de Met Ópera de Nueva York, Nimrod David Pfeffer, ofrece el acompañamiento perfecto a los cantos.
La titánica puesta en escena combina a más 100 artistas, entre actores, coristas y extras, todos usando impresionantes trajes de época; con una elaborada escenografía hecha a base de plataformas movibles que cambian entre cada uno de los cuatro actos en los que está divida la ópera.

Cerca de 70 músicos integran la orquesta de Querido Arte, quienes interpretarán la música de Giacomo Puccini en la ópera La Bohème. pic.twitter.com/WH0HcYhvtV

— Pablo Juárez (@pjuarez_pl) July 25, 2018

La Bohème ofrece una interesante combinación de emociones con momentos divertidos y otros trágicos; además, la dirección escénica de la ópera, la estadounidense Mary Birnbaum, ha tenido la habilidad de crear momentos mágicos como la caída de nieve al comienzo del tercer acto o la escena del restaurante en la que se introduce al personaje de Musseta, interpretado por la canadiense Julia Dawson.
El artista argentino Gustavo Feulien, quien interpreta al músico Schaunard, dijo que el nivel de esta producción es comparable con el de los grandes receintos operáticos del mundo.
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“Es un espectáculo tremendo, con gran producción. La puesta -en escena-, la orquesta… yo me quedo sorprendido del coro y de las voces que hay en Guatemala. Esta compañía está empezando muy fuerte. Es el segundo montaje que hago con ellos y es de primer nivel con todas las letra”, refiere Feulien.

El argumento

La ópera se basa en la colección de historias de Henry Murger, Escenas de la vida de los bohemios, en la que narra las vicisitudes cotidianas de artistas de escasos recursos en París (Francia), durante la década de 1840.  La versión que presentarán este 28 de julio fue adaptada a 1890 por temas de logística en la elaboración vestuario.
La Bohème es una ópera de cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto escrito en italiano por Giuseppe Giacosa y Luigi Illica. Pertenece al género del verismo, que se caracteriza por dejar de lado temas como la mitología y la realeza para centrarse en asuntos cotidianos de los ciudadanos comunes.
“Los personajes principales son un grupo de artistas que viven juntos y no tienen dinero, por lo que viven la vida bohemia. Es una historia que se desarrolla de forma atractiva visual y musicalmente. Es una ópera hecha para entregarle al espectador la vida cotidiana con música”, refiere Chang, tenor que protagoniza la ópera.
“Esa opera no es una línea melódica perfecta, sino que le pide a los artistas que entreguen emoción pura al interpretar porque se retrata la vida real. Es bonito ver cómo los personajes evolucionan hasta llegar al desenlace”, refiere Morales, la soprano.

Si desea asistir al teatro para ver La Bohème ingresé a nuestra Agenda de Eventos y conozca los detalles

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Desde que fuera creado, el festival ha difundido el trabajo de más de mil fotógrafos y se han integrado 70 países por medio exhibiciones y actividades culturales. Ahora también existe el propósito de enfocarse en el talento dentro de Guatemala. De ahí parte toda la propuesta de este festival.

GuatePhoto 2018 tendrá el primer concurso nacional de fotografía Luis González Palma, en honor a este prestigioso profesional de la fotografía. Los organizadores esperan la participación de 500 a 1000 participantes que pongan su talento y creatividad en un tema libre en el que puedan expresarse a través de un lenguaje gráfico.

El reto de este año son series de 10 a 15 imágenes, de naturaleza artística, documental, periodística o personal.  Los organizadores refieren que se aceptan propuestas que combinen la imagen con otras disciplinas como videos e instalaciones o trabajos realizados a través de cualquier otro medio y/o dispositivo.

Dentro de los participantes se seleccionará a los mejores 10 y a un gran ganador, quienes expondrán su obra en el Festival que se realizará del 14 al 18 de noviembre. A diferencia de años anteriores, en el que las presentaciones se realizaban en diferentes puntos de la ciudad, esta vez será únicamente en 4 Grados Norte.

El primer premio recibirá Q20 mil en efectivo, más un vale de Q5 mil para impresión en La Fototeca, una beca de estudios, más una exhibición individual en el Espacio Satélite, que se presentará en el 2019.  La convocatoria está abierta hasta el 12 de octubre. Si quiere aplicar visite la página 2018.guatephoto.org.

Un libro y más sorpresas

Otra de las sorpresas que traerá GuatePhoto este año es la edición del libro: Lenguajes de Luz: Dos Siglos de Fotografía en Guatemala (XIX-XXI). El material es una investigación histórica y gráfica de la fotografía en Guatemala.

Su estructura está dividida en una revisión cronológica desde el surgimiento de la fotografía hacia mediados del siglo XIX en Europa, hasta la época contemporánea. Martín Fernández, director académico de Fototeca y curador del proyecto, explica que es un paseo por el encuentro con una Guatemala de antaño cuando extranjeros venían a tomar imágenes y etapas como el fotoperiodismo o la dinámica actual de nueva narrativa.

.@lafototeca para #Guatephoto18 presentará un libro que recopila la historia de 200 años de la fotografía en Guatemala. #LenguajesDeLuz pic.twitter.com/brwe5gjgwV

— Ingrid Reyes (@ireyes_pl) July 18, 2018

Clara de Tezanos, cofundadora y directora de La Fototeca, expresa que además este libro —que será traducido al inglés—es importante para nutrirse de conocimiento. Por el momento es posible reservar un ejemplar por medio de la página del lugar.

En noviembre 4 Grados Norte también tendrá de forma paralela música, una exposición de cámaras antiguas, una cámara oscura gigante, conversatorios, talleres, fiestas y bicitours como parte de una experiencia integral.

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La Feria Internacional del Libro en Guatemala (Filgua) abrió sus puertas de nuevo para promover la lectura, los libros y la cultura nacional e internacional.

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Además de ventas de libros de literatura, ciencias sociales, periodismo, infantiles, ilustrados y comics, entre otros, también habrá conciertos, proyecciones de cine alternativo, conferencias, presentaciones de libros, conversatorios y venta de comida. 

Previo a cortar el lazo de apertura, una ceremonia inaugural transcurrió con la participación musical de la Marimba de Conciertos de Bellas Artes y las ponencias de autoridades y organizadores. 


Raúl Figueroa Sarti, presidente de la Asociación Gremial de Editores de Guatemala, que se encarga de la organización del evento, destacó la intervención de los libreros, editores y gobierno para la gestión del evento, que se celebró por primera vez en el 2000. 

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Francisco Alejandro Méndez, quien obtuvo el Precio Nacional de Literatura Miguel Ángel Asturias 2017, mencionó la relación del autor de El señor presidente y Hombres de maíz, con Francia, país invitado de honor en la feria. 


Como parte de esa distinción, el embajador de Francia en Guatemala, Jean-Hughes Simon Michel, también participó en la inauguración. El diplomático mencionó el vínculo literario entre Guatemala y Francia, con autores como Antoine de Saint-Exupéry con el país centroamericano. 

El escritor Philippe Ollé-Laprune dio un repaso a la literatura francesa, su legado, autores, y las diferentes expresiones y corrientes que ha explorado a lo largo del Siglo XX y en la actualidad. 

Además de la invitación al país francófono, la feria es dedicada a Jesús Chico García, promotor cultural y gerente general de Artemis Libros. El gestor aprovechó el reconocimiento para mecionar a las diferentes librerias que existen en el país, como un espacio para la difusión de libros. 

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Aunque los involucrados en estos actos culturales no tienen registro del derrame económico que proporciona actualmente la cultura en la ciudad, consideran que son millones de quetzales, y opinan que es importantes cuantificar esos ingresos para que empresarios y autoridades valoren este ámbito en la economía.

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García explicó que festivales como el FIPQ promueven compras de boletos aéreos, consumo en restaurantes, hoteles y bares. “Viene mucha gente de otros lugares a participar, lo que mueve la economía”, afirmó.

Según el poeta y director del FIPQ, es importante tener y socializar una base de datos sobre el impacto económico de las actividades culturales en Xela. “No se tienen registros del derrame económico, pero es importante que se tengan, para demostrar la importancia de que las organizaciones privadas y públicas inviertan en la cultura”, acotó.

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Para García, uno de los inconvenientes para promover festivales y eventos culturales es la falta de infraestructura pública. “Nuestros tres espacios públicos destinados a la cultura son el Teatro Municipal, la Casa No´j y la Casa de la Cultura, pero solo el primero fue creado directamente para la expresión cultural; los otros dos fueron adaptados”, afirmó.

Posibilidad económica

Fabricio Amézquita, gestor cultural de Casa No´j, considera que a la economía que gira alrededor de las manifestaciones artísticas no se le ha dado la importancia que merece. “Se está empezando a volver a ver a la cultura como una posibilidad económica rentable”, explicó.

Amézquita destacó algunos proyectos de la ciudad que demuestran que es posible la autosostenibilidad. “Un ejemplo es El Teatrito, que por medio de lo que produce cada fin de semana está empezando a ser autosostenible. Hay otros restaurantes que le están apostando a tener manifestaciones culturales”, señaló. 

De acuerdo con el gestor cultural, algunas empresas ya se han percatado de que patrocinar actividades culturales deja ganancias. “Se están empezando a sumar porque ven que es rentable ser patrocinador de estos eventos. Hay un mercado, hay gente que consume el producto cultural”, refirió Amézquita.

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Artistas plásticos consideran que en la ciudad hace falta una cultura de invertir en piezas de arte, algo que debería cambiar en “algunos años”, ya que por ahora promueven esta práctica por medio de subastas y otros medios. 

“La cultura puede ser una de las formas de generar economía en la ciudad. Es necesario cambiar la percepción de que el artista es bohemio y lo hace por amor y sin retribución, algo que es diferente en Antigua Guatemala y Sololá,  donde se piensa en la retribución económica para el artista y no se cree que darle un espacio para demostrar su talento es hacerle un favor”, dijo Donald Urízar, gestor cultural e integrante de Poetry Slam Xela.

De acuerdo con Urízar, en la ciudad se requieren alianzas con la iniciativa privada. “Que los empresarios vean la dinámica cultural que está teniendo Quetzaltenango como una oportunidad estratégica para promocionar Xela como un destino cultural”, sugirió.

Los gestores coinciden en que la literatura y la música son las áreas que más aportan a la economía de Xela y que necesitan espacios adecuados para sus eventos, que son variados y deben ser difundidos.

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El Instituto de la Marimba por fin verá la luz

Diseñado por el maestro Efraín Recinos (1928-2011), el Centro Cultural Miguel Ángel Asturias (CCMAA) abrió sus puertas el 16 de junio de 1978, fecha que se celebra con el desarrollo del 14 Festival de Junio, cuyo programa se extiende a todo este mes con más de 60 actividades.

Construido sobre un terreno de ocho manzanas -93 mil 118.34 metros-, el edificio tiene referencias prehispánicas a la vez que guarda sintonía con el paisaje, al fundirse con los volcanes Agua, Fuego y Acatenango que se esconden en su estructura, la cual evoca la efigie de un jaguar recostado. Los colores de su fachada se hacen uno con el azul del cielo.

Este es un recinto funcional, así lo quería Recinos, pues cada rincón fue concebido para cultivar las artes. “El edificio tiene pintura, escultura, plástica, arquitectura y diseños mayas”, indica Rodolfo Ortega, quien conoce cada espacio del lugar y los pasadizos para llegar a ellos, pues desde hace 34 años guía a los turistas que visitan el teatro.  “El maestro creó este edificio pensando en que sirviera a la gente”, agrega.

Vieja al pasado

Marco Vinicio Asturias fue el arquitecto que comenzó la construcción en 1961, en la colina de San José Buena Vista, pero fue Recinos quien la convirtió en uno de los edificios emblemáticos del país. El CCMAA es hoy Patrimonio Cultural de la Nación, según Acuerdo Ministerial 882-2012, del Ministerio de Cultura y Deportes.

Los primeros planos del Teatro Nacional -nombre con el que suele llamarse a este centro cultural- muestran una estructura vertical, y de esta solo se colocaron los cimientos, pues su creador falleció en 1965. La obra se paralizó por seis años.

Recinos ya había construido el anfiteatro al aire libre que se ubica en el terreno, y fue llamado para dar continuidad al proyecto. Lejos del diseño original, ideó un edificio con líneas inclinadas, que sugieren una pirámide maya. Pero las formas del edificio también buscaban resolver el problema del paso de los aviones que despegan del Aeropuerto La Aurora.

“Todos los aviones se elevan por acá, y el viento trae todo el sonido por delante, si el muro lo hubieran dejado vertical como era el diseño original, al ir subiendo el avión, el sonido subiría y toparía, eso sería un problema. Viene el maestro y lo inclina; eso hace que el viento esté haciendo ondulaciones constantemente y que no afecte. Por eso son las formas del edificio, no es un antojo de él”, indica Ortega.

Los trabajos se iniciaron en 1971 y finalizaron siete años después. La construcción alcanzó un costo de Q18 millones 54,979.08.  “Cuando le preguntaban al maestro Recinos si este era un edificio ecléctico, decía: ‘No, es un diseño romántico expresivo’”, menciona el guía.

Rincones de arte

El Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, nombre que recibió en 1987 según Decreto Gubernativo 35-87, está conformado por varios espacios que se conectan entre sí. La Gran Sala Efraín Recinos es la más visitada y famosa, pero hay otros rincones ideados para difundir el arte y la cultura.

El Teatro de Cámara, Tras Bastidores, Salón Dorado, Las Terrazas, son parte del edificio, al que recién se sumó el Taller Museo Efraín Recinos.

En el exterior, rodeándola la monumental construcción están la Plaza Mayor, Mujeres y Maya. Además del Teatro al Aire Libre y el Instituto Nacional de la Marimba. En el complejo también se hallan la Escuela de Artes Plásticas y el Museo del Ejército.

“Este es el lugar más visible de la cultura”, menciona la directora del Teatro, Roxana Ávila. “Son 40 años de llevando cultura a la población, lo que también representa un reto, porque el paso del tiempo deja huella en el edificio y tenemos que velar por conservar este complejo monumental”, agrega.

Gran Sala Efraín Recinos

Al entrar, la vista topa ante un imponente escenario de 21 x 23 metros con lienzos rojos a sus costados, que combinan con las 2 mil 62 butacas distribuidas entre la Platea, Primer y Segundo Balcón y los Palcos laterales.

Pero hay cinco espacios destinados para invitados preferentes: el palco del director del teatro, el palco preferencial y el palco de prensa. Casi escondido a los  ojos de los asistentes, están los palcos para el presidente de la República y su vicepresidente.
Recinos puso especial atención a la acústica del lugar. Los palcos, según Ortega, son difusores de sonido. “Están cubiertos con una capa de papel que posee aluminio, toda la parte del palco es de madera. El techo es una concha de aluminio corrugado. Esto absorbe el sonido, y hace que viaje a 1.9 segundos”, agrega el guía.

En el escenario está el proscenio que desciende por medio de émbolos. Allí caben hasta cien músicos.

Teatro de Cámara Hugo Carrillo

Recinos disfrutaba de la música clásica, por eso diseñó un teatro de cámara. “El espacio estaba destinado para ubicar el sistema de engranaje de movimientos de escena mayor, pero ya no había dinero. Está este gran agujero, así que el maestro viene e improvisa haciendo el diseño de un pequeño teatro, una copia de la sala principal”, relata Ortega.

Tiene capacidad para 200 personas en el primer nivel y 105 en el segundo piso. El escenario y sus paredes son de madera de guapinol, guayacán y cenícero para mejorar la acústica. El cortinaje tiene 5 metros de alto.

Salón el Dorado

Este es un anexo a los camerinos, su nombre se debe a que tanto el piso como el techo estaban forrados con alfombra color dorado. En la pared aún se conserva un mural creado por Recinos.

Se concibió para que después de cada presentación los artistas subieran a esta área para dar conferencias de prensa, pero hoy es un salón de recepciones.
Tiene capacidad para 80 personas, lo cual se logra al mover una pared corrediza que pasa inadvertida al ojo de los visitantes.

Tras Batidores

Originalmente era un área de servicio de bar. Ahora funciona como La Sala de Cine, que busca acoger a los cinéfilos en busca de otro concepto de cine: películas de autor. Se acondicionó para recibir a 50 personas en cada función. El ambiente es relajado, con iluminación tenue y cómodos asientos. Tiene una pantalla de 2.20 metros de alto por 3.60 de ancho. Hay una barra de bebidas y comida.

Salón Terrazas

Esta es un área abierta que tiene comunicación con el Primer balcón, donde las asistentes al teatro podían tomar una copa o conversar durante los intermedios o después de cada función. Contaba con un espacio de la cocina y cafetería.
En la misma línea también figura el Salón Blanco y Negro. Actualmente ambos están deshabilitados.

Taller Museo Efraín Recinos

Quienes conocieron al maestro Efraín Recinos, aún pueden verlo trabajando en este lugar. Este es el taller donde pasaba largas jornadas. Allí laboró él de 1996 hasta el 30 de septiembre de 2011; dos días después murió, el 2 de octubre. El año pasado se abrió al público como un museo. Las paredes naranjas que lo ocultaban de la vista pública se sustituyeron por vidrio. El visitante puede observar varias mesas donde se exhiben sus bocetos, sus obras de arte, latas de pintura, pinceles, lápices de colores, su caos creativo, hasta los chalecos y los zapatos que usaba.

Teatro al Aire Libre

Se ubica en los alrededores del Teatro Nacional, fue la primera obra que Efraín Recinos diseñó dentro del centro cultural.
El escenario tiene capacidad para 55 actores, que son observados por 2 mil 300 espectadores sentados en bancas de cemento ubicados en media luna. A sus alrededores se ubican varias torres con iluminación que permiten realizar espectáculos nocturnos.
Este espacio lleva el nombre Otto René Castillo.

Instituto Nacional de la Marimba

El edificio fue ideado por Recinos para reinvindicar al instrumento nacional. Su diseño es el de una marimba estilizada y guarda armonía con el resto del complejo. Su construcción comenzó en 2005, y dos años después quedó paralizada. En el 2017 se retomó. Tendrá tres plantas: en la primera estará el Museo Etnográfico de la Marimba, en la segunda un auditorio y salones de ensayo, y en la planta alta un teatro al aire libre.

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“Sustrajeron del taller de mi padre más de 60 piezas, algunas eran esculturas, otras pinturas realizadas con óleos, acrílicos y pastel, así como diseños de joyería. Queremos prevenir a los coleccionistas, galerías de arte, y público en general para que no se dejen sorprender por las personas que desean comercializar de forma ilegal las obras”, declaró Mayari Rojas, hija del artista.
Según informó Rojas, las obras artísticas fueron sustraídas unos días antes de la muerte de su padre (18 de febrero 2018), y en el atraco también se llevaron una computadora que contenía archivos digitales del artista.

Para evitar falsificación

“Nos hemos enterado de que están imprimiendo y haciendo reproducciones de trabajos de mi padre y les hacen creer a los compradores que son originales”, dice consternada Rojas.
Las hijas de Rojas hacen un llamado para que las personas que adquieran obras de arte soliciten la respectiva certificación de autenticidad a través de la galería Arthis en Guatemala y galería Rojas y Ford en Estado Unidos.
“Los compradores que ya poseen un trabajo de mi padre y no cuentan con la certificación pueden escribir al correo electrónico galeriaarthis@gmail.com y gestionar la documentación sin ningún costo, y los compradores que todavía no han venido a traer su documento lo pueden hacer”, expresó Rojas.

El artista en números

• 10 exposiciones realizó al año, y en cada una mostró de 15 a 20 cuadros.
• 39 años fueron los más activos del artista (1967-2006).
• 2017 inauguró la galería en Miami, Estados Unidos.
• 1989 obtuvo el premio Cristóbal Colón Premio Iberoamericano, entregado por Juan Carlos de Borbón, rey de España en ese entonces.
• 75 años tenía el artista en el momento de su deceso.

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La fecha de apertura será este viernes 25 de mayo a las 17 horas, en el marco de la Noche de los Museos, cuando se celebrarán una variedad de eventos y exposiciones en diferentes lugares representativos del Centro Histórico y la ciudad.

El Museo del Registro, ubicado en la —9^a avenida 14-25 zona 1— pondrá a la disposición de los visitantes libros que datan de 1803, como las primeras propiedades anotadas por vecinos de la nueva Guatemala de la Asunción.

Entre otros documentos, también está el primer libro utilizado en 1877, año en el que se creó la entidad, y donde se registró la primera inscripción formal de una propiedad.

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Además también existen libros de inscripción de ferrocarriles y minas, así como mapas de Guatemala con fecha de 1862 y 1895.

También existe una exposición de fotografías de registradores como Enrique Martínez Sobra y Márquez, quien fungió como el primer registrador.

Historia

El Registro General de la Propiedad fue creado en 1877 durante el gobierno del general Justo Rufino Barrios. El edificio fue durante más de 40 años la sede de la Corte Suprema de Justicia, hasta que en el gobierno de Ubico se situó esa institución.

El diseño del edificio fue elaborado por los arquitectos Juan Bautista Domergue, de Francia, y Erick Kubah, de Alemania.

El Registro General de la Propiedad es la entidad del Estado encargada de emitir los títulos de propiedad en Guatemala.

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Surgido en el marco del nombramiento de la Ciudad de Guatemala como Capital Iberoamericana de la Cultura en 2015, el pasado viernes 18 se inauguró el Festival Cultural “Paseo de la Sexta”, ahora en su cuarta edición. Aunque las posibilidades de aquella designación no llegaron a usufructuarse plenamente en aquel momento, la permanencia y la proyección de este festival es un buen logro, con miras a ampliaciones futuras. Es, justamente, dar lugar a que la Plaza de la Constitución —el parque central, por su nombre popular— cada año adopte temporalmente las condiciones de una sede para poner el arte y la cultura al alcance de los habitantes de la ciudad.

Esta vez el evento abrió con una función de artes de circo y una presentación de música de big band, con participación de integrantes de la Sinfónica Municipal, músicos, actores, bailarines, acróbatas y malabaristas, como preludio de corte antañón a las muestras que se pueden apreciar en los espacios de la Plaza y del Parque Centenario. Ahora, como novedad, se proponen proyectos tales cuales el Túnel de los sentidos, del grupo Geomante; una instalación contemporánea del maestro Mario Santizo, denominada El estado real de las cosas; el mural Entre bolsas, alambres y tapitas, de Mónica Torrebiarte; así como la exposición de 2 mil 500 dibujos de niños y niñas, intitulado El parque de tus sueños. Adicionalmente se puede ver una exposición de retratos realizados en distintos medios por artistas de Guatemala, una proyección de cortometrajes del Festival Internacional Ícaro junto con películas de 13 países invitados, a más de otras intervenciones del espacio público y exhibiciones auspiciadas por las embajadas de dichos países. Sobre eso, hay aulas abiertas de las escuelas municipales, talleres, una feria del libro, recitales musicales, recorridos guiados y ofertas gastronómicas.

Como es natural, el crecimiento y la vigencia de este festival, que ya ha alcanzado a más de un millón de personas en los tres años anteriores, en buena medida encuentra su apoyo en patrocinadores comerciales, institucionales y diplomáticos. Es de aplaudir esta idea de acercar y facilitar varias manifestaciones artísticas a la población urbana, como un modo de apoyar la construcción de ciudadanía, para que estos valiosos empeños de la municipalidad capitalina se multipliquen en cuanto a la cantidad de acontecimientos y en más ubicaciones. Hará falta, entonces, un mayor involucramiento de los agentes culturales y redoblar esfuerzos tendientes a un mejor aprovechamiento y a una mayor difusión del arte nacional, particularmente en el ámbito del arte escénico —música, teatro, danza— para que no dependa casi por completo de pautas y modelos aceptados y de fácil asimilación, que todavía están a la zaga de las proposiciones mucho más logradas en artes visuales. El importante componente que representan la propuesta y los desafíos estéticos aún es un tema que precisa de una indagación y una profundización bastante más extensa, como una clave para el desarrollo y el valor formativo del evento.

La invitación es cordial y el acceso, bastante sencillo. Inclusive es factible coordinar visitas con guías municipales, por medio del número telefónico 2285-8878. El Festival Cultural estará abierto a todos y a todas, con opciones interesantes para los pequeños, hasta el próximo domingo 27, en horario de las 8 hasta las 19 horas, sin costo de admisión a ninguna de las actividades. Es decir, una semana completa para el esparcimiento y para disfrutar algo de lo mucho que ofrece el arte guatemalteco. Hoy mismo es un buen día para acudir al festival.

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Visitar un museo es una experiencia que alimenta el conocimiento, y si se es niño, aún más. Este viernes, Día internacional de los museos, es  buena oportunidad para acercar a los pequeños al arte, a la ciencia y a la historia que se resguarda en estos recintos.

¿CON PROBLEMAS PARA SALIR?

Estos son los museos que puede visitar desde la comodidad de su casa

En el país hay varios espacios que los niños pueden recorrer sin que su atención se pierda entre tantos objetos, pues las exhibiciones los atraparán desde el primer momento. Estos son algunos de esos sitios.

Casa Mima

Está ubicada en el Centro Histórico capitalino. En este museo los niños hacen un viaje imaginario a finales del siglo XIX, pues cada ambiente de la residencia alberga muebles, utensilios y piezas decorativas usadas por sus primeros habitantes. Durante este mes se exhibe Aviación en miniatura, una colección de aviones a escala con diseños que datan de 1903 hasta la actualidad. De lunes a viernes, de 10 a 17 horas, en 8a. avenida 14-12, zona 1. Ingreso: adultos, Q20; menores de 12 años, Q15.

Museo del ferrocarril

Locomotoras, vagones de pasajeros y de carga: cada objeto en este lugar refleja la historia ferroviaria del país. Los niños se emocionarán al estar a bordo de  un tren antiguo. Está abierto de martes a viernes de 9 a 16 horas, y fines de semana de 10 a 16 horas, en 9a. avenida 18-03, zona 1. Ingreso: Q2 y Q1.

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Museo de los Niños

Está en la zona 13. Es un espacio donde  los pequeños aprenden mientras juegan. Hay varias exhibiciones, una de ellas es Encaja2, sobre la inclusión, y un espacio de literatura infantil. El cuento de este mes es la familia. Viernes de 8.30 a 12 y  13 a 16.30 horas. Fin de semana: 9.30 a 13.30 y 14.30 a 18 horas. Ingreso: Q40.

Museo Nacional de Historia Natural

Insectos, aves y mamíferos disecados son parte de la colección que se exhibe en este espacio, como una muestra de la biodiversidad. Hay exposición de rocas y minerales; se puede aprender sobre el sistema planetario y la evolución de la Tierra. Visite el museo en la zona 13, de martes a domingo, de 9 a 16 horas. Ingreso: Q2.

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Javier del Cid, uno de los organizadores, indicó que en la actividad participaron unas 150 personas, ya que el mensaje es que el arte y el deporte pueden cambiar a la sociedad.

Añadió que el uso del espacio público es el empoderamiento ciudadano para motivar el cambio en Guatemala.

Recordó que este es el séptimo año que llevan a cabo el festival que comprende 47 murales y participaron cinco artistas nacionales y 11 internacionales, sumado a más personas que se sumaron para plasmar su creatividad.  

Explicó que la temática de este año fue Animales Maestros, pues en cada mural se plasmó un mensaje para hacer un llamado a cuidar a los animales y proteger el ambiente.

“Se vivió un ambiente de paz y se busca hacer conciencia de lo importante que es el entorno”, manifestó Del Cid.
Dijo que se mejoró el entorno en el sector de El Granero, pues el color es importante para generar cambios.

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El evento que culminó este domingo contó con el apoyo de la iniciativa privada y el apoyo de la Municipalidad de Guatemala. 

Entre los murales está uno para dignificar a José Putul, un guatemalteco al que la violencia le arrebató la vida en el 2017.

La organización Jóvenes Contra la Violencia informó que la obra de arte se denomina “Mural Colaborativo por la Vida que brinda un homenaje a la vida.

Detalla que José vendía mariscos en Villa Nueva y se caracterizaba por ser una persona luchadora y responsable.

Este guatemalteco perdió la vida de forma violenta, luego de que delincuentes intentaron robarle sus pertenencias y le causaron varias heridas con arma cortante.  La historia de José es el ejemplo de lo que a diario viven muchas familias guatemaltecas que son víctimas de la violencia.

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Sandra Putul, hija de José, indicó que el mural dignifica a su padre, quien era trabajador y también resalta a la vida. Añadió que estamos expuestos a la violencia, por lo que pidió que la vida debe ser respetada y valorada.

Agregó que el mural destaca que todos los guatemaltecos son importantes, por lo que la justicia debe ser equitativa.

“Todos merecemos respeto, sin importan nuestra posición económica”, expresó Sandra Putul.

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Una pintura del artista mexicano Diego Rivera fue vendida en Nueva York a un precio de US$9,76 millones, el precio más alto pagado por una obra de arte latinoamericana en una subasta.

El récord anterior le pertenecía a Frida Kahlo, con quien Rivera tuvo una relación amorosa entre las décadas de 1930 y 1950.

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La pintura de Kahlo, titulada “Dos desnudos en el bosque (la tierra misma)“, había alcanzado un valor de casi US$8 millones cuando fue vendida en 2016.

Pero “Los Rivales“, vendida por la casa de subasta Christie's a un coleccionista anónimo, ahora ha fijado una nueva marca entre las obras procedentes de América Latina.

La colorida pintura en óleo a gran formato representa a dos hombres que asisten a una fiesta tradicional mexicana.

“'Los Rivales', inspirada en una fiesta local del estado de Oaxaca, se expresa magistralmente a través de la interacción de planos y colores, figuras bellamente delineadas y formas reducidas a su esencia”, resaltó Virgilio Garza, el director de Arte Latinoamericano de Christie's, cuando se anunció la subasta.

La mayor colección a la venta

La venta se dio como parte de un gran lote de la colección privada del multimillonario estadounidense David Rockefeller y su esposa Peggy Rockefeller.

Se trata de la más grande subasta de una colección de arte de un solo propietario que se haya dado en Nueva York.

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Abby Rockefeller, la madre de David Rockefeller, pidió a Rivera que pintara “Los Rivales” para su colección personal.

El mexicano la realizó a bordo del barco que lo transportó junto a Frida Kahlo a Nueva York antes de su primera exposición en el Museo de Arte Moderno de esa ciudad en 1931.

La obra “fue la tarjeta de presentación de Rivera a su llegada a Nueva York“, aseguró Virgilio Garza, de Christie's.

En 1941, Abby Rockefeller regaló el cuadro a David y a su esposa Peggy, quienes la colocaron en una posición prominente en la sala de su casa en Seal Harbor, Maine.

Otra obra de Rivera, “Baile de Tehuantepec”, vendida en 2016 US$15,7 millones tiene el récord de la pintura latinoamericana que más valor ha alcanzado en una venta, no solo en una subasta.

En el marco del 98 aniversario de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP), autoridades de ese lugar eligieron a la artista Isabel Ruiz como acreedora de la “Orden Rafael Rodríguez Padilla al Mérito”, quien también da nombre de la institución.

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Por motivos de salud, la artista de 73 años de edad no pudo asistir al evento. Los organizadores indicaron que en una ceremonia posterior, en casa de Ruiz, se le entregará el busto conmemorativo. 

Al evento asistieron artistas ya reconocidos por la institución como Ana María Sobral, Manolo Gallardo, Víctor Manuel Aragón, Ernesto Boesche Rizzo, Elena Mendoza y José “Pepo” Toledo. 

La ceremonia fue conducida por el también artista Fernando Valdiviezo, quien destacó el legado de Ruiz, la influencia de la ENAP en su obra, y la disrupción que creó en Guatemala el grupo Vértebra, que influyó en la formación de la maestra.

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“Isabel Ruiz es una de esas personas que tuvo la valentía de hacer valer su nombre y su opinión en una sociedad que necesita que la gente se exprese”, comentó Valdiviezo. “Casi 50 años de trayectoria avalan ese nombre”. 

“Se reconoce su gran aporte cultural y legado artístico”, expresó Otto Arana, director de la ENAP, quien también destacó a la institución por el 98 aniversario de funciones, dedicado a formar artistas en el país. 

Isabel Ruiz nació en la ciudad de Guatemala en 1945. Ha destacado por sus trabajos en la acuarela y el grabado, además de instalaciones y performance. Ha sido docente, además de exponer en Guatemala, Dinamarca, México, Venezuela, El Salvador, Costa Rica, Honduras y Estados Unidos. 

En 2017, recibió el premio Carlos Mérida, entregado por el Ministerio de Cultura y Deportes, como un reconocimiento a su trayectoria artística. 

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Se caería el cielo que está sobre “El grito”, la desoladora pintura de Edvard Munch. Saquemos el naranja y todo, desde la cálida gloria eterna de las tumbas egipcias hasta la atormentada barba de los autorretratos de Vincent van Gogh, se desvanecería.

Un sabio árbitro entre el rojo furioso y el implacable amarillo, el naranja es el pigmento sobre el que gira la pintura, una bisagra que le permite a una obra de arte oscilar entre estados opuestos del ser: entre este mundo y el más allá, entre la vida y la muerte.

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Fuera del marco de la historia del arte, el naranja ha probado ser un símbolo inusualmente flexible y ha florecido en un amplio espectro de formas y significados culturales.

Aunque la influyente casa real europea de los Orange (naranja, en inglés) tiene ese nombre desde mucho antes de que se acuñara el del color (alrededor del año 1540), su prominente descendiente Guillermo III, más conocido como Guillermo de Orange, abrazó pronto la coincidencia lingüística, allá por 1570.

Fue su bandera naranja, blanca y azul la que se convertiría en precursora de la actual insignia tricolor de Holanda.

A partir de allí, el naranja se tomó el protagonismo en espacios variopintos, desde los carros de bomberos en Suiza hasta los trajes que llevan los astronautas de la Estación Espacial Internacional.

Pero ha sido en el reino del arte y la estética donde el color ha dado sus frutos más notorios.

Desde la antigüedad hasta el final del siglo XIX, un mineral volcánico hallado en fumarolas sulfurosas fue la principal fuente para la producción del pigmento naranja.

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El altamente tóxico oropimento -así se conoce- es rico en arsénico y madura de un amarillo meloso hacia un furioso naranja cuando se lo pone al fuego.

Convencidos de que el brillo luminoso del oropimento debía ser un ingrediente clave en la creación de la piedra filosofal, durante siglos los alquimistas se expusieron sin reservas al contacto con esta sustancia tóxica.

Y también lo hicieron los artistas. Adentrarse en el misterio oculto del naranja era coquetear, a un tiempo, con la mortalidad y la inmortalidad.

Una chispa

De manera intencional o no, ese aura ambigua es irreprimible cuando el naranja aparece en el arte.

Tomemos por ejemplo al pintor del Rococó francés Jean-Honoré Fragonard y su retrato de un escritor en un momento de éxtasis. El cuadro, titulado “Inspiración”, data de 1769.

La chaqueta de felpa amenaza con tomarse la figura alegórica del poeta, cuya imaginación ha comenzado a encenderse.

El terciopelo arrugado se convierte así en un reflejo visible de la mente del escritor.

Este momento de ensoñación que ilumina al sujeto, como si viniera desde dentro de su alma, podrá asegurarle su fama como un bardo célebre o, en cambio, hacerle arder su humanidad completa.

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Haber pintado en otro color distinto al naranja le habría quitado fuerza a la obra.

Ahora demos un salto en el tiempo. No es posible imaginar el “Autorretrato con aureola y serpiente“, pintado por el post-impresionista Paul Gauguin un siglo después de la obra de Fragonard, en otro color distinto al naranja.

Más precisamente, las dos tonalidades naranjas rivales que dominan y dividen la superficie del cuadro en dos territorios, el de la piedad y el de la maldad.

Creado por Gauguin cuando vivía en Le Pouldu, un pueblo pesquero de Francia, este trabajo representa, en su parte superior, una santa indiferencia frente a las tentaciones humanas, simbolizadas por la fruta prohibida.

Para que nos quede claro el objetivo de esta porción de la pintura, el artista se dibuja allí autocoronado con una aureola angelical.

En tanto, la parte inferior del panel revela una vulnerabilidad incontenible ante la maldad, presentada como la seductora serpiente del Jardín del Edén enredada en la mano del artista.

Frontera precaria

Y así se repite, trabajo tras trabajo, siglo tras siglo: donde el naranja dicta la temperatura de una obra de arte, nosotros sabemos que hemos arribado a ese precario límite entre un universo que podemos ver y uno misterioso y desconocido que tentativamente podemos sentir.

¿De qué otra manera podrías describir el espacio en el que el rostro desfigurado del héroe de Munch aúlla bajo un extraño cielo en llamas color canela en “El grito”?

¿Cómo más puedes describir el espacio eterno en el que los danzarines del icónico cuadro “El baile“, de Henri Matisse, giran de forma apocalíptica al borde del olvido?

Este cuadro, que fue comisionado en 1909 por un hombre de negocios ruso para adornar la escalera de su mansión, tal vez pueda parecer a primera vista una apoteosis de encanto rítmico y levitación sincronizada.

Pero el inquietante matiz durazno de los cinco cuerpos desnudos es una señal de que algo más complejo y peligroso está en juego.

Dos de los bailarines, los que se estiran en el primer plano de la obra, han perdido la conexión entre sus manos, mientras que la que está más cerca del espectador comienza a resbalarse sobre el piso, con su pie izquierdo a punto de salirse del cuadro.

Lejos de representar una escena de alegría despreocupada, esta obra maestra cuidadosamente coreografiada por Matisse se tambalea sobre un desastre cósmico, la mismísima rotación de la Tierra es peligrosamente puesta en duda.

Alerta ámbar

Munch y Matisse establecieron el tono, de algún modo, del portentoso temperamento que adquirió el naranja en el arte moderno y contemporáneo.

A través del siglo XX, la ominosa refulgencia del naranja se encontrará a sí misma reflejada -aunque de formas variadas- en el trabajo de todos, desde Francis Bacon y su elección de este color como telón siniestro del perturbador “Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión” (1944) hasta René Magritte y su “El arte de vivir” (1967), donde el color se infla casi hasta el punto de hacer estallar un cráneo redondo y surrealista.

Los pigmentos sincopados y los estremecimientos de “Ritmo” y otras obras de la francesa de origen ucraniano Sonia Delaunay demuestran la importancia del naranja para el trabajo y la imaginación de esta artista.

Eso, pese a que Delaunay una vez protestó: “Sabes que no me gusta el naranja“. Le guste o no, el naranja es con frecuencia el calor que sostiene -a la vez que amenaza con desbaratar- la música visual de sus mosaicos sinuosos.

Tras el papel crucial que ha tenido en la historia del arte hasta fines del siglo pasado, el color naranja ha teñido de forma indeleble la conciencia artística contemporánea.

Entre las obras más famosas del nuevo milenio se cuenta “Las puertas”, del dúo conformado por el artista búlgaro Christo Yavacheff y la francesa Jeanne-Claude. Con esta instalación colonizaron el Parque Central de Nueva York en febrero de 2005, usando más de 7.500 pórticos, cada uno con una tela de nylon naranja que flameaba al viento.

La sucesión lírica de los arcos, que aludía con sentido poético a las inagotables idas y venidas de la vida -nacimientos y renacimientos, mortalidad y eternidad-, sólo podría haber sido hecha en ese rabioso color azafrán.

Para algunos, el color aludía a las túnicas de los monjes budistas. Pero en mi opinión, Christo y Jeanne-Claude (que murió cuatro años más tarde) buscaban reavivar una llama sagrada e invitar a los visitantes a desnudar sus almas cansadas ante el poder transformador del más místico de los tintes de la antigüedad: el naranja.

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Definido como la práctica y la técnica para ordenar adecuadamente un conjunto de cosas, el coleccionismo ha acompañado al ser humano desde tiempos remotos. De esto pueden dar prueba innumerables vestigios arqueológicos que los exploradores e investigadores no han hallado dispersos al azar, sino siguiendo alguna disposición sistemática, desde cavernas y entierros antiguos, hasta edificaciones y espacios intencionalmente diseñados para ello. Hablamos de razones rituales para crear series y juntas de objetos, pero también de razones simbólicas, tales como exponer riquezas, trofeos, conocimientos exclusivos, poder. Hay motivaciones a cuales más variadas: superstición, acumulación, ostentación y, eventualmente, una genuina valoración de aquello que se colecciona.

Esto último, apreciar y disfrutar —de una manera histórica y estéticamente informada– la producción de pintores, escultores, fotógrafos y creadores de instalaciones hoy día es de particular importancia en el mundo de las artes visuales, pues lleva a los coleccionistas a invertir cuantiosos recursos en piezas existentes e inclusive a comisionar piezas nuevas, bajo pedido. Esto también está muy lejos de simplemente comprar un cuadro porque juega bien con el amueblado de la sala… o imaginar que se le está haciendo un favor al autor porque anda necesitado de dinero… Hemos de recordar que lo que ahora llamamos arte es bastante diferente de lo que otrora eran enseres útiles y no se consideraron como obras de arte sino hasta fallecidos sus productores, pasados los años, o los siglos, bajo una visión relativamente reciente en el transcurso del tiempo. El retrato-legado que alguien encargó pintar para aleccionar a sus herederos en su casa, se transforma así en la pieza-contemplación que tiempo después cuelga en una galería, para eventualmente convertirse en el bien-refugio que se vende, se subasta y pasa a figurar en enciclopedias y en los textos casi ininteligibles de tantos curadores (curador = ¡persona designada para cuidar de otra cuya capacidad se califica como “limitada”…!)

Una muestra muy interesante y valiosa, que pone en palestra estos temas y otros más, se abrió este mes y permanecerá a la vista del público hasta fines de junio, gracias a los continuados esfuerzos de la Fundación Rozas-Botrán, en celebración de los 20 años del Festival Arte en Mayo. Más de cien artistas guatemaltecos, salvadoreños y de algunos países de Latinoamérica se ven representados en cuatro locales (Zona 14, Paseo Cayalá, Museo Unis y el Museo Nacional de Arte Moderno) y comprueban, una vez más, el extraordinario nivel de expresión que siempre han desplegado los cultivadores del arte visual de Guatemala, por encima de las otras manifestaciones del arte en nuestro medio. La exhibición está orientada a promover la adquisición de las piezas expuestas, con el objetivo de seguir financiando las labores de instituciones médicas y asistencia social que dicha fundación respalda, pero la admisión general e incluso las visitas guiadas a coleccionistas son gratuitas. El propio catálogo de la muestra, magníficamente impreso, es una pieza de colección en sí misma.

Así, pues, más allá de los aspectos materiales del coleccionismo, tomo prestado el texto del catálogo a fin de corroborar que lo que se busca es “una plataforma para el debate y la reflexión del conjunto de disciplinas artísticas visuales que posibilitan la comunicación, el desarrollo intelectual y la sensibilización de los seres humanos” precisamente por intermedio del arte. Ojalá esto se entendiera –y se aplicara en igual medida– en el ámbito de las artes escénicas en este país.

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Se cree que más de la mitad de la colección del museo, ubicado en el sur de Francia, es falsa.

Las pinturas tienen un valor de alrededor US$192.000.

El personal del museo no estaba al tanto de las falsificaciones hasta que Eric Forcada, un historiador de arte que visitó el recinto lo alertó de sus sospechas.

Las autoridades del municipio de Elne, ubicado en el departamento de los Pirineos Orientales, habían comprado las pinturas, los dibujos y las acuarelas para el museo en un período de 20 años.

Forcada contactó el museo hace varios meses para expresar sus dudas sobre la autenticidad de las pinturas.

El museo reunió a un comité de expertos del mundo de la cultura, el cual se encargó de inspeccionar las obras y concluyó que 82 de ellas no habían sido pintadas por el artista nacido en Elne.

“Un desastre”

La noticia se dio a conocer el viernes cuando el museo volvió a abrir sus puertas después de un proceso de restauración.

El alcalde de la ciudad de los Pirineos, Yves Barniol, dijo en una entrevista concedida el viernes que la situación era “un desastre” y se disculpó con quienes visitaron el museo de buena fe.

Terrus nació en 1857 y murió en 1922 en Elne, aunque vivió la mayor parte de su vida en el Rosellón, también pasó tiempo en los Pirineos Orientales.

Fue un amigo muy cercano del pintor Henri Matisse.

Algunas de las pinturas falsas muestran edificios que fueron construidos después de la muerte de Terrus, dijo la cadena de televisión France 3.

El ayuntamiento ha presentado una queja contra quienes ordenaron, pintaron o vendieron las pinturas falsas, mientras que la policía local está investigando el caso.

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Dentro de esas reparaciones se encuentra la fachada, la terraza y demás áreas externas del edificio, que no recibieron el tratamiento correspondiente y con el paso de los años, además de eventos naturales como sismos, se han desgastado.

Una de esas restauraciones es la de los muros que se encuentran en las partes aledañas a los patios internos, que fueron pintadas de color amarillo.

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Esa decisión responde al hallazgo que hizo el equipo de restauración en el que, al limpiar esas paredes, descubrieron que el mostaza era su color original.

#ATrabajar | Q40 millones será lo que se invertirán en la restauración del Palacio Nacional de la Cultura en dos años, afirma el Ministro @cheaurruela . pic.twitter.com/bxgFgN8217

— Ministerio de Cultura y Deportes de Guatemala (@McdGuate) February 19, 2018

“La intención del proyecto de rescate es conservar la estructura”, dijo Luis Felipe Cuyán, maestro de obras, a la Revista D.

El Ministerio de Cultura y Deportes invertirá alrededor de Q40 millones para completar las dos fases de trabajo, según dijo el titular de esa cartera, José Luis Chea Urruela.

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Curiosidades:

Cuyán, maestro de obras, comentó que al reparar las fisuras del Salón de Recepciones, quedaron expuestos unos ladrillos. Antes de volverlos a cubrir con repello y pintura, los restauradores advirtieron que tenían marcas, al verlas detenidamente reconocieron que eran esvásticas, el símbolo utilizado por los nazis. El edificio fue construido en la época en que Jorge Ubico fue presidente y él simpatizó con la Alemania Nazi.

Según Jose Luis Chea Urruela, ministro de Cultura y Deportes, la restauración del Palacio durará el resto del año y parte del 2019.  La cartera a su cargo ha erogado Q10 millones de los Q23 millones de la primera fase del plan.  El costo total roza los Q40 millones.

Daños por sismos del 14  y 22 de junio del 2017

Salón de Recepciones: se localizaron fizuras cerca de la cúpula, y tres de sus esquinas muestran fallas por torsión en los capiteles de las columnas. También hay grietas que atraviesan el salón de este a oeste, y en los vitrales 2 y 6.
Azotea: en el torreón central, en el ala oeste de dicha fachada existe una separación entre 10 y 12 milímetros. Entre los arcos 1 y 2 de sur a norte del segundo piso, existe una grieta en la fachada oeste del Patio de La Paz. Hay otra horizontal en la cornisa del tercer piso de la fachada oeste, y con otro sismo corre el riesgo de desprenderse.
Segundo piso: en la Sala 16 del segundo piso, Patio de La Cultura ala sur, se evidenció que el muro de la sala manifiesta un agrietamiento en la parte oriental del vano de la ventana —espacio sin construcción—.
Fuga de agua: a nivel del piso y en la base del muro norte del servicio sanitario para hombres en el primer nivel en el Patio de la Cultura ala este. También en el baño ubicado en el área sur oeste del segundo piso del mismo patio. Postes
Poste de iluminación del Palacio: localizado sobre la 6a. calle, ubicado en la esquina sureste del edificio, se corrió casi 15 centímetros de su base, en con el primer sismo. Con el segundo temblor se corrieron otros dos de su lugar.
Además, existen desprendimientos de elementos arquitectónicos que ya manifestaban un deterioro y con los sismos se desprendieron elementos de concreto.

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En abril, cuando  se celebra el mes de la Tierra, suceden cosas sorprendentes. Coinciden con la fecha, desde originales shows de moda en reservas privadas inspirados en la naturaleza, como exposiciones de arte con grandes artistas de la plástica. El primero se llama Respira Profundo, de Saul E. Méndez, y es un festival donde tanto la moda como el bosque se fusionan en uno solo, para alzar nuestra voz para realinear nuestros intereses a los del planeta.

Este festival es un regalo de la naturaleza para ser saboreado, palpado, observado y querido entre el glamur de la moda de Saúl. Desde 1995, Saúl ha creado grandes producciones y esta es una de ellas.

“¿Por qué querrá Saúl dedicar el tema del medioambiente al evento de moda que produce?” Primero porque está en el mes de la Tierra y siente que hay que hacer un alto al manejo irracional de nuestros recursos naturales. Segundo, porque hay que tender puentes en vez de abismos entre sectores, líderes y regiones. Tercero, porque ya es hora de unirnos para desechar la polarización.

Tal y como lo dice la invitación: “Esto te va a doler. El río Motagua, el río más largo de Guatemala, ahora es el desagüe más grande de Centroamérica”.

Días después, en Antigua Guatemala estará de gala, al abrir la exposición de arte Penso —Creo, en italiano—, de Mendel Samayoa, quien además de artista de la plástica es director de cine y productor, fotógrafo, escenógrafo y escultor. Quizá por mi sensibilidad de ambientalista veo en sus pinturas siluetas vestidas de naturaleza. Las veo como que saliesen fuera del marco y cobraran vida. También reconozco en ellas elementos de agua, viento, fuego, tierra, lluvia. Todas aparecen de forma surrealista y mágica. Penso es la tercera de las exposiciones de Mendel este año en Antigua.

Abrió en Quetzaltenango con Relatos Asimétricos 4, en la Casa de la Cultura.

Su primera exposición la hizo muy joven, siendo aún estudiante de arquitectura de la Usac. Luego residió en Santiago de Chile durante 10 años y se inició en el expresionismo. Allá trazó su principal estilo, con sus primeras incursiones en óleo.

A su regreso, Mendel residió en Antigua Guatemala donde impartió cursos de expresión y arte en la famosa galería El Sitio. No me extraña que en el 2004 haya fundado, junto a tres colegas arquitectos/pintores, un colectivo artístico basado en una técnica poco ortodoxa y totalmente innovadora de pintar en vivo, en la calle, hasta completar una sola obra de arte final. Finalmente fundó una galería taller con el nombre de Caos, que aún existe y donde han expuesto grandes de la plástica nacional.

Su trayectoria siguió avanzando hasta llegar a galerías de París, Francia, y expuso en The Other Art Fair, de Londres, junto a unos 150 artistas de nivel mundial, siendo el artista mas vendido de la colectiva nacional.

En esta nueva exposición, Mendel nos lleva por senderos sorprendentes hacia otra dimensión. ¿Será por su reveladora gestualidad humana? ¿Por su expresionismo figurativo? ¡O quizás por su surrealismo antropomórfico! Sus historias las arroja en lienzos con lo que se le conoce como siluetas lavadas y con ello logra plasmar la emoción al exterior. Mendel ha capturado mi atención con sus lienzos hechos poemas, de imágenes imprevistas y de sorpresas insurrectas.

¡Qué bonita forma de pensar en que todos somos uno en este planeta! Son personas reales que nos unen con su arte, y nos llevan volando a otras dimensiones sabiendo que hay un amor profundo a lo que hacen para transmitirlo a los demás.

vidanicol@gmail.com

La iniciativa de Anléu, cuyas obras embellecen la ciudad, cuenta con la aprobación del Concejo de Quetzaltenango y actualmente el artista abrió la convocatoria para que empresas locales aporten en el proyecto que se tiene previsto iniciar en los próximos meses.

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La máquina de tiempo será adquirida en Puebla, México. El aparato, además de dar la hora, será musical y se contempla que a las 12 horas, de forma automática, se escuche Luna de Xelajú, el himno de los quetzaltecos; y a las 18 horas, el Ferrocarril de Los Altos, melodía que es ícono en la ciudad altense, de la inspiración de José Domingo Bethancourt Mazariegos.

Creatividad

La empresa Vitroarte Guatemala, propiedad de la pareja, se caracteriza por la fabricación de coloridas obras de arte en vidrio reciclado y de crear esculturas en tres dimensiones.

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Este martes se inauguró en la Galería Efraín Recinos del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias la Exposición de arte de adolescentes en proceso de reinserción, y muestra el trabajo de 60 hombres y 20 mujeres, que por diferentes motivos están en los distintos centros de reclusión.

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La Secretaria de Bienestar Social de la Presidencia a través del arte pretende que jóvenes recluidos en los cuatro centros juveniles de privación de libertad del país pueden expresarse y canalizar sus emociones.

“El arte es un generador de cambio que puede ayudar a transformar el destino social de los jóvenes, y se convierte en un medio para sensibilizar a los seres humanos, además, es  un promotor de la igualdad y respeto”, refirió Carlos Francisco Molina Morales, subsecretario de Reinserción y Resocialización de Adolescentes de la Secretaria de Bienestar Social de la Presidencia.
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Los jóvenes privados de libertad recibieron apoyo voluntario de artistas independientes que asisten a los centros penitenciarios a impartir los talleres de arte, entre ellos: Francisco Serech, Paulo Rubio y Ana Marcela González, además  Deby Sosa y Sharon Rangel ofrecen acompañamiento psicológico.

Directora de centros especializados en reinserción de adolescentes en conflicto con la ley penal, nos habla sobre los trabajos artísticos. pic.twitter.com/bx3CasDi6U

— Sandra (@sandravimm) March 20, 2018

Algunos de los temas de las pinturas de los adolescentes son: Amanecer iluminado, Vida en llamas, A pesar de todo no dejaría el amor, Domingo triste, Vida y esperanza, Tristeza, Risas y sueños, La belleza del amanecer, Visita al mar, La vida da vuelta, Expresa libertad y cariño, El temor a la oscuridad, Nuestro amor es tan fuerte que todo lo superará, entre otros.
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“Las actividades culturales y artísticas motivan a los jóvenes a expresar sus emociones y sueños, además es una herramienta para la prevención de la violencia y reinserción social”, comentó Abner Paredes, defensor de la juventud de la Procuraduría de los Derechos Humanos.

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Y gastó sumas fantásticas de dinero buscando tintes aún más vibrantes hasta que Hernán Cortés y los conquistadores descubrieron un pigmento sumamente saturado en los grandes mercados de Tenochtitlan, emplazada entonces donde hoy se erige el corazón de Ciudad de México.

Fabricado a partir de la trituración de un insecto llamado cochinilla, el misterioso tinte lanzó a España hacia su papel como superpotencia económica y se convirtió en una de las principales exportaciones del Nuevo Mundo, a medida que la moda del rojo se posaba sobre Europa.

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En la Europa clásica y medieval, artesanos y comerciantes competían entre sí en la búsqueda de colores saturados y duraderos que les traerían riquezas en un mundo pleno de telas de tonos débiles y acuosos.

El gremio de los tintoreros guardaba celosamente sus secretos y realizaba casi mágicos actos de alquimia para fijar los colores a la lana, la seda y el algodón.

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Usaban raíces y resinas para crear amarillos, verdes y azules satisfactorios. Triturando una especie de caracol marino obtenían un tinte que les permitía crear tejidos color púrpura imperial que valían más que su peso en oro. Pero seguían sin hallar un rojo realmente vibrante.

Durante muchos años, el rojo más común en Europa procedía del Imperio Otomano, donde para obtener el “rojo Turquía” empleaba la raíz de la planta rubia roja (Rubia tinctorum).

Los tintoreros europeos intentaban desesperadamente reproducir los resultados de Oriente, pero sus éxitos eran parciales, dado que el proceso otomano requería meses de trabajo e implicaba el uso de una pestilente mezcla de estiércol de vaca, aceite de oliva rancio y sangre de ternera, de acuerdo a Amy Butler Greenfield, autora del libro “Un rojo perfecto”.

También usaban palo Brasil (Caesalpinia echinata), laca y líquenes, pero los resultados usualmente eran decepcionantes y con frecuencia el proceso ofrecía unos rojos de tonos marrones o naranjas que rápidamente perdían su intensidad.

Pero al ser hecho con distintas variedades de insectos, su producción era laboriosa y su disponibilidad escasa, incluso pese a que se cotizaba a los mayores precios.

Los pueblos de Mesoamérica, en el sur de México, usaban la cochinilla al menos desde el año 2000 A.C., mucho tiempo antes de la llegada de los conquistadores, de acuerdo con la experta en tejidos mexicanos Quetzalina Sánchez.

Los aborígenes en Puebla, Tlaxcala y Oaxaca tenían sistema para criar y manipular los insectos para obtener los mejores resultados y usaban el pigmento para crear pinturas para códices y murales, para teñir telas y plumas e, incluso, como medicina.

La cochinilla en el Nuevo Mundo

Cuando los conquistadores llegaron a Ciudad de México, donde tenía su sede el imperio azteca, el color rojo estaba por todas partes. Las comunidades del extrarradio pagaban sus impuestos a los gobernantes con kilos de cochinillas y rollos de tejidos de color rojo.

“El escarlata es el color de la sangre y el grana de la cochinilla conseguía que (…) el color siempre tuviera un significado, a veces mágico, otras veces religioso”, le dijo Sánchez a la BBC.

Cortés inmediatamente reconoció las riquezas de México, sobre las cuales informó en varias cartas el rey Carlos V.

“Debo hablar de algunas de las cosas que he visto, las cuales aunque mal descritas, sé muy bien que causarán tal maravilla que difícilmente serán creídas, debido a que incluso aquellos que las han visto con sus propios ojos son incapaces de comprender su existencia”, escribió Cortés al monarca.

En cuanto al gran mercado de Tenochtitlan, que era “dos veces más grande que el de Salamanca”, escribió “ellos también venden madejas de distintos tipos de algodón en todos los colores, así que se parece bastante a los mercados de seda de Granada, aunque este tiene una escala mayor; también tiene tantos colores para los pintores como los que pueden hallarse en España y con excelentes tonalidades“.

Sus narraciones de primera mano indican que Cortés no estaba totalmente prendado de la cochinilla, pues tenía mayor interés en saquear el oro y la plata.

Para 1523, el pigmento de la cochinilla viajó a España y atrapó la atención del rey, quien le escribió a Cortés para exportarlo a Europa, escribió Butler.

“Con leyes y decretos absurdos (los españoles) monopolizaron el comercio del grana”, dice Sánchez. “Ellos obligaron a los indígenas a producir tanto como fuera posible”.

Los aborígenes mesoamericanos que se especializaban en la producción del pigmento y no murieron por la enfermedades ni fueron asesinados durante la conquista recibían una paga ínfima mientras que los españoles “se enriquecían enormemente como intermediarios”.

El rojo en la historia del arte

El pigmento del insecto de la cochinilla era 10 veces más potente que la Sangre de San Juan y producía 30 veces más tinte por onza que el rojo de Armenia, según Butler.

Así que cuando los tintoreros europeos comenzaron a experimentar con él, quedaron fascinados con su potencial. Lo más importante: era el rojo más brillante y saturado que jamás hubieran visto.

El Palacio de Bellas Artes de México presentó recientemente una exposición en la que se mostraba el impacto del rojo de la cochinilla en la paleta europea desde comienzos del siglo XVII.

La muestra incluía obras de pintores barrocos como Cristóbal de Villalpando y Luis Juárez, padre de José Juárez, quienes trabajaron toda su vida en México, junto a trabajos del artista español Sebastián López de Arteaga y maestros como Peter Paul Rubens.

La obra “La incredulidad de Santo Tomás” de López de Arteaga palidece en comparación con la versión de Michelangelo Merisi da Caravaggio del mismo tema, en el que la consternación y la sorpresa del santo es evidente en la piel de su frente surcada.

Pero la túnica roja vestida por Cristo en la pintura de López de Arteaga, mostrando su santidad, salta totalmente desde el lienzo. Ambos artistas usaron la cochinilla, cuya introducción ayudó a establecer el contraste dramático que caracterizó el estilo barroco.

La Biblia en sus manos también fue retratada con detalles exquisitos gracias a la inconfundible maestría del pincel de Peter Paul Rubens en el manejo del rojo cochinilla, gracias al cual los personajes parecen tan vivos como si estuvieran frente al espectador.

Avanzando hacia el modernismo —no fue sino hasta mediados del siglo XIX que el rojo cochinilla fue sustituido con alternativas sintéticas para el tinte rojo predominante en el mundo— los pintores impresionistas siguieron haciendo uso de las tonalidades rojas importadas desde México.

Como Rubens, los personajes de Renoir parecen estar vivos dentro del lienzo, pero como impresionista sus retratos se disolvían en abstracciones enérgicas.

Gauguin también usó el color, especialmente el rojo, para crear acentos juguetones, pero ninguno comparable con la saturación lograda por Van Gogh. Su obra, “El Dormitorio” (1888), un préstamo del Instituto de Arte de Chicago, ponía un punto final a la exposición con un único y ardiente foco de rojo brillante.

Aunque el entonces independiente México ya no controlaba el valioso monopolio de la cochinilla, sí logró recuperar algo: el rojo sagrado que había sido expoliado y propagado por los españoles.

“En Europa, como ha ocurrido en muchos casos, la historia de los pueblos aborígenes de México ha importado muy poco”, le dijo Sánchez a la BBC.

Pero en México “el color sigue estando asociado con la magia ancestral y con la protección de quienes usan vestimentas teñidas con el rojo de la cochinilla”.

• Lee la nota original en inglés.

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Rojas, junto a los fallecidos artistas Roberto Cabrera y Marco Augusto Quiroa, fundó el grupo Vértebra, agrupación que tuvo como objetivo mostrar la realidad guatemalteca a través del arte.
El artista plástico Elmar René Rojas, falleció el pasado domingo a la edad de 75 años.

Recién ayer se publicaba un editorial con motivo de la exposición colectiva en homenaje a cinco maestros del arte: Luis Díaz, Rodolfo Abularach, Ramón Ávila, Manolo Gallardo y el propio Rojas, quien no pudo asistir ya a la inauguración por su estado grave de salud.

La muestra titulada Los cinco estorbos vivientes se inspiró en un cuadro de Efraín Recinos, fallecido en el 2011, quien se retrató junto a nueve pintores, de los cuales ahora seis han emprendido la ruta de la inmortalidad,  legando al país un valioso patrimonio estético.

Precisamente en esta herencia artística radica la importancia de la conservación, estudio y promoción del arte guatemalteco, puesto que a través del estilo, códigos y evolución de cada creador se ha expresado, por encima de las palabras,  cifras o  análisis factuales, la denuncia sobre las desigualdades, injusticias, glorias y horrores del devenir nacional.

De hecho, el maestro Rojas fundó, en 1969, el grupo Vértebra, junto con Marco Augusto Quiroa, fallecido en el 2004, y Roberto Cabrera Padilla, quien murió en el 2014, un movimiento artístico que buscaba revitalizar la expresión plástica para convertirla en reflejo del momento histórico, para que más allá de las galerías y las críticas sus pinturas y esculturas pudieran ser símbolo de identidad, vehículo de reflexión, reflejo crítico de una nación entonces envuelta en una guerra de creciente intensidad.

Espíritus de leyendas guatemaltecas pueblan los incontables óleos de diversas fases de la obra de Elmar Rojas, en una incansable reinvención y valoración de su identidad. Su integridad artística lo llevó a abandonar el arte decorativo para inventar un lenguaje que originó elogios en diversas latitudes, pero que además puso la atención en el país de origen de tal creador visual.

Rojas fue el principal impulsor de la creación del Ministerio de Cultura y, aunque fue el primer titular, siempre lamentó que  se le hubiera mezclado con deportes. Con el pasar de los años llegó a deplorar que se relegara tanto presupuestaria y políticamente   esta cartera, al punto de convertirla en una especie de premio de consuelo en varios gobiernos para pago de afinidades clientelares. Rojas, arquitecto de profesión,  también se postuló, en dos ocasiones, a la alcaldía de la capital,  en 1982 y en el 2003. No alcanzó la victoria, pero triunfó el arte, pues  continuó su tarea pictórica.

Posteriormente fundó su propio centro cultural, siempre con la mira puesta en descubrir nuevos talentos y darle continuidad a la riqueza creativa del país. Además, fue catedrático en la Facultad de Arquitectura de la Usac y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas.

El país pierde a un gran maestro. Pero el mejor homenaje no serán los discursos oficiales, sino los ojos puestos en sus obras, ya sea a través de medios digitales,  pero mucho mejor a través  de  la exposición en donde desde la quietud de sus lienzos sus seres fantásticos tendrán una voz permanente.

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Fallece el pinto Elmar Rojas

Marco Augusto Quiroa, nacido en Suchitepéquez, en 1937 falleció en 2004. Roberto Cabrera Padilla, nacido en 1939, falleció en 2014. Este 18 de febrero de 2018 muere Elmar Rojas, nacido en 1942, y falleció este 18 de febrero.

Para conocer mejor el legado de este grupo artístico, la crítica de arte Irma de Luján escribió este texto en 2009, cuando se celebraron los 40 años de fundación del grupo Vértebra:

“En agosto se celebró el aniversario de la creación del Grupo Vértebra. En la misma época existieron otros grupos, pero sin ningún programa, por lo que tuvieron poca duración, al igual que Vértebra, aunque éste sí tuvo trascendencia.

Creado en 1969, reunió en su inicio a cinco artistas: Roberto Cabrera, Élmar René Rojas y Marco Augusto Quiroa. Poco tiempo después se unieron al grupo Enrique Anleu Díaz y Ramón Ávila.

Respecto de la muestra que se presentó en Casa Ibargüen, creo que, por la importancia que tuvo Vértebra en su momento, la exposición obligadamente tenía que ser de calidad. Una buena muestra es la que nos permite apreciar sutiles semejanzas o diferencias, acercarnos a la obra para su mejor comprensión.

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¿Quién escogió las obras? ¿Quién hizo el montaje? Quien quiera que lo haya realizado, no fue más lejos que una chapuza.¿Por qué no dar un catálogo, por sencillo que este sea? Un extranjero o un compatriota se queda perdido en esta muestra tan poco documentada: se ingresa por un pequeño cubículo en donde están colgados dos afiches de Vértebra, con el texto colocado al revés y a una considerable altura. Nos da la bienvenida una monumental vértebra de cualquier mastodonte, por lo cual, alguien que no sabe cuál fue la importancia del grupo Vértebra, podría creer que entra a una exposición de Paleontología.

Vértebra surgió, como todos los grupos de América Latina, en una época “vulnerable”, centrado en el concepto de resistencia. Estos jóvenes artistas pensaron con justicia que era necesario trabajar simultáneamente las obras y las concepciones ideológicas. En la actualidad, Vértebra es un importante referente histórico que enriquece la plástica nacional.

La muestra hubiera estado bien conjuntada si el grupo en completo hubiera expuesto. La falta de Roberto Cabrera fue muy notoria. La obra de este artista es una compleja organización casi barroca. No es lo suyo un arte de evasión ni hay referencias que no sean la preocupación espacial y el empleo de materiales reciclados.

Ramón Ávila, por esos años recién llegado a Guatemala, estaba inmerso en el nuevo realismo, la densidad de su textura y el gran dominio compositivo hacen de su obra nuevas referencias plásticas. En Enrique Anleu Díaz, el cromatismo apagado de su pintura se extiende por toda la tela, las matizaciones de luz y sombra las provoca la materia. En algunos casos es fustigada por severas líneas negras.

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Élmar René Rojas, por esos años tenía prisa por mostrar que su pintura es una sutil detectora del misterio de la forma, rescatando el valor sugestivo que la obra contiene. Marco Augusto Quiroa basa la obra en lo expresivo del color, sus raíces tienden a lo popular. Su obra encierra una poesía muy personal. El colofón de la muestra es la obra de Milagro Quiroa. Por el momento está atraída por el expresionismo, el arte popular, un poco de surrealismo, una pizca de impresionismo y una dosis de Frida Khalo. Ve o más bien imagina cosas con total desenfado y nulidad de criterio: enfoque tan cómodo como monótono.

El concepto pasa a segundo término, la luz arranca de focos múltiples sobre el excesivo color. En toda su obra asoma el peligro de encuadrar lo subjetivo en una fórmula, y por lo tanto la anula. Su audacia pictórica gravita más en el ánimo del contemplador que en el peso y la invención de su imaginativa. Es el momento de que suprimamos ese prurito generalizado de querer ser artista, lo cual creo que a todos nos sobrevino en la edad infantil, cuando por nuestras obritas solo recibíamos sonrisas comprensivas.

En este caso salvando lo que no se puede salvar, solo podemos suprimir la sonrisa y mantener un poco de comprensión.”

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Artistas y críticos de arte  expresaron en las redes sociales que su muerte significa una gran pérdida para el arte guatemalteco, ya que Rojas es considerado uno de los grandes maestros contemporáneos de la plástica guatemalteca.

Su legado y el grupo Vértebra

Además de su múltiple obra plástica, Rojas será recordado por ser el primer ministro de Cultura y Deportes de Guatemala. En 1986, durante la administración de Vinicio Cerezo, el artista fundó esta cartera y ejerció el cargo durante un año.

El artista también obtuvo muchos premios nacionales e internacionales, entre los que destacan el Cristóbal Colon Premio Iberoamericano, entregado en 1989 por Juan Carlos de Borbón, rey de España en ese entonces. También obtuvo el Premio Único en el Bienal Mesoamericana (1983), en Panamá, y el Premio Mundial MAAA en Estados Unidos.

Rojas, junto a los fallecidos artistas Roberto Cabrera y Marco Augusto Quiroa, fundó el grupo Vértebra, una asociación que tuvo como objetivo mostrar la realidad guatemalteca a través del arte.

Su biografía

Elmar René Rojas Azurdia nació en Guatemala en 1942. De acuerdo con su página oficial, estudió en la Escuela Nacional de Artes Plástica. Fue profesor en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de San Carlos de Guatemala, en la cual también obtuvo el título de arquitecto. En ese establecimiento también estudió Filosofía, Letras, Ciencias Políticas y Ciencias Sociales.

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Entre sus maestros destacan Roberto González Goyri y Arturo Martínez, de quienes recibió sus primeras orientaciones artísticas.

Rojas también estudió arte en la Escuela Pietro Vanucci, en Italia, en la Escuela de Bellas Artes de París, Francia, y en la Universidad Complutense de Madrid, España.

El artista plástico destacó dentro del movimiento Realismo mágico, el cual se caracterizó por fusionar los elementos fantásticos con el mundo abstracto.

Hará 200 años, un 18 de mayo de 1818, fallece una personalidad sobresaliente de la historia del arte. Destacada violinista y compositora, a más de cantante lírica, versada también como violonchelista y clavecinista, exitosa concertista y exitosa empresaria. Maddalena Laura Lombardini. Aunque de origen aristocrático, su preparación y el buen destino que dio a sus habilidades personales no se debieron a su alcurnia, sino a la previsión social de lo que entonces era la República de Venecia. Habiendo caído en desgracia su familia, Maddalena tuvo que crecer y formarse, hasta obtener una maestría en música a sus 21 años, en el Ospedale dei Mendicanti (el Albergue de Mendigos), uno de los cuatro grandes hospicios venecianos de entonces.

Dichos hospicios velaban por los necesitados de la ciudad y llegaron a distinguirse muy especialmente gracias a la educación musical que brindaban a las jóvenes internas. Se contrataba a maestros de reputación –Vivaldi, Porpora, Hasse y Cimarosa fueron algunos de los más ilustres– quienes ofrecían entrenamiento auditivo, lectura a primera vista, teoría musical, ejecución de instrumentos y componían obras específicamente para que las interpretaran las alumnas. Tal era el nivel profesional que adquirían, que muchos turistas llegaban a Venecia y pagaban por escuchar a las orquestas, integradas exclusivamente por mujeres. De este modo, contaron con mecenazgos y un continuado rendimiento a lo largo de dos siglos. Aquello solamente se vino abajo a partir de 1797, cuando se vino abajo toda Venecia. No resulta ninguna sorpresa constatar que fue consecuencia de la nefasta acción de políticos y militares; Napoleón, los Habsburgo, la dominación foránea. La comparación duele, cuando pensamos en Guatemala: el feminicidio del “Hogar Seguro”, el desprecio por la formación artística, la magra expectativa que tienen las jóvenes músicas en nuestro país, la miserable inversión pública y privada en expresiones culturales de alto nivel y, claro… la nefasta acción de políticos y militares – lo único en lo que se parece nuestro caso a aquél.

Discípula del virtuoso Giuseppe Tartini, Lombardini descolló por mérito propio, al punto de organizar sus propios conciertos y tocar, como solista, sus propias composiciones sinfónicas y de cámara, que también hacía imprimir, todo ello cuando aún no cumplía tres décadas de vida. Fueron notables sus presentaciones en Francia, Inglaterra e incluso Rusia, en su doble función de violinista y autora. No olvidó su antigua escuela barroca, aunque en sus piezas cultivó los lineamientos de la nueva escuela clásica. Y, por supuesto, es fácil dejarse arrebatar por el entusiasmo y sobredimensionar la calidad estética de su obra, perdiendo de vista que sus seis Concerti per Violino, sus cuartetos, tríos, duetos, sonatas y otras composiciones responden a los modelos de su tiempo, sin extralimitarse ni avanzar propuestas novedosas. Pero también es preciso recordar que era la época de dos gigantes, Haydn y Mozart. Eran ambientes totalmente manejados por hombres. Era habitual suponer, con desconfianza, que una mujer sólo podría despuntar si esos hombres le hubieran dispensado algún privilegio.

Así, el testimonio de Maddalena Lombardini representa el triunfo de la educación, de la valoración del arte, de la responsabilidad social y de la capacidad individual para superar los prejuicios de género. Una lección clara, tanto para quienes gobiernan como para quienes son gobernados en esta nación, de lo que puede hacerse cuando prevalece la mejor voluntad humana y se ponen los medios para alcanzar las metas que todas y todos tenemos derecho de ambicionar.

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La pintura levantó polémica en el Reino Unido después de que el concejal del Partido Conservador en la localidad John Abbott pidiera que fuera borrada.

“Creo que se debe limpiar. Se debería sacar una fotografía (del mural) y conservarla, porque no creo que Banksy carezca de talento”, afirmó el edil a la BBC.

Una publicación compartida de Banksy (@banksy) el Ene 26, 2018 at 11:45 PST

“Pero comparar a Banksy con, por ejemplo, el verdadero arte que se puede ver en la Ferens Art Gallery (museo local con obras que se remontan al siglo XVI), que en ocasiones es completamente fascinante, es juzgar las cosas desde estándares distintos”, consideró el concejal.

El Ayuntamiento señaló hoy, en un comunicado, que enviarán a especialistas al lugar para que apliquen “una capa protectora sobre la obra de arte de Banksy”, a fin de “prevenir mayores daños”.

“Esta medida temporal ayudará a asegurarse de que los ciudadanos puedan continuar disfrutando del trabajo y prevendrá, en lo posible, que se vuelva a dañar”, agrega en la nota.

Fanthorpe relató, por su parte a la emisora de radio local de la BBC, cómo acudió al lugar cundo se enteró de que el grafiti había sido vandalizado.

“Le puedes amar u odiar, pero Banksy tiene prestigio internacional y ha hecho un regalo a la ciudad con su arte. No podía simplemente sentarme sin hacer nada por ayudar”, relató.

“Al ser un limpiador de ventanas, tenía el equipo necesario a mano. Sabía que necesitaríamos escaleras, porque ya había ido a verlo (el grafiti) esta semana”, afirmó.

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“La pintura tiene prohibido viajar. Sólo lo hace en las ocasiones más especiales”, contestó Spector, respuesta con la que dejó claro que la solicitud del mandatario no cae en esa categoría.
La directora del prestigioso museo respondió explicando que el citado cuadro tenía que viajar al museo en Bilbao y que tendría que quedarse a su regreso en la colección permanente, pero esperaba que en su lugar les interesara otra alternativa, la cual calificó de “especial”.
Se trata de America, un retrete de oro que estuvo instalado durante un año en uno de los sanitarios públicos del museo para que los visitantes lo usaran. La obra es creación del artista italiano Maurizio Cattelan.

Spector dijo que es una obra “extremadamente valiosa” y “frágil”, por lo que se ofreció que desde el museo se facilitarán instrucciones para la instalación y el mantenimiento. La carta incluye una fotografía del retrete dorado, que mientras formó parte de la colección del museo fue usado por más de 100 mil personas.
“El inodoro es una metáfora de los excesos de la opulencia. También podría serlo de la codicia”, explicó la directora del museo. Curiosamente ambas características podrían ser propias de Trump
“Es un inodoro para todos, porque ni la opulencia ni la codicia distingue hombre de mujer”, refirió Spector.
Críticos de arte describieron a la obra como una sátira a fortunas como la de Trump, quien tiene instalada grifería de oro en su avión privado.

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Descontento

“Este debe ser el primer día de nuestra revolución para rescatar a nuestro amado país del odio, el racismo y la intolerancia. No te lamentes, organízate”, escribió Spector en su cuenta de Instagram el día que Trump ganó la presidencia.
La publicación fue ilustrada con una fotografía del artista Robert Mapplethorpe, en la que se ve una bandera de EE. UU. rota.

This must be the first day of our revolution to take back our beloved country from hatred, racism, and intolerance. Don’t mourn, organize. Photo by #robertmapplethorpe

Una publicación compartida de Nancy Spector (@nespector) el Nov 9, 2016 at 4:35 PST

Un mes después publicó en Twitter un meme con la fotografía de Trump en el que lee que Richard Nixon dejó la presidencia del país un año y medio luego de su elección, en 1972.
La publicación fue acompañada con el hashtag #NotMyPresidentElect -No es mi presidente electo-.

@realDonaldTrump #dearivanka #NotMyPresidentElect pic.twitter.com/Lsg62DvTVd

— Nancy Spector (@nespector) December 16, 2016

El centro de arte se disculpó por no poder trasladar la obra Landscape With Snow a la Casa Blanca, reportó el diario estadounidense Washington Post.

La Casa Blanca no hizo comentarios. La petición no es inusual, ya que es común que los mandatarios y las primeras damas estadounidenses decoren las salas de la residencia presidencial con obras de arte de alto perfil.

Según el Washington Post, la curadora del museo, Nancy Spector respondió a la solicitud de la Casa Blanca el pasado mes de septiembre.

“Siento informarles que no podemos hacer posible este préstamo porque la pintura es parte de la Colección Thannhauser, la cual prohíbe su traslado excepto en las más raras ocasiones”, escribió la curadora en un email.

La pintura de Van Gogh datada en 1888, agrega el correo electrónico, será exhibida en el museo hermano de la institución en Bilbao, España, con el permiso de los propietarios.

Sin embargo, Spector agregó que el “sólido retrete de oro de 18 quilates” creado por el artista italiano Maurizio Cattelan estaba disponible para un “préstamo a largo plazo” a la Casa Blanca.

“Es, por supuesto, extremadamente valioso y algo frágil, pero daríamos todas las instrucciones para su instalación y cuidado”.

La pieza, titulada America, es considerada una sátira sobre la excesiva riqueza en Estados Unidos.

Funciona como un inodoro común y fue instalado en el Guggenheim de Nueva York en septiembre de 2016. Estuvo disponible para el uso público, y miles de personas lo utilizaron.

Terminada la exposición en la que se incluía, Spector indicó en su correo que a Cattelan, conocido por sus provocativas obras, le gustaría cederla a la Casa Blanca para que se use allá.

Sin duda en Guatemala hay varios museos de pinturas de gran importancia, y uno de ellos se ubica en el Kilómetro Cero del país, es decir, en el Palacio Nacional de la Cultura, el cual resguarda más de 800 obras de arte.

Centro Histórico de Guatemala:

Visite estas bibliotecas

Durante el año se expondrán trabajos de diversas técnicas de la plástica, y cada muestra permanecerá expuesta por dos meses aproximadamente.

Pasaje Central o Pasaje Sexta

Las obras que se exhiben están valoradas entre US$500 y US$7 mil.

Usted podrá visitar la galería de lunes a viernes de 9:30 a 16:30 horas, y los sábados de 9:30 a 15 horas. El ingreso para los nacionales es gratuito, únicamente se debe presentar un documento de identificación. Si los turistas extranjeros desean visitar únicamente las galerias o pasajes, el ingreso es gratis. La muestra estará disponible hasta febrero.

Galería Kilómetro Cero

En este espacio  podrá disfrutar diversas muestras momentáneas de artistas que han destacado a nivel nacional e internacional, así como invitados de otros países.
En la muestra temporal Así se siente México, en honor al maestro Fernando M. Díaz, se pueden apreciar obras de autores internacionales como: Alejandro von Zeschau, Jorge Serrato, Ángel Velásquez yJosh Rowell entre otros, y nacionales como Enrique Cay, Erwin Guillermo, Miguel Ángel Pérz y María Alfaro.
El horario de atención es de lunes a viernes de 9:30 a 16:30 horas. El ingreso es gratis para los guatemaltecos.

Pasillos del Palacio Nacional de la Cultura y Recorridos guiados

Si usted quiere seguir disfrutando del arte también puede deleitarse con la colección de fotografías de la construcción del Palacio Nacional, (momentáneo), así como con algunas piezas del palacio que se localizaban dentro de alguno de los 350 los salones que son utilizados como oficinas, o espacios que no son accesibles al público en general, tales como, relojes, mamparas y canapés entre otros.

Dato importante

El 7 de junio de 2001 el Palacio Nacional de la Cultura pasó a formar parte del Ministerio de Cultura y Deportes de Guatemala, según el Acuerdo Gubernativo 197-2001. También fue nombrado Patrimonio Cultural de la Nación, debido al Acuerdo de declaratoria del Centro Histórico y Conjuntos de la Ciudad de Guatemala, Acuerdo Ministerial 328-98, del Ministerio de Cultura y Deportes. Siendo clasificado como Categoría “A”.

Visitar museos siempre es una buena opción para comprender la actualidad, conocer las raíces y festejar la cultura nacional. 

En la segunda mitad del siglo V a. de C. surge en Atenas lo que se ha llamado “la era de la Ilustración”. En efecto, durante este período van adquiriendo cada vez mayor fuerza el pensamiento racional y la lógica, dando ello lugar al nacimiento de la ciencia y de la filosofía.

El triunfo del pensamiento intelectual (que se enfrenta dramáticamente al pensamiento artístico-religioso que envuelve la épica, la lírica y el drama) tiene lugar en los decenios del siglo V. Más que “la era de la Ilustración”, se trata de manera rigurosa, según observo, de una época en donde la razón va cobrando poderío en la mente griega. Así, Atenas se constituye en la cuna de la ciencia y la filosofía. También de las artes plásticas, tragedia y comedia, aunque enlazadas estas con el ideal homérico del humano. por ello no es de extrañar que el drama ya inicie su extinción con Eurípides y que, con Aristófanes, nazca y muera la comedia antigua, continuadora del pensamiento aristocrático y mítico de Homero.

El estado democrático ateniense va eliminando, paulatinamente, los últimos residuos de la aristocracia helénica, y si bien continúa el culto a los dioses antiguos, lo hace imbuido de un sentimiento patriótico, fortalecido por la creencia en que los dioses han concedido la victoria de los griegos en contra de los persas en Salamina y Platea.

Se inicia, entonces, el auge nacional y con este la intolerancia religiosa que condenará a Sócrates a la pena de muerte.

Las artes plásticas, pues, toman auge durante la plenitud y hegemonía de Atenas, pero ya en esta plenitud se inicia su decadencia. Al separar las casas de los humanos de la mansión de los dioses, principia el alejamiento de unos y otros que, en la época aristocrática, vivían enlazados. La religión, luego, empieza a dejar de ser lo que era, en donde los “mejores” (aristos) que gobernaban tenían linaje de dioses.

En la grandeza de Atenas, como centro de la vida del mundo griego, se empieza a infiltrar la corrupción: “El Estado se dio cuenta de que podía sacar provecho económico al culto. Las pieles de las numerosas víctimas de los sacrificios fueron vendidas y su producto ingresado en el tesoro, suministrando así importantes ingresos. Sin embargo, en Grecia no se llegó tan lejos como en las ciudades de Asia Menor, las cuales vendían cargos sacerdotales al mejor postor, pues el sacerdote tenía ingresos, conscientes en ciertas tasas sobre cada sacrificio y ciertas partes del animal sacrificado que eran la porción que le correspondía. El culto fue profanado cuando fue regulado como si fuera un negocio”. (Nilsson, Opus cit.).

Es importante señalar que, si bien en la Grecia arcaica y aristocrática no existía una clase sacerdotal, esta ya existe en la Atenas del siglo V, que no solo vigila (con carácter inquisitivo) las creencias de la religión griega estatal, sino, de manera indecorosa, se aprovecha de la floreciente economía ateniense.

De tal modo que el patriotismo ferviente (ignorado en el mundo homérico, como ya anoté en su oportunidad), unido a la presencia de una clase sacerdotal, provocan la intolerancia que empieza a regir en el mundo heleno.

Por otro lado, el griego moderno prefería venerar a dioses menores, a causa de haber perdido ya el ideal homérico del humano. Según Nilsson, estos dioses “estaban más próximos al corazón del pueblo y era más sólida la fe en su intervención en la vida de cada uno (…)”.

Como consecuencia, el “ideal del yo” del heleno de la época democrática desciende en la escala de los altos valores humanos, comparado con el de la época aristocrática homérica.

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De cualquier forma, estas cintas han logrado romper los cánones de la cultura masiva gracias a su propuesta estética, su temática o el tratamiento de la misma.
En un principio las películas de este tipo fueron marginadas por ser el retrato de la contracultura, pero durante las décadas de 1960 y 1970 los expertos comenzaron a darles el reconocimiento que merecen al resaltar su innovación.
Ahora esas cintas son consideradas referentes infinitos tanta para cinéfilos como para realizadores cinematográficos. Estás joyas del séptimo arte se estrenaron hace 20 años.

El gran Lebowski

Los hermanos Coen grabaron la comedia más memorable de 1998 y de su década. El actor Jeff Bridges, en su papel protagónico de Lebowski, llevó a su personaje a la categoría de mito con una interpretación memorable.
Una trama llena de enredos impredecibles y las actuaciones de luminarias como  John Goodman, Steve Buscemi, Julianne Moore y Philip Seymour Hoffman, integran la receta que hace a esta cinta trascender en el tiempo.

Los amantes del círculo polar

Dos amantes, Ana y Otto, se reunirán en Laponia, Finlandia, bajo el radiante sol de medianoche luego de un largo período de separación. Su relación estará regida por un poderoso y elocuente motivo tejido por el destino, la fe y el amor.

Durante el largometraje la suerte se dedicará a jugar con ellos en una serie de encuentros y separaciones con un halo de poesía que pretenderá llegar al corazón del espectador.

Ringu

Desde los rincones más oscuros de la mente del director japonés Hideo Nakata nos llegó Ringu, que luego fue exportada a Holywood y se convirtió en El Aro; sin embargo, la versión japonesa pasará a la historia como uno de los más importantes filmes de terror.

La delgada línea roja

Sean Penn, George Clooney, John Cusack, Nick Nolte, John Travolta, Woody Harrelson y Adrien Brody, son algunas de las luminarias que figuran en esta cinta de la Segunda Guerra Mundial.

Son ese elenco parecería redundante profundizar más sobre la importancia de esta cinta para la cultura cinematográfica; sin embargo, también es necesario reconocer el trabajo del director Terrence Malick, quien supo construir una narrativa casi lírica en torno a un acontecimiento bélico de gran magnitud.

La vendedora de rosas

Una de las joyas más valiosas del cine colombiano es la cinta de Víctor Gaviria, La vendedora de rosas, que narra la historia de los niños que viven en un barrio pobre y peligroso de Medellín.

La noche de Navidad, como el resto de las noches, Mónica, de 13 años vende rosas para ganarse la vida y cumplir su sueño de estrenar ropa en Noche Buena y salir con su novio; sin embargo, las drogas, la pobreza y la violencia harán que sea una velada solitaria.

La vendedora de rosas es una película que libre de morbo y estereotipos relata de manera inteligente la realidad de muchas ciudades del mundo en que la niñez no tiene un lugar.

El Show de Truman

Parte de la importancia de esta película es que logra profetizar la importancia que los reality shows tendrían en el futuro.
El filme, protagonizado por Jim Carrey, narra la historia de Truman Burbank, un hombre común y corriente que un día se da cuenta que su vida se ha convertido en un programa de televisión en el que sus amigos son actores y su ciudad es un plató de grabación.

Salvando al Soldado Ryan

Otra de las películas que fue candidata al Óscar en 1998 es la película Salvando al soldado Ryan, ambientada en la invasión de Normandía, Francia, durante la Segunda Guerra Mundial, el filme de Steven Spileberg nos muestra el lado humano de un grupo de soldados que tienen la misión de rescatar a un paracaidista cuyos hermanos han sido ultimados en combate.
Parte del éxito de este largometraje es la forma realista en que retrata ese bélico acontecimiento, especialmente el desembarco de los militares estadounidenses en esa ciudad francesa.

Loco por Mary

Para muchos uno de los más destacados títulos de comedia de la extensa filmografía de Ben Stiller y Cameron Diaz es Loco por Mary. Una película del director  Bobby Farrelly que combina chistes, romance y una serie de singulares personajes memorables.

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¿En qué consiste la reforma escolar que sustituye la educación musical?

La institución gubernamental publicó la nueva organización de las áreas curriculares para el ciclo básico que incluye un curso de educación y expresión artística en lugar de música.

Estas son algunas de las reacciones.

Un pueblo sin arte carece de alma.
Hay muchas formas de matar…

— Magda Angélica (@magdangelica) January 3, 2018

Vamos de retroceso. https://t.co/RVn05vG6m9

— RZ (@canchez) January 3, 2018

No entienden que no entienden nada. La estupidez humana… https://t.co/BRqm3CU1wM

— Carolina_Sarti (@Cescobarsarti) January 3, 2018

Como bien lo señala la maestra Ethel Marina Batres Moreno, esperemos que la eliminación de la educación musical… https://t.co/9S5ktFYBY7

— Jacobo Nitsch (@jacosonar) January 3, 2018

Que no entienden que la vida sin la música sería un completo fracaso.

— Francisco Alejandro Méndez (@elgranfascinado) January 3, 2018

Quitar las artes plasticas y la musica como materias específicas del pensum de estudios sin duda creará jovenes MAS INSENSIBLES ¿Que clase de plan perverso es ese?

— Jairon Salguero ® (@JaironSalguero) January 3, 2018

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“Enseñaría a los niños música, física y filosofía; pero más importante enseñaría MÚSICA, puesto que los patrones en la música y en todas las artes son la llave del aprendizaje” @MineducGT pic.twitter.com/W5ZPwCCLWT

— Francisco Páez (@paezfrancisco) January 3, 2018

¿De verdad todavía les extraña que el MINEDUC quiera remover la clase de música de las instituciones? Si este país va en decadencia…

— Tita Moreno (@TitaMorenoB) January 3, 2018

Aunque lo que más me molesta es que tanto música como artes plásticas siempre han sido relleno, ¡carajo!, que el arte sea consciente critica y realidad sensible, no relleno del pensum ni entretenimiento para sus cocteles

— Julio Serrano Echeverría (@julioserrano) January 3, 2018

Eliminar la música como curso específico delata un ABSOLUTO desconocimiento de lo que implica su aprendizaje.
¿A qué año está dando la bienvenida Guatemala? #meenojaymeentristece #loúnicoquegobiernaestegobiernoeselasco https://t.co/dJAdIwdDnT

— Beatriz del Cid de León (@BeadelCid) January 3, 2018

Bajan el indice de pobreza del 55%? NO! Bajan el indice de violencia? NO! Lo que bajan son la cultura y la educación son unos decerebrados

— LuiDonis (@luidonisblog) January 3, 2018

…el gobierno de Guatemala elimina las clases de Música y artes plásticas de las escuelas públicad y privadas!!!….y no es una broma!!!!….
Qué opinan mis queridos colegas amig@s, alumn@s, familiares y conocid@s de esto???

— Pablo León (@MaePelacat) January 3, 2018

El sonido de las melodías como el Ferrocarril de Los Altos, Luna de Xelajú y Celajes Tacanecos, entre otros, forman parte del repertorio del centro de estudios, el cual está integrado por jóvenes vulnerables a las pandillas.

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Walver Blanco, maestro de música, se refiere al proyecto como estrategia para mantener ocupada la mente de los jóvenes y que de alguna manera beneficia a la población.

“Nos ha costado sacar adelante el proyecto, no ha sido nada fácil; sin embargo, tenemos 17 jóvenes graduados en marimba y que son jóvenes que han tenido muchos deseos de superación”, expuso Blanco.

El músico comenta que entre los alumnos hay mujeres y niños, desde los seis años, quienes se han interesado en la ejecución de la marimba y otros instrumentos.

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Grupo musical

Desde el 14 de septiembre del 2016 comenzó el proyecto de formar a nuevos marimbistas en Fraijanes, que dio paso a la creación de la Marimba Ecos Fraijanecos, integrada por los diez mejores estudiantes.

Esta marimba municipal está al servicio de la población para amenizar en bodas, bautizos, cumpleaños y convivios, entre otros, sin ningún costo.

Blanco comentó que en el 2017 únicamente en dos fines de semana no tuvieron presentación y que diciembre fue de agenda llena. “Los vecinos únicamente tiene que acudir con un mes de anticipación a la municipalidad para hacer la solicitud”, expuso Blanco.

Añade, que los integrantes de la marimba, en su mayoría son estudiantes de nivel medio, reciben un reconocimiento económico de parte de la comuna, de Q35 por hora, dinero que contribuye a la economía familias o para el pago de sus estudios.

Jordi Castillo, de 21 años, primerista en el puesto de marimba, es el más grande de la agrupación y más destacado, segura Blanco. A él se une Aroldo Morales y Estrella Gómez, ambos segunderos. También lo integran Jordi Castillo, Randy Hernández, Harol Hernández, Abner Pérez y Ray Lemus, entre otros.

De acuerdo a Luis Esquivel, jefe de la Policía Nacional Civil de Fraijanes, el municipio está afectado por la presencia de los grupos pandilleros y cada vez más niños están involucrado en hechos violentos y casos de extorsión.

Para responder a esta pregunta que con cierta frecuencia se repite en varios foros y espacios de diálogo, a mí me ha hecho bien desarrollar más el sentido de proceso y a repetirme, como mantra, que nada cambia de la noche a la mañana. Eso ayuda a evitar frustraciones inevitables —pero también innecesarias para caminar—, sobre todo en este pantano guatemalteco que a veces no nos permite ni vislumbrar sus orillas.

Justo esa fue una de las preguntas generadoras de un espacio en el que conversamos recientemente, alrededor del libro Hagamos memoria. Esta vez no fue un foro político o económico —aunque es inevitable pasar por allí, Guatemala es mucho más que eso—, sino esencialmente cultural: el libro busca aportar elementos a la comprensión de la evolución del sector cultural durante los últimos veinte años.

El año pasado, el Centro Cultural de España en Guatemala (CCEG) convocó a diez instancias estatales y no gubernamentales, para generar una serie de actividades y diálogos que permitieran responder a la intención de realizar una reflexión intergeneracional con creadores de todas las disciplinas artísticas y gestores culturales, alrededor de los avances y los desafíos en el ámbito cultural, antes, durante y después de la firma de los acuerdos de paz. Todo queda integrado en el libro Hagamos memoria, del que hablé en el párrafo anterior.

No hay nadie en Guatemala que haya salido inmune a nuestro propio relato; nadie que pueda negar el impacto de la guerra en la historia del último medio siglo guatemalteco. Incluso quienes vivieron el conflicto marginalmente saben hoy que todo el país estuvo y está impregnado de él. Y aunque las generaciones actuales están menos contaminadas de aquella polarización sangrienta, aún cargamos con ello. Si no, volteemos la mirada a meses recién pasados, cuando el tema Cicig nos provocó al punto de partirnos casi bipolarmente entre los que están a favor de la impunidad y quiénes no, muy asociado todo a un estado de cosas que viene de las últimas décadas y de muchos de los mismos actores de la guerra.

Una frase de Gérard Wacjman, dicha décadas después del holocausto judío, podría apoyar mi idea en ese sentido: “Todo cuerpo representado, toda figura, todo rostro, de hecho toda imagen y toda forma estarían atravesados hoy, de una manera u otra, por los cuerpos liquidados de Auschwitz. Como si, para todo el arte de la segunda mitad del siglo, las cámaras de gas constituyeran una suerte de vibración fósil que resonara detrás de cada obra, más allá de toda cuestión de género, tema o estilo. Como si la catástrofe fuera el referente último de todo el arte de este fin de siglo XX”.

En Guatemala no hay artista o creador que no esté atravesado por la guerra. Porque incluso quien no la menciona o no tiene interés en esos temas crea en un medio de profundas desigualdades y bellezas, violencias y afectos, inseguridades y anhelos, miserias y grandezas humanas. Por eso, este libro es valioso. Porque recoge el trazo del cual surge aquel momento de esperanza, luego de la firma de los Acuerdos. Como se cita en el mismo texto: “Se sospecha de un conjunto de energías revitalizadoras, regeneradoras, que venían nutriéndose de los sonidos en sordina de los 36 años de guerra, de los rabiosos y dulces riffs de guitarras de los festivales de los años 60, 70, 80 y 90, expresiones que inyectaron la energía necesaria para el enriquecedor desborde creativo que tomó los escenarios y las calles a finales de la década de 1990 y a inicios del siglo XXI”.

Hubo un estallido guatemalteco en el arte y la cultura luego de la guerra, y el mundo que se volvió a nombrar, volvió a existir. Hoy, se ha sedimentado lo que tenía que quedarse, y se ha ido lo demás. Pero allí están las voces y las manos y las libertades, siempre necias, insistiendo en hacer otra Guatemala, porque la memoria de antes no es para quedarse allí, sino para seguir caminando.

cescobarsarti@gmail.com

El plan de renacimiento del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias (CCMAA) continúa. Como parte de este plan técnico, el Teatro Nacional estrena equipo de audio que pronto estará disponible en la Gran Sala Efraín Recinos. La inversión de este equipo es de Q10.7 millones.

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“La implementación del equipo coloca al centro cultural a un alto nivel de los mejores teatros latinoamericanos”, declaró Álvaro Véliz, director del CCMAA. “Estamos orgullosos y contentos de dar a conocer esta gala inaugural”.

“Este gran equipo será estrenado el 14 de enero de 2018. Los artistas podrán ver la diferencia y el cambio abismal”, agregó.

La nueva consola

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La consola tiene un costo aproximado de Q1 millón 900 mil.

En la presentación oficial del nuevo equipo de audio la soprano Karla Celada y el Quinteto Strauss participaron en una demostración en el Teatro Nacional.

Más equipo para el teatro

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La inversión y remodelaciones dentro de la sala principal ocurren casi después de 10 años sin mejora alguna.

Teatro Nacional @CcmaaG cuenta equipo de audio y amplificación con tecnología de última generación que lo coloca al nivel de los mejores teatros en Latinoamérica. El equipo proviene de Francia y se estrenará en 2018. pic.twitter.com/xOCL9ox2BI

— Eslly Melgarejo (@EMelgarejo_gtv) December 19, 2017

Merlo fue hijo del también pintor Tomás de la Vega Merlo, cuya existencia fue documentada cuando testificó en el proceso de beatificación del Hermano Pedro en 1722. 

El pintor Tomás de Merlo recibió el más grande encargo de obra religiosa a un artista guatemalteco: crear, en dos años, una serie de 11 cuadros sobre la pasión de Cristo.

Los lienzos estaban destinados a la veneración de los fieles de la Ermita de El Calvario, en Santiago de los Caballeros, hoy Antigua Guatemala, Sacatepéquez.

El contrato fue suscrito el 25 de abril de 1737, ante el escribano Antonio González, entre Merlo —considerado el más destacado pintor del barroco guatemalteco— y el mecenas Joseph Sunzín de Herrera, presidente del Cabildo Eclesiástico.

El Calvario perdió, a causa del terremoto de 1717, una serie de la Pasión pintada por Antonio de Montúfar, por lo cual se hacía necesario “que los fieles no careciesen de tan viva representación”, según anota el contrato.

Se detallaba la alta calidad esperada en el trabajo. “Que los colores fuesen finos y de cuerpo, todo por la cantidad de mil pesos”, especifica, aunque se contempla una retribución adicional al entregar los 11 cuadros.

Lamentablemente, Merlo solo pudo trabajar nueve de los enormes lienzos, pues murió el 19 de diciembre de 1739. Algunas versiones dicen que fue atropellado por un carruaje y otras que se cayó de un andamio.

Un alumno terminó las dos restantes en 1740. Las pinturas están en El Calvario y en el Museo de Arte Colonial. Su restauración concluyó en el 2008.

A pesar de los esfuerzos por conservar este legado pictórico, el 5 de febrero de 2014 seis pinturas de la serie de la Pasión fueron robadas de la Ermita del Calvario, causando el repudio de la población y del ámbito cultural. Las piezas hurtadas son: La Oración en el Huerto, La Flagelación, La Piedad, Cristo ante Caifás y la negación de Pedro, El rey de burlas y La curación de Malco. 

Según dicho departamento, la obra será expuesta en el Louvre Abu Dabi, inaugurado el pasado 11 de noviembre, junto a otra pintura del artista italiano, La Belle Ferronnière, que es un préstamo actual del museo del Louvre de París.

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“Estamos encantados de mostrar Salvator Mundi, parte del rico legado de Leonardo da Vinci, en el Louvre Abu Dabi”, dijo el presidente del Departamento de Cultura y Turismo, Mohamed al Mubarak, citado en un comunicado.

Al Mubarak agregó que la exhibición de Salvator Mundi está en línea con la “ambición de compartir este museo extraordinario con el mundo (…) y de inspirar a una nueva generación de líderes culturales y pensadores creativos”.

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Por su parte, el director del Louvre Abu Dabi, Manuel Rabaté, insistió en que “la obra maestro de Leonardo da Vinci, Salvator Mundi, encaja a la perfección con la narrativa del Louvre Abu Dabi”, que describió como “el primer museo universal en derribar las barreras entre las diferentes civilizaciones”.

“Se mostrará junto a nuestra colección creciente, siendo un tesoro excepcional que sin lugar a dudas disfrutarán nuestros visitantes”, añadió.

Sin embargo, el departamento no confirmó ni desmintió la noticia aparecida en el diario estadounidense The Wall Street Journal hace dos días en la que se aseguraba que el verdadero dueño del cuadro era el heredero de la corona saudí Mohamed bin Salman.

La institución tampoco hizo ningún comentario a las informaciones aparecidas en el New York Times, según las cuales, quien compró el cuadro durante la subasta, que tuvo lugar el 15 de noviembre en la galería Christie's de Nueva York, fue otro príncipe saudí, Bader bin Abdalá bin Mohamed bin Farhan al Saud.

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El cuadro Salvator Mundi está considerado como la única pieza de Da Vinci que queda en manos privadas y en su venta alcanzó la cifra más alta lograda hasta ahora por una obra en una subasta de arte. 

Hacia 1891, la capital de Guatemala era una ciudad apacible y colonial. Sus casonas de teja y calles rectas, contrastaban con los campanarios de las iglesias, las flores de los jardines de las plazas y el murmullo de las aves.

Movimiento artístico

El muralismo marcó el arte contemporáneo guatemalteco

Se convirtio? en un adolescente que pasaba la mayor parte de su tiempo entre los libros, la mu?sica que le incentivaban sus padres y las clases de dibujo que recibi?a con el maestro venezolano Santiago Gonza?lez.

En 1904, llego? a nuestro pai?s, Jaime Sabarte?s, quien era compan?ero de aventuras del pintor espan?ol Pablo Picasso. Se hizo amigo del grupo de alumnos del maestro Gonza?lez y se reuni?an a charlar en el Portal del Comercio.

Por razones familiares, los Me?rida se trasladaron a Quetzaltenango. El joven Me?rida ingreso? al Instituto Pra?ctico de Varones, aqui? su maestro de dibujo fue Santiago Vichi. Se dejo? cautivar por los paisajes del Altiplano y su gente. Y asi? nacieron sus primeras obras.

En 1908, Me?rida se graduo? de bachiller. El intere?s por la pintura se acrecento?, la familia retorno? a la capital y todo mundo dijo que el joven debi?a ser artista. Para entonces, e?l mismo habi?a encontrado su camino.

Sus pinturas se reconocen por sus formas geométricas de colores vivos, donde asoman pequeñas cabezas o formas de pájaros. También las hay de líneas redondas y suaves que evocan figuras mayas danzarinas.

Carlos Mérida es uno de los pioneros del arte abstracto en Guatemala, un género que tomó tiempo en abrirse brecha.?? De hecho, la exhibición de estas obras en la Guatemala de los 40 causó polémica. A los pintores tradicionales no les gustaba, y los jóvenes no lo entendían, pero lo respetaban.

De todos modos, a él se debe, en gran parte, la transformación de la pintura moderna en el país.?? Mérida hizo lo que pocos: un estilo propio. La abstracción, el movimiento y la musicalidad que logró en sus murales y pinturas le valieron fama internacional. Pero más allá del valor de su obra, se encuentra un artista que fue ejemplo de trabajo y pasión.

??Inquietud desbordante?

?La fructífera y larga carrera artística de Mérida comenzó en forma tardía. Su primer amor fue la música, y el piano su instrumento. Pero un problema auditivo lo hizo cambiarse a la pintura.

A los 14 años firmó su primera pintura, y es hasta la adolescencia cuando define su vocación. Al trasladarse a la capital se integró a un pequeño grupo de artistas e intelectuales jóvenes guatemaltecos, presididos por el español Jaime Sabartés, Carlos Valenti y Rafael Yela Günther.??

En su autobiografía, Mérida se describe inquieto por naturaleza. A los 20 años se fue a París con su amigo Valenti. Allá realizó estudios formales de pintura y frecuentó los talleres de artistas de la talla de Amadeo Modigliani. Poco antes de la Primera Guerra Mundial regresó al país, y en 1915 expuso sus obras en la capital.

Para el historiador Luis Luján Muñoz, esta exhibición marca el inicio de la pintura contemporánea en Guatemala.?? Cuatro años después, se establece en México.

Mérida era sencillo, de hablar reposado y tranquilo, aunque seguro y consciente de su valor artístico. González Goyri indica que parte de su éxito se debía a su disciplina, a una gran capacidad de trabajo y una inquietud desbordante.

Su amor por la música lo hacían un oyente incansable. “Tengo debilidad por el hot jazz”, escribió en una ocasión. “Me hubiera agradado mucho ser un buen tocador de trompetas en El Savoy”.?? Sus pintores predilectos eran Picasso, Kandiski, Paul Klee y Joan Miró. “Todos ellos han ejercido alguna influencia en mi pintura”, confesó.??

Mérida fue un hombre longevo y un trabajador incansable. Su larga cabellera blanca y su sombrero de fieltro se convirtieron en algo inseparable hasta su muerte, a los 93 años de edad.

??El juego creativo??

Mérida fue descubriendo sus propias etapas, experimentó con todos los géneros, con todos los medios y todas las técnicas. Hizo óleos, grabado, litografía, impresión, murales, y diseño de escenografías de teatro y danza.?? Los estudiosos de su obra reconocen en él dos fases definidas.

La primera fase de su iniciación de 1915 a 1925, allí se concentra en un abstractismo lírico de formas orgánicas. La segunda su “transformación” parte de 1929 hasta el final, donde hace un abstractismo geométrico.??

Cuando se instaló en México, la efervescencia de la Revolución alcanzó al arte. Se dio un impulso a la obra muralística con artistas como Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.?? Era un medio fuerte y había presión por abordar temas sociales. Sin embargo, Mérida comenzó a darse a conocer y permaneció ajeno a esa tendencia.

Después de su segundo viaje a Europa traía un punto de vista definido, dirigido al arte abstracto. Fue allí donde experimentó la integración con la arquitectura, que más tarde aplicó en Guatemala. ??Como maestro, Mérida dejó también un valioso legado.

González Goyri recuerda una charla-taller, en 1945, para los estudiantes avanzados en la Academia. ??”Colocó en medio de una mesa varios elementos de artesanía indígena: una paloma de Chinautla, una tela indígena y otros. Nos dijo: Allí tienen todo eso, no lo vamos a copiar sino quiero que me hagan una interpretación. “Como estudiante de academia recuerdo que fue muy difícil, precisamente, porque sólo estábamos acostumbrados a copiar”, recuerda González Goyri.??

Para entenderlo mejor, el propio Mérida explica las motivaciones de su arte. “Para algunos críticos, mi pintura no tiene valor alguno, la consideran infantil, absurda, intelectual, vacía; para otros, está a la altura de las mejores del mundo. Yo paso por alto tales juicios. Lo que me interesa es el juego y el goce que el trabajo me ofrece. Una vez realizado, lo olvido por completo; una función de digestión, como decía Picasso”.??

Expresión universal??

El arquitecto Jorge Montes comenta una anécdota que ilustra el valor de una obra mural del artista, cuando supervisaban el montaje de los murales del IGSS. “Notamos la presencia de dos niños que dejaron su caja de lustre por un lado y contemplaban la obra. Les preguntamos si les gustaba, y uno de ellos respondió: Pues la pura verdad, es que no muy lo entiendo, pero ¡qué bonito es!, me gusta”.?

?Para el crítico de arte Guillermo Monsanto, Mérida fue un artista genérico en cuanto al desarrollo de la plástica contemporánea guatemalteca. Es decir, a partir de él y su generación partió la semilla que fructificó en la producción contemporánea actual.

A él se debe también la conceptualización, el diseño y la integración plástica a la arquitectura.?? González Goyri sintetiza su valor en el homenaje que se le hiciera al cumplir 90 años de edad. “Dentro de los cientos o miles de pintores que pululan por el mundo, sólo se destacan aquellos que por su genio aportan algo nuevo; un punto de vista personal expresado con originalidad, con gracia, con poesía, con violencia o rabia, como se quiera, pero además de ello que sus valores formales reúnan en su haber una serie de cualidades que los haga perennes, inmunes al tiempo. O sea que, en la medida de lo posible, funcione para todas las épocas y para todos los hombres”.??

Mérida falleció el 21 de diciembre de 1984 a los 93 años en la ciudad de México. El museo de Arte Moderno de Guatemala lleva su nombre.

Seguramente escuchaste esta frase muchas veces o incluso, tal vez, salió de tu propia boca.
Lo cierto es que para algunos las matemáticas es una ciencia placentera mientras que para otros resulta una pesadilla (claro siempre está la calculadora como salvación).
Pero centrémonos en un solo aspecto de las matemáticas: la multiplicación.

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Es probable que el método para multiplicar que hayas aprendido en la escuela fuese el tradicional. Es decir, primero aprendes las tablas de multiplicar de memoria para luego resolver los cálculos número tras número.
Y si las cifras a multiplicar tienen varios dígitos, necesitarás de un largo trozo de papel para resolverla.
Multiplicación tradicional.
Pero si esta larga lista de líneas numéricas, una debajo de la otra, te resulta difícil de interpretar, existen otras alternativas para resolver un cálculo matemático.
Y aquí es donde aparecen tus habilidades artísticas.

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A dibujar

Entre los numerosos y variados métodos de multiplicación que existen al menos tres de ellos requieren líneas, puntos y cuadrados.
1. El método maya, también conocido como japonés
Hay varias teorías sobre el origen de este método.

Unas sugieren que fue inventado por la civilización maya que habitaron América Central hasta la llegada de los conquistadores en el siglo XV. Y es conocido como método japonés porque los profesores de ese país utilizan esta multiplicación visual con líneas para enseñar a los alumnos de primaria.
Consiste en dibujar rectas paralelas y perpendiculares para representar los dígitos de los números a multiplicar.
Tomemos por ejemplo 23 x 41.
Dibujamos dos líneas paralelas para representar el 2 y otras tres líneas paralelas para el 3.
Luego perpendicularmente dibujamos cuatro líneas paralelas para el 4 y una línea para el 1.
A continuación, una vez que tenemos nuestra imagen, se suman los puntos que se forman en las intersecciones.
Y así obtenemos como resultado 943, el mismo que la forma tradicional de multiplicar.
¿Te resultó difícil?

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2. Método de multiplicación hindú o de celdillas o de gelosia

Tampoco está claro el origen del método de multiplicación hindú, pero marcó su paso por Asia.
“El algoritmo de las gelosias (celosías en español) fue transmitido de India a China y a Arabia, de aquí hacia Italia durante los siglos XIV y XV, donde recibió el nombre de gelosia, debido al parecido que tenía con las persianas venecianas”, según detalla Mario Roberto Canales Villanueva, en su Estudio Exploratorio sobre el uso de Modelos Alternativos para la Enseñanza y Aprendizaje de la Multiplicación en Honduras.

En este método de multiplicación tenemos que construir una tabla.
Vamos a usar el mismo ejemplo de antes: 23 x 41.
Entonces, dibujamos una tabla con cuatro casilleros: uno por cada dígito que tenemos en nuestro cálculo.
Y partimos cada cuadro con una línea oblicua.
Entonces empezamos multiplicando los primeros dígitos de ambos números: el 2 con el 4, colocando un 0 en el primer triángulo y un 8 en el segundo.
Luego multiplicamos el 2 con el 1 y colocamos el 0 en el primer triángulo y el 2 en el segundo.
Y hacemos lo mismo con los dos dígitos del segundo número de nuestro cálculo.
Una vez que tenemos todos los casilleros completos, hacemos una suma en diagonal.

Es decir, el primer número será 0, el segundo será un 9, el tercero será un 4 y el último será un 3.
Por lo tanto, el resultado es 943.
¿Fue más fácil?
Vamos con el último método de multiplicación con dibujos.

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3. Método de formación operacional (array, en inglés)

En este caso, como en el anterior, necesitamos una grilla o cuadrícula.
Seguimos con el ejemplo 23 x 41.
Aquí descomponemos el número. Es decir en un cuadro colocamos 20 y en el otro 3.
Mientras que en los cuadros verticales colocamos 40 en el primero y 1 en el segundo.
Entonces multiplicamos los números de cada casillero con el contrario.
Sin embargo, ignoramos si hay 0.

Por lo tanto, en vez de multiplicar 20 x 40, suprimimos los 0 y solo calculamos 2 x 4 obteniendo 8.
Lo mismo con 3 x 40. Eliminamos el 0 y multiplicamos 3 x 4 que nos da como resultado 12.
Hacemos lo mismo con los casilleros de abajo.
Y ahora sumamos los 0 que habíamos dejado de lado.
Entonces al primer cálculo que era 20 x 40 y obtuvimos 8, le sumamos dos ceros y nos da 800.
Al 3 x 40 que nos dio 12, le agregamos un 0 y nos queda 120.
Y así sucesivamente con el resto de los casilleros en los cuales suprimimos anteriormente los 0.
Y finalmente sumamos los cuatro números que nos quedaron como resultado en cada uno de los casilleros.
¿Mejoró tu comprensión?

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Diversidad

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Pero, David Wees, profesor de matemáticas canadiense y asesor en New Visions for Public Schools, una organización que brinda apoyo educativo a las escuelas públicas de Nueva York, Estados Unidos, tiene otra versión de los hechos.
“Recientemente leí que la razón por la cual el método de multiplicación tradicional es de la forma en que es para ahorrar tinta y el papel. No estaba destinado a ser más fácil de usar, sino a preservar recursos ya que cuando se inventó, la tinta y el papel escaseaban”, cuenta Wees.

VEA EL INTERACTIVO:

Así luce el Museo de la Marimba que continúa en construcción

Los primeros visitantes del templo del arte coronado por una cúpula de 180 metros diseñado por el arquitecto francés Jean Nouvel se mostraron impresionados por el edificio.

“Realmente es un orgullo ver que algunos países pueden conseguir algo así”, señalaba Abdulá Al Jaberi de Abu Dabi, que visitó el museo junto a su hija. Se mostró impresionado por la forma en que la arquitectura moderna se combina con las raíces de la cultura regional emiratí.

La diseñadora gráfica Hessa Ali Al Joker, del vecino Dubai, comentaba cómo la ubicación del museo en Cercano Oriente cambia su impresión de las visitas a museos en Europa. “Ahora puedo ver arte con mi espíritu y en mi entorno”. Ya no es necesario viajar necesariamente a Europa para ver exposiciones clásicas, afirma.

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El Louvre Abu Dabi es el primer museo con carácter internacional en el mundo árabe. En más de 6.000 metros cuadrados pretende poner en evidencia la historia y cultura compartidas de la humanidad.

El proyecto fue acordado en marzo de 2007 entre Francia y Abu Dabi. Esta pagó casi 1.000 millones de euros por el nombre del Louvre, así como por préstamos del museo y el asesoramiento del museo francés. La construcción se retrasó sin embargo durante años y la inauguración tuvo que posponerse en varias ocasiones.

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Spears difundió en su cuenta de Instagram un video en el que —vistiendo unos tenis azules, unos shorts y un crop top blanco y una cola en el pelo, mientras escucha la Sonata para piano No. 11 de Mozart (Rondo alla turca) — pinta sobre un un lienzo.

El video, que dura casi un minuto, superó las 4 millones de reproducciones en Instagram, mientras fue una tendencia en redes sociales como Twitter.

“A veces solo tienes que jugar!!!!”, dijo Spears en la publicación.

Sometimes you just gotta play!!!!!! ??????‍?????????????

Una publicación compartida por Britney Spears (@britneyspears) el 13 de Oct de 2017 a la(s) 11:53 PDT

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Lo que pocos se esperaban, quizás, era que ese momento de expresión y creatividad impresionara a alguien al punto de pagar US$10 mil para adquirirlo.

Fue en una subasta. Robin Leach pujó esa cantidad para hacerse con el cuadro con rosas azules, lilas y rosadas, con trazos pequeños en el fondo y enmarcado con un color gris.

It’s #RobinLeach, who just auctioned this @britneyspears piece to … himself! Yes! Great $10k moment #VegasCares @venetianvegas

Una publicación compartida por John Katsilometes (@johnnykats1) el 5 de Nov de 2017 a la(s) 2:47 PST

La buena noticia es que el dinero será donado a las víctimas del tiroteo en un concierto en Las Vegas, Estados Unidos.

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Spears, que actualmente presenta su show Piece of Me en esa ciudad norteamericana, ha dicho que Las Vegas es “su segundo hogar”, además de colaborar con Vegas Cares y su causa benéfica.

Una publicación compartida por Britney Spears (@britneyspears) el 4 de Nov de 2017 a la(s) 7:29 PDT

La ceremonia, a la que asistieron varios artistas locales, contó con las presentaciones en vivo de Primmo, Imox Jazz, Filoxera, Pedro Cuevas y El Tambor de la Tribu. 

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Reconocen el talento guatemalteco en los Premios Artista del Año

Otros reconocimientos destacados fueron para Los Reyes Vagos, como artistas del año; Sara Curruchich, como la artista revelación; El Tambor de la Tribu, con mejor canción pop con Rinconcito; y Rob Fión, con el video del año por Water.

Los Premios Estela 2017 también reconocieron al cantautor Luis Galich, quien recibió un premio por su trayectoria artística. “La fórmula del éxito es 10% inspiración y 90% transpiración”, dijo Galich al público.

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Estos fueron algunos de los artistas y grupos destacados. 

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Estas son las maravillas guatemaltecas que son Patrimonio Mundial

Ubicadas en Alemania, Italia y en su mayoría en Suiza, el conjunto de piezas que serán repatriadas consiste en diferentes piezas cerámicas, entre las que se incluyen cuencos y cabezas de figurillas, entre otros.

Las piezas fueron devueltas en un esfuerzo conjunto del Ministerio de Relaciones Exteriores (Minex), Ministerio de Cultura y Deportes (MdC), junto a un trabajo logístico de DHL.

La repatración consistió en una cadena de coordinación entre dichos ministerios, DHL, las cancillerías y aduanas de los países por medio de las embajadas de Guatemala en Alemania, Suiza e Italia, con el acompañamiento del Viceministerio del Patrimonio Cultural y Natural.

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La entrega de las figuras se hizo de manera voluntaria por los gobiernos de Alemania, Italia y Suiza.

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Conozca a los artistas que destacan en Guatemala

“Lo que pueden esperar es música de nivel mundial hecha por artistas locales”, aseguró Allan Villacencio, organizador e integrante del grupo Cameo Dr.

“El barrilete representa el folclore y el color de nuestras raíces. Simboliza el contacto con lo trascendental, lo cual buscamos hacer con la música, trascender emociones y crear momentos” comentó el artista.

El Festival Barrilete 2017 espera dar a conocer las propuestas emergentes y consolidadas. Son bandas con años de experiencia en el escenario, mientras otras comienzan a sonar.

El evento se realizará en dos días, 10 y 11 de noviembre. El boleto por un día cuesta Q80; los dos días, Q120. ¿Ya las conoce? Estas son las propuestas del Festival Barrilete.

Los Tiros

El grupo que quiere hacer que nadie se quede quieto: todo energía para que las guitarras nos pongan a bailar.

Vástagos Magna

La propuesta hip hop del festival. Un colectivo de artistas que imponen ritmos y letras.

Cameo Dr

El dark pop y el indie rock se encuentran en este cuarteto que propone sonidos que harán mover el pie mientras se tararean las letras.

FÖZZ

Sonido y letras de una de las propuestas frescas del Festival Barrilete. FÖZZ tiene riffs para que se queden en tu cabeza.

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Oricalkos

Los solos de guitarra, teclados y batería van a sonar bastante en la propuesta de Oricalkos, con mucho rock y psicodelia para disfrutar.

Filoxera

Con sus voces melódicas y ritmo marcado, Filoxera trae las canciones que quieren hacernos balancear la cabeza de un lado a otro.

Tijuana Love

El proyecto que quiere ponernos a bailar con sonidos novedosos y ritmos gozadores. No necesitan más introducción.

Yerimkala

Rock, guitarras y fuerza es lo que caracteriza a Yerimkala, un grupo que se hace escuchar con la energía que presenta en el escenario.

Dinosaur 88

Videojuegos y música electrónica son el sello de este dueto que se divierte mientras expresa sus gustos, mientras que el público se la pasa bien.

Casa de Kello

Hay que escuchar a este grupo de rock alternativo que trae melodías y guitarras que están listas para atrapar tu mente.

De la Rut

Las armonías, el saxofón y el buen ritmo marcan a De la Rut, un grupo conocido por el talento de sus integrantes. Y su buena música.

El Sargento Pimienta

Mucho rock, mucha energía en este grupo que se inspira en una de las canciones de los Beatles para tener su propia identidad.

Hot Sugar Mama

Una banda con trayectoria, marcado por el rock preciso que da paso a una voz con bastante presencia.

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Conozca a los artistas destacados en los Premios Artista del Año

Y son varios. Pero, a manera de celebración y reconocimiento, esta lista propone cinco cantantes que han sido exitosos, y que destacan a Guatemala a través de su arte.

¿Ya los conoce? ¿Cuál es su favorito? Aquí 5 cantantes guatemaltecos que han destacado en el extranjero.

Ricardo Arjona

Jocotenango, 1964. Ganador de premios Grammy, múltiples reconocimientos de ventas y cientos de conciertos llenos en toda Latinoamérica, Ricardo Arjona no necesita presentación. Es querido en varios países, como en Chile, donde sus presentaciones en Viña del Mar han sido bien recibidas.

Gaby Moreno

Gutemala, 1981. Creció como artista en Estados Unidos, donde colaboró con varios músicos incluidos Hugh Laurie, el actor protagonista de Dr. House. Ha participado en la grabación de diferentes canciones y se ha presentado en diversos festivales en el mundo. Moreno, además, ganó un premio Grammy.

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Ale Mendoza

Guatemala, 1991. Sus canciones del género pop y latino han comenzado a sonar más en las radios. Ha colaborado con artistas extranjeros como Dylan y Lenny, y ATL. Recientemente obtuvo un reconocimiento en México por su trayectoria, y continúa impulsado su música a diferentes latitudes.

Stephanie Zelaya

Guatemala, 1991. Con miles de seguidores en redes sociales, Stephanie Zelaya continúa produciendo música y promocionándola a través de diferentes espacios. Ha sido entrevistada en diferentes medios, como CNN, y sus videos en YouTube tienen miles de vistas.

Pedro Cuevas

Guatemala. Inició su carrera con Duosway. Después dio el salto hacia una carrera en solitario en la que produjo varios éxitos. En las últimas semanas, firmó por una disquera en México y ha colaborado con artistas de ese país. Es en México, también, donde recibió una nominación a los premios Bandamax.

La noche del pasado martes fue un espacio para que diferentes artistas coincidieran y fueran homenajeados, haciéndoles entrega de diferentes medallas para reconocer su trabajo, obras y trayectoria.

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Homenaje a Miguel Ángel Asturias

La edición 2017 del Premio Artista del Año -trigésimo séptima edición del galardón- contó además con un homenaje especial a la maestra Rina Lazo, de origen guatemalteco y residente en México, que se ha convertido en uno de los principales exponentes del arte muralístico en el país.

“Ha sido muy emocionante encontrar un recibimiento tan cálido, tan cariñoso de todos mis compatriotas. No he dejado de ser guatemalteca. Me siento mesoamericana”, dijo Lazo. “Esta ha sido la prueba de que me quieran y que me quieren tanto. El evento ha sido precioso”.

“Es un privilegio participar en un evento con tan talentosos artistas guatemaltecos, especialmente con Rina Lazo”, comentó José Toledo, quien estuvo a cargo de dar unas palabras de agradecimiento hacia la muralista. “Es una persona que ha sabido llevar el éxito tremendo que ha tenido con una humildad y sencillez”

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En la ceremonia fueron galardonados 14 artistas, incluida Lazo, que destacan en la plástica, danza, diferentes ámbitos musicales, fotografía, literatura y locución.

“Estoy emocionado y contento por recibir este reconocimiento por mi trabajo, que se me da por lo que más me gusta hacer en la vida: componer música, hacer canciones. Es una gran alegría que te reconozcan el trabajo”, afirmó el maestro Fernando Scheel, reconocido por su trabajo en la música. 

Scheel fue uno de los intérpretes musicales de la noche, compartiendo el escenario con el chelista Paulo Alvarado y la cantante Ch’umilkaj Curruchiche, quien también fue homenajeada en el evento. “Es un gran privilegio, un honor y una motivación para seguir cantando la historia de mi pueblo. Trato de plasmar en mis canciones la vivencia de los pueblos originarios, el conocimiento y la sabiduría milenaria que ha sido transmitida”, aseguró Curruchiche.

El evento fue realizado por la organización Premio Artista del Año, con la colaboración del Instituto de Cultura de la Asociación Alejandro von Humboldt y la Fundación G&T Continental.

Artistas destacados

Artes plásticas: Juan Carlos serrano
Danza: Nimrod Lima
Bel Canto: María de los Ángeles Reyna
Canto: Ch’umilkaj Curruchiche
Interpretación musical: Rosse Aguilar

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Trayectoria artística

1. Teatro: César Quiroa Nájera
2. Música: Fernando Scheel
3. Letras: Yolanda Martínez
4. Escultura: José Toledo

Artista extranjero destacado

• Medalla Ricardo Mata – fotografía artística: Rogelio Clará
• Medalla Fabiola Perdomo – danza: Haydée Vásquez
• Medalla Antonio Almorza – locución artística: Renato Martínez
• Homenaje especial: Rina Lazo 

MÁS PREMIOS

Así se vivió la primera edición de los Premios Estela

Los músicos premiados se darán a conocer el 7 de noviembre próximo en el Teatro Dick Smith, del IGA. El evento también será transmitido por plataformas digitales.

Aquí puede consultar el listado completo de las nominaciones.

MEJOR VIDEO

• BanyKomio Ajpú / God Knows
• Diego Alez / Me Gusta 
• Master Fader / Lose Control
• Rob Fion / Water
• Viernes Verde / Huye

CANCIÓN DEL AÑO

• Alliots / Déjate Llevar
• Jono Jones / We Go Up
• El Tambor de La Tribu / Rinconcito
• Chejo Enríquez / Detalles
• Filoxera / Bit of Power

ÁLBUM DEL AÑO

• Cosmopoli Jet / Caja Negra
• Rebeca Lane / Alma Mestiza
• Filoxera / Collective Awakening
• Sargento Pimienta / Tornasol
• Los Reyes Vagos / Sin Gravedad

ARTISTA DEL AÑO

• Esperanto Music
• Los Reyes Vagos
• Primmo
• Tiananmen
• Vinnie Daniel

ARTISTA REVELACIÓN

• Vinnie Daniel
• Bral Beats (Brian Maldonado)
• Diego Ález
• Malbuzee
• Sara Curruchich

CANCIÓN POP

• Piva / La Persona Más Bonita
• Diego Ález / Me Gusta
• Sunday Funday / Cuando Me Mira
• el Tambor de La Tribu / Rinconcito
• Danilo Santos / Un Corazón

CANCIÓN ROCK

• Malbuzee / Tu Silueta
• Los Reyes Vagos / Sin Gravedad
• Primmo / 1954
• Nisler / Burning My Inner Child
• Good Reference / Perdóname

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CANCIÓN URBANA

• Química Positiva / Cuéntame
• Filoxera Ft Kontra / Studio 40
• Gangster / Hola
• Eduar “Jerarquia Music” / Sueños
• Ale Mendoza / Piloteando La Nave

CANCIÓN REGGAE

• De La Rut / Se nos Acaba el Tiempo
• Mariana Santiago / Miradas
• Química Positiva / Te Vi

CANCIÓN METAL

• AndrOmedA / El Vengador
• AndrOmedA / Mar Instelar
• Nova Épica / Emerging
• Oricalkos / Sádicos
• The Maximones / Justicia Social

CANCIÓN TROPICAL

• Barrilete / En Ti Encontré
• Lorena Pinot / Amuleto
• Vinnie Daniel Ft. Alejandro Sago & Dany José / Pirata

CANCIÓN REGIONAL

• Código 502 / Dime Algo
• Shery / Virgen Ya No (versión banda)
• Pedro Cuevas / Pongámonos de Acuerdo

CANCIÓN ELECTRÓNICA

• Cosmopoli Jet / Difícil de Decir
• Dinosaur 88 / Giants
• Master Fader / Lose Control
• Shanahan Ft Rob Fion / One Night
• Tiananmen / Stay with Me

CANCIÓN GOSPEL

• Pescador / Para Ti
• Nivel Alternativo / Eres Mi Guía
• Good Reference / Perdóname
• Lead / Dámelo

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EDUCADOR MUSICAL

Gamaliel Mayen, Byron Campo, Heber Morales, Vinicio Quezada, Fernando Martín, Ethel Batres, Robelio Recinos, Ramiro Vivar, Zoila Luz García Salas, Barbara Vicfotrh

VIRTUOSISMO

Julio Valle, Fernando Martin, Gamaliel Mayen, Fernando Vásquez, Adriana González, Javier García, Donald López, Heber Morales, Mario Chang, Sergio Reyes

PRODUCTOR DEL AÑO

Juan Pablo Perea, Jorge Estrada, Tuco Cárdenas, Ariel García, Marvin Lima, Alex Hentze, Juan Fer Herrera, Nico Farías, Juan Pablo Berreondo

TRAYECTORIA

Bohemia Suburbana, Viento en Contra, Nelson Leal, Checha y su India Maya, Chapinlandia, Luis Galich, Los Internacionales Conejos, Viernes Verdes, Alux Nahual

ARTISTA JAZZ

Jacobo Nitch, Fernando Pérez, Julio Valle, Juan Carlos Murga, Antonio Monterroso, Imox Jazz, Carlos Soto, Carlos Duarte, Fernando Martin, Rolando Gudiel

ARTISTA DE MÚSICA ACADÉMICA

Mario Chang, Yahaira Tubac, Orquesta Sinfónica Nacional, Orquesta Municipal, Roberto Chamalé, Adriana González

ARTISTA DE MARIMBA

Fernando Vásquez, Lester Godínez, Job Sis

BANDA ESCOLAR

Los Buhos Marching Band, NSA Latin Band, San Sebastián, Banda del Colegio Osorio Sandoval, Banda Latina del Instituto Pedro Molina, Mega Show Band Eben Ezer, Big Band Shekina

MÁS ARTE

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Un tercer involucrado ha ofrecido una garantía sobre el cuadro, lo cual significa que pase lo que pase, el 15 de noviembre será vendido en el entorno de los 100 millones de dólares, explicó el martes François de Poortere, responsable de cuadros antiguos en Christie’s de Nueva York.

“Salvator Mundi es una pintura de la figura más icónica en el mundo, del artista más importante de todos los tiempos. La oportunidad de ofrecer esto al mercado es un honor que llega solo una vez en la vida”, dijo Loic Gauzer, experto en arte de postguerra y contemporáneo de Christie’s en Nueva York.

La obra “fue pintada en la misma época que la Mona Lisa, con la que tiene una similitud de composición patente. Leonardo era una fuerza creativa incomparable, y un maestro del enigma. Cuando uno se para frente a estas pinturas, es imposible para la mente descifrar o comprender totalmente el misterio que irradia de ellas. Tanto la Mona Lisa como Salvator Mundi son ejemplos de esto”, añadió.

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Antes de la subasta, la obra será expuesta en Hong Kong, San Francisco y Londres, antes de regresar a Nueva York pocos días antes de la puja.

La primera vez que la pintura fue registrada, pertenecía a la colección del rey británico Carlos I (1600-1649). Luego fue vendida en 1763 por el hijo ilegítimo del duque de Buckingham cuando el palacio de Buckingham fue vendido al rey.

El cuadro desapareció luego hasta 1900, cuando fue comprado como si fuese una obra de un seguidor de Leonardo, Bernardino Luini. Su autoría original y su historia real ya habían sido olvidadas, y la cara y el cabello de Cristo habían recibido otras capas de pintura. En 1958, fue vendido en una subasta en Sotheby’s por 45 libras esterlinas.

La pintura volvió a desaparecer casi 50 años, y emergió en 2005, cuando fue comprado por un coleccionista europeo -su dueño actual, que se mantiene en el anonimato- a un grupo estadounidense en una pequeña subasta regional. Siguieron seis años de minuciosa investigación para documentar que era realmente un Leonardo.

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En 2011, su presentación al público en la exposición Leonardo da Vinci: pintor en la corte de Milán en la Galería Nacional de Londres causó sensación.

La obra Sixty Last Suppers (Sesenta últimas cenas), del pintor estadounidense Andy Warhol, que representa 60 veces La última cena de Da Vinci, será vendido en la misma noche del 15 de noviembre. Su precio es estimado en 50 millones de dólares.

Este sábado se abrió la exposición Homenaje a Murillo en el Centro Cultural de España, zona 1. El objetivo es hacer un homenaje al pintor sevillano en el cuarto centenario de su nacimiento.

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El arte también se hace con aserrín

“Este año se hizo una convocatoria, que consistía en presentar un rostro relista con la técnica que ellos dominaran.  Los seleccionados recibieron un taller de encarnado con la maestra Margarita Tercero para pulir la técnica”, explica Eddy Montenegro, jefe de departamento de arte de la institución.

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Los más pequeños también demostraron que la edad no es un obstáculo. “Cuando uno da la clase, uno nota a los alumnos que tienen la habilidad. Esos estudiantes llevan un proceso distinto, donde lo que se quiere es llevarlos a un mejor nivel de técnica”, comenta Juan Pablo Mejía, Maestro de arte de primeria.

En cuanto a la dificultad de la obra, Marta Elena Minera, maestra de arte de secundaria, dice que todos los cuadros eran un reto. “Los que tienen más personajes tenían más rostros y ropa que es difícil, pero los de un personaje uno se fija más los detalles”, afirma la profesora y agrega “durante la elaboración cuidamos la proporción, la piel, que los rostros no fueran planos”, finaliza.

Obras

Sara Lara, Pilar Pinera, Hugo Massella, Rocío García, Indra Minera, Cristina Molina y Bruno Guerra son algunos de los estudiantes que presentaron su trabajo. Cada uno tuvo retos que superar, pero todos estaban muy satisfechos con su obra. A continuación, se la presentamos.

Las máximas virtudes (= “aretai”) a las que aspira el héroe homérico son: honra (= “timé”), gloria o fama (= “kleos”), elogio (= “epainos”), libertad (= “eleuthería”), justicia (= “dike”), ligada íntimamente a venganza (= “tisis”).

Pero entre todas estas “aretai”, la más sobresaliente en el mundo heroico es la valentía (= “andreia”).

Por medio de estas virtudes el hombre homérico alcanzará la única inmortalidad que se le es permitida: que sus proezas sean cantadas por los poetas y, así, se transmitan, a través del tiempo, de generación en generación.

Para la ejecución de estos ideales se cuenta exclusivamente con esta vida en la “physis”, única verdadera para el héroe homérico, el cual es educado —de acuerdo a Fénix, maestro de Aquiles— para “pronunciar palabras y para realizar acciones”.

Palabras y acciones que tendrán escasa repercusión en el más allá después de la muerte y que únicamente son valederas para esta vida. La “meta” “physis” (=más allá de la naturaleza), le preocupa al homérico pero como algo tenebroso, del cual no puede escapar: el hades o el infierno.

Siendo mortal, el humano ha de alcanzar la máxima perfección en el campo de la poesía (palabra) y en el de la acción (valentía en la guerra). Jamás exalta Homero el “mundo del más allá” o “metafísico”.

Es cierto que Aquileo se muestra soberbio frente a Héctor, pero no le podemos culpar de falta de compasión. Al ir el padre de Héctor a rescatar el cadáver de su hijo, Aquileo llora junto a Príamo, compadeciéndose de su hondo sufrimiento (al hacer la transferencia psíquica y verlo como a su propio padre). Y Príamo recibe, junto a las lágrimas de Aquileo, el cadáver de su amado hijo Héctor.

Muertes lentas y torturas en contra del enemigo son desconocidas por el héroe homérico. Esto no ha sido recalcado por ninguno de los eruditos de la cultura griega.

Porque el culto al humano por el humano es para el heleno el centro fundamental alrededor del cual gira toda ética. Aún el enemigo es exaltado por sus preclaros antecesores y su actual valentía. Jamás se hace mofa de él. Se le mata o se le esclaviza en la guerra, pero nunca se le tortura con ánimo de goce sádico.

El sadismo se dará en el mundo de los dioses, quienes por ser inmortales están más allá del bien y del mal y no tienen necesidad de “paideia” (=educación) ni de ideal alguno al cual aspirar, ya que son perfectos en cuanto a poder, belleza e inmortalidad; no así en cuanto a ética, la cual desconocen.

Pero hay que insistir en que el héroe homérico se enfrenta solo a la muerte. Los dioses que le otorgan protección, según sus caprichos no le prometen una mejor vida después de la muerte. El destino (= “moira”) que culmina con la muerte le rige de manera implacable.

Este es el auténtico contexto “trágico” en el que se desenvuelve la vida del héroe homérico de acuerdo a su religión.

Jaeger, en el capítulo Nobleza y areté de su Paideia, observa cómo “areté”: reviste en parte la forma de mandamientos y en parte consiste en una serie de preceptos sobre la mortalidad externa y en reglas de prudencia para la vida, transmitidas oralmente a través de los siglos (…)” .

Es interesante hacer notar que en la interpretación (profunda y exacta) que Jaeger de la palabra “areté”, no incluya la moral de Sócrates. En cambio, hace constante referencia a “la antigua cultura aristocrática helénica”, cuyo máximo representante es Homero.

“El más antiguo testimonio de la antigua cultura aristocrática helénica, es Homero, si designamos por este nombre las dos grandes epopeyas: La Ilíada y La Odisea.

margaritacarrera1@gmail.com

En un escenario único, el festival reunirá a más de cien artistas guatemaltecos en las ramas de escultura, pintura, fotografía, música, moda y decoración, entre otras. 

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La actividad que busca exaltar la cultura del país se realizará el próximo 30 de septiembre en el Convento Santa Teresa en Antigua Guatemala, Sacatepéquez de 13 a 20 horas.

El festival se realizará en tres áreas del Convento Santa Teresa.

Plaza Central
Habrá músicos, mimos, malabaristas, gigantes, magos y recorridos para apreciar el convento y los arreglos florales que se ubicarán en el recinto. 

Pasillos del Claustro
Se ubicarán quioscos de exposición y venta de pintores emergentes, así como de escultura, artesanía y degustaciones de comida y bebidas. 

Interiores
Se realizará una exhibición de moda de la diseñadora Anita Lara, 20 modelos internacionales desfilarán la última colección de la diseñadora. 

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Abel ha alegado durante años que su madre mantuvo un romance con Dalí. De haberse confirmado la paternidad, la mujer tendría derecho a una parte de su vasto patrimonio. La fundación dijo que estaba feliz de que se haya resuelto la “absurda” demanda.

El abogado de Abel no respondió de inmediato a llamadas en busca de comentarios.

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Un vocero de la corte dijo que el tribunal no ha hecho públicos los resultados pero que había enviado el informe forense de la prueba a las partes en la demanda. Habló a condición de anonimato, siguiendo las reglas internas de la corte.

La demanda de paternidad llevó a la exhumación del cuerpo embalsamado de Dalí para poder tomar muestras genéticas. Expertos forenses removieron pelo, uñas y dos huesos en julio.

La fundación, que administra el patrimonio de Dalí en nombre del estado español, dijo al momento de la exhumación que los restos de Dalí — incluido su famoso bigote — estaban bien preservados y momificados tras un proceso de embalsamamiento realizado hace tres décadas.

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La fundación dijo que los restos del pintor serán retornados a su féretro, enterrado en el Teatro-Museo Dalí en Figueres, la ciudad natal de Dalí, en el noreste de España. Dalí murió en 1989, a los 84 años.

Abel alegó que su madre tuvo una relación amorosa con Dalí mientras trabajaba como empleada doméstica en Figueres. Dijo que su abuela reveló el secreto familiar cuando Abel aún era joven y que su madre confirmó la historia años después.

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Barrios (Guatemala, 1949) fue pintor. Realizó estudios artísticos de diseño gráfico en Costa Rica y España. Como artista, destacó por su trabajo en acuarela y óleo.

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“Era un virtuoso de la acuarela”, dijo Cotton. “Fue un dibujante excelente. Como persona era sensible y honesta. Los que lo conocimos, siempre vamos a guardar un gran recuerdo de su persona”.

Participó en exposiciones colectivas en distintos países en Brasil, Costa Rica, Italia, España, Taiwán, México y Estados Unidos. También se dedicó a la publicidad como director artístico.

César Barrios recibió dos segundos premios del Salón Nacional de la Acuarela, en 1981 y 1982, así como el primer premio en Grabado de la X Bienal de Arte Paiz 1996. En 1999, fue finalista del certamen de Juannio.

Muestra una ola gigante a punto de chocar con tres botes pesqueros y sus tripulaciones.

En el horizonte se ve el Monte Fuji, el pico más alto de Japón, pero empequeñecido por la ola colosal.

La pieza fue creada por el artista Katsushika Hokusai, quien tenía alrededor de 70 años cuando la hizo.

Forma parte de la colección: “Treinta y seis visiones del Monte Fuji”, una serie de paisajes, y fue hecha en un grabado de madera con colores.

“El artista es Hokusai, el más famoso y más grande maestro del ukiyo-e, o grabado japonés. Esta técnica artística consiste en imprimir en bloques de madera la escena que se quiere representar, y tuvo un auge muy importante entre el siglo XVII y XIX en Japón”, señala el sitio especializado en arte: arteselecto.es

La creación de “La gran ola de Kanagawa” se remonta a inicios de la década de 1830.

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El festival inició con una presentación estelar de la Big Band Jazz del Conservatorio de Quetzaltenango, dirigida por el músico Arturo Xicay.

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También participaron las artistas estadounidenses Patrice Fisher y Fran Comisky, junto a los guatemaltecos Edwin González y Carlos Valladares, junto a Arpas en Armonía.

#CentroHistórico | La Big Band Jazz del Conservatorio de Quetzaltenango inicia su presentación. pic.twitter.com/cQPdjNbDWF

— José Andrés Ochoa (@jochoa_pl) 11 de agosto de 2017

Los invitados especiales combinaron el jazz con música de cuerdas y percusiones. Sorprendieron, también, con un arreglo de El mishito.

#CentroHistórico | "El mishito", en un arreglo especial, se escucha. pic.twitter.com/OsJro5LKJa

— José Andrés Ochoa (@jochoa_pl) 11 de agosto de 2017

El alcalde de la ciudad Álvaro Arzú, el viceministro de cultura y deportes Max Araujo, embajadores y distintas autoridades de gobierno y culturales estuvieron presentes en la inauguración.

La edición número 20 del Festival del Centro Histórico empezó este jueves 10 y continuará hasta el sábado 19 de agosto.

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El evento cultural cuenta con un programa de diferentes actividades como exposiciones, conciertos, talleres, conferencias, obras de teatro, recitales y muestras de cine.

#CentroHistórico | Bajo el lema "Viva el centro", así inicia el festival. pic.twitter.com/WqSl0C0z4c

— José Andrés Ochoa (@jochoa_pl) 11 de agosto de 2017

Entre las sedes de los eventos están la Universidad Popular, el Parque Enrique Gómez Carrillo, Proyecto Poporopo y Teatro de Bellas Artes, entre otros.

El programa completo puede consultarse en la página del festival.

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En su Facebook, la artista explica su obra como “un homenaje a las mueres Q’eqchi’ por su valentía. Los cortes hechos de textil están enrollados porque así los guardan en sus armarios, así que en esta instalación todos apilados en esta columna vertebral, es una manera de guardar la cultura. Además cada corte guarda una historia, la historia colonial, de la guerra interna, de la violencia, del racismo, pero también de la felicidad, cotidianidad y dignidad de las mujeres.

La trienal contará con la participación de 60 artistas de 13 países distintos, quienes participarán en debates, exposición de obras y performances.

La Trienal de Artes Fretas es un proyecto transdiciplinar, enfocado en las artes visuales, que busca contribuir a la formación del público y difundir arte contemporáneo con una perspectiva de ampliación de acciones culturales en la región.

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En abril, la artista recientemente expuso en Guatemala Distorsiones e imperfecciones, una muestra de la tierra y la sangre, en la que utilizó el achiote como hilo histórico del continente americano.

Desde temprano los poetas -nacionales e internacionales- llegaron a los centros carcelarios para compartir sus pensamientos, los cuales han plasmado en versos.

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Uno de los agentes de la PNC dijo haberse sorprendido porque nunca habían tenido una actividad similar en la institución.
“Me invitaron a participar en esta actividad, la cual me pareció muy interesante, porque en las letras están plasmados los sentimientos de cada uno de los poetas”, acotó el agente.
El FIPQ también se extendió a la capital de Guatemala, Chimaltenango, San Cristóbal Totonicapán, San Marcos, La Esperanza, Antigua Guatemala entre otras ciudades.

El alma femenina se gobierna, indudablemente, por las emociones, por el sentir más que por el simple pensar. Es apasionada, violenta, irracional ilógica, categóricamente absurda, vorazmente incontrolable. En vano se le quiere someter a las leyes más severas, controlar sus ímpetus desaforados. Ella se levanta, cuando menos lo espera, como descomunal ola que todo arremete, que ante nada se arredra.

Su mundo, por muy ordenado que parezca, por muy metódico, y disciplinado, es un mundo de desasosiego, de inconformidad, de fuego. Hecho de pasión, o lo que es lo mismo, de carne, de hueso. Quien se acerca a la mujer se acerca siempre al amor mismo, por lo tanto, a la vida.

Todo lo da, pero también todo lo arrebata. Como la tierra y el mar. Es pacífica y violenta, acre y dulce. Si le abandona el ser amado, temible, su furor no conoce límites. Ya lo dice Medea: “A temores propensa la mujer siempre. No quiere luchas, se espanta del acero… pero ¡que no se le toquen el lecho conyugal; no hay entonces un alma más sedienta de sangre!”.

Ernesto Sábato reafirma la vinculación de la poesía y el arte con el alma femenina: “Y, en efecto, ¿qué más femenino que el arte, aunque (o porque) sea realizado por hombres?…”

Porque ninguno, como la mujer, es el instinto mismo, la intuición, la inconsciencia, el amor en su grado excelso o catastrófico.

Platón, al hablar del amor, hace que Sócrates, en El banquete, confiese que lo que sabe de este sentimiento como de “otras muchas cosas” se lo debe a una mujer llamada Diótima: “Ella fue mi maestra en cosas del amor”. Y si Diótima es quien da lecciones de amor de manera tan excelente al comedido aunque descomunal filosófico, ¿no es porque ella por experiencia propia ha conocido todas las fases del amor, y por lo mismo sabe de su íntima conexión con el arte que encierra en “su núcleo capital toda clase de apetencias por los bienes y por la dicha”? Claro que el discreto Sócrates vuelve un poco masculinas las palabras de Diótima al quererle dar al amor cierto sesgo razonable. Porque, ya lo sabemos, el amor entiende un poco o casi nada de razones; es médula, saliva, y ello está más allá de toda lógica mesurada.

Nadie, pues, como el alma femenina para sentir el arte que, en última instancia, siempre es profundo amor. Aunque la mayoría de las veces no logre expresarlo a través de una obra como lo hace el hombre. Ella simplemente lo vive, y con intensidad inigualable. Puesto que es la vida misma la que la gobierna, esa vida caótica y desajustada, infernalmente instintiva.

Y vibra, infinitamente, en la ventura como en la desventura. Su rostro refleja, como la música, la poesía, la pintura, las emociones más profundas. Verla dolida o feliz es contemplar cualquier obra viva de arte supremo.

Por lo cual no podemos dejar de revivir los eternos caracteres de las grandes mujeres griegas, fruto de la inspiración de los varones Esquilo, Sófocles, Eurípides. Ahí están, repitiéndose una y otra vez en la historia de la humanidad, Medea, Yocasta, Electra, Clitemnestra, arrasadas por las temibles pasiones, de nuestros instintos irrefrenables, de los calamitosos deseos impostergables.

El alma de la mujer encierra, entonces, vida y arte desbordantes. Podríamos afirmar que el arte es el alma de la mujer modelada por el espíritu del varón. Siendo, aquí, alma sinónimo de pasión y espíritu, de razón. Ciertamente, como dice Sábato: “El artista sería una combinación de la conciencia y razón del hombre con la inconsciencia y la intuición de la mujer”.

margaritacarrera1@gmail.com

Marcada por el sufrimiento y el dolor, la artista mexicana Frida Kahlo, calificada como surrealista a pesar que ella siempre dijo que no pintaba sus sueños sino su propia realidad, cumpliría hoy 110 años.

A los seis años de edad se vio afectada por la poliomielitis y eso le dejó como secuela una pierna mucho más corta y delgada que la otra, desde ese momento su vida fue muy triste y llena de complejos.

En 1922 ingresó a la Escuela Nacional Preparatoria de México, en dónde se caracterizó por ser rebelde, incluso en ocasiones se vestía de hombre únicamente para molestar, principalmente a sus familiares. En esa época conoció al muralista mexicano Diego Rivera.

Un día, en 1925, cuando regresaba de la escuela, Frida se vio involucrada en un trágico accidente, que casi le costó la vida, y que le dejó fracturadas la columna vertebral, la clavícula, varias costillas, la pelvis y una pierna en once lugares diferentes. Requirió más de 30 dolorosas operaciones.

El tratamiento y rehabilitación le implicaron reposo absoluto y el aburrimiento que le produjo ese descanso la llevó a empezar a pintar, pasatiempo que se convirtió en pasión. “Yo pinto mi propia realidad, lo único que sé, es que pinto porque lo necesito, y pinto lo que se me ocurre, sin más consideraciones”, dijo.

Todo el sufrimiento se reflejó en sus cuadros, por ello, en muchas de sus obras se retrataba a sí misma con un collar de espinas, clavos, o cortes en el cuerpo. Ella misma decía “Mi pintura lleva un mensaje de dolor. Ha completado toda mi vida”.

En 1929 Kahlo contrajo matrimonio con Diego Rivera, una relación apasionada y alocada de dos personas de carácter fuerte. En 1940 se divorciaron, pero antes que trascurriera un año volvieron a casarse. A pesar que Frida era tan infiel, incluso con mujeres, como su marido, ella decía que ser la mujer de Diego era la cosa más maravillosa del mundo. “Yo le dejo jugar al matrimonio con otras mujeres. Diego no es el marido de nadie y nunca lo será”, dijo.

La pareja recibió a numerosos visitantes de Estados Unidos y Europa, y los dos tuvieron numerosas aventuras amorosas. Quizás la más famosa de Kahlo fue con el exiliado líder comunista ruso León Trotsky.

“Ella era una de las pocas mujeres liberales de esa época que tenía una carrera, vivía una vida independiente, decía lo que pensaba, actuaba como le parecía y estaba liberada de restricciones sociales”, dijo Carlos Phillips, director del museo Frida Kahlo. Pero la constante infidelidad de Rivera, incluyendo una aventura con la hermana de la pintora, suscitó una famosa frase de Kahlo de que había padecido dos accidentes en su vida: el del autobús y Rivera. 

Los sufrimientos de Frida aumentaron porque debido a sus lesiones, nunca pudo tener hijos, lo cual tardó mucho en aceptar.
Por su parte, Diego Rivera, a pesar que pasaba aventuras con otras mujeres, ayudó a Frida en muchos aspectos. Él fue el que le sugirió que vistiera con traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica. Rivera amaba la pintura de Kahlo, fue su principal admirador, en cambio Frida, fue la mayor crítica de Diego y el amor de su vida.

Con la ayuda de los pintores Andre Bretón y Marcel Duchamos, Frida pudo exponer algunos de sus cuadros en Estados Unidos y Europa. En 1943, en la última y única exposición que la artista realizó en su país natal, escandalizó al público, porque hizo que la llevaran a la exposición en la Galería de Arte Contemporáneo, en camilla. La dejaron en medio de la sala y ella contó chistes, cantó y bebió toda la tarde, situación que provocó, al final, el éxito de la muestra.

Poco después le amputaron una pierna, y eso la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en varias oportunidades. Murió el 13 de julio de 1954. Sus últimas palabras en su diario fueron “Espero que la marcha sea feliz y espero no volver”.

A 110 años de su nacimiento y casi 63 años de haber muerto, Kahlo ha sido motivo de inspiración para exposiciones, diseños de moda, e incluso reproducciones de sus obras en artículos decorativos. En Estados Unidos la oficina de correos imprimió su imagen sobre la estampilla de 34 centavos, siendo la primera mujer hispana en recibir ese honor.

Pero en los últimos años, su arte es requerido por museos importantes en todo el mundo y sus vestidos han inspirado a diseñadores de modas. Su estilo de vida bohemio -que se cruzó en el camino de muchos artistas, escritores y celebridades- ha sido objeto de obras de teatro y la película del 2002 Frida, interpretada por Salma Hayek.

En México, Kahlo parece haber adquirido estatura de heroína. En puestos callejeros se venden reproducciones de sus obras, fotografías y camisetas junto con recuerdos de Pancho Villa y Emiliano Zapata.

En 1987 Cecilio Baeza Gámar ya era reconocido por ser un excelente ingeniero, pues poderosos empresarios lo buscaban para  un sinfín de consultorías.
Una madrugada de octubre de ese año, luego de supervisar unas construcciones en Amatitlán, se subió a su microbús  y se  puso en marcha. Luego de unos minutos vio a lo lejos dos luces que se aproximaban. Los segundos posteriores no los recuerda, excepto que el copiloto apenas lo ayudó a timonear. “Si no lo hace, llevaría 30 años muerto”, dice.
El auto solo resultó dañado del faldón. Él y sus acompañantes se salvaron. “Reflexioné mucho. Me di cuenta de que mi vida estaba desordenada”, comenta. “Para entonces, con los amigos nos echábamos los traguitos y andábamos con mujeres; después del accidente vino un cambio radical”, agrega.
Hoy, Baeza Gámar (Ciudad de Guatemala, 19 de septiembre de 1950) sigue dedicándose a la ingeniería y a las consultorías. También es capacitador, motivador y pintor —tiene una licenciatura en Arte por la Universidad de San Carlos—. Además, ha escrito los libros Frente al espejo (1992), En el umbral del mañana (2004) y Frente al espejo, 20 años después (2014).
También imparte clases de la Biblia y tiene un programa de televisión en el canal Jesús TV, el cual se transmite por cable. “Trato de decirles a los cristianos que no es necesario estar metido en una iglesia para ser mejores personas, sino que a Cristo siempre lo debemos llevar en nuestros corazones”, expresa.

Cuando digo ingeniero me viene a la mente una persona metódica, exacta; pero cuando pienso en un pintor tengo la imagen de alguien libre. Usted, sin embargo, abarca esas dos facetas tan dispares.

Así me han dicho —ríe—. La ciencia indica que en el hemisferio izquierdo se manejan la planeación y los métodos; en el derecho, el arte y la creatividad. La mayoría domina uno pero no ambos. Lo que hay que hacer es romper con el esquema y manejar esas partes del cerebro. Para ello hay que cultivarse en diferentes áreas. Einstein, por ejemplo, fue un gran científico que también interpretaba el violín.

Así que hay que tener la mente abierta.

Por supuesto. No hay que encerrarse en una cosa; hay muchos caminos y oportunidades; todos somos aptos para hacer lo que se nos ocurra.

A usted se le ocurrió ser ingeniero.

En realidad quería ser arquitecto, pero mi papá no tenía los recursos para sostenerme la carrera. Por eso me decidí por la Ingeniería, la cual consideré que me podía ayudar un poco más. Primero fue en el área industrial y luego en la mecánica.

¿Cuándo empezó a trabajar?

A los 19 años. Sigo ejerciendo la ingeniería y conozco alrededor de 25 procesos industriales.

En un pequeño cuarto que está atrás de su oficina, Baeza Gámar tiene estanterías llenas de manuales de procesos productivos y de documentos de los distintos talleres o cursos que ha impartido, como bodegas e inventarios, compras y suministros, logística o planeación estratégica. “Me gusta documentar todo lo que hago”, dice.

¿Cree que los colaboradores de las empresas toman en serio los cursos de capacitación?

Hasta la década de 1990 no se les ponía la atención debida, pero ahora las cosas han cambiado. Tanto las empresas como los trabajadores están más conscientes de la importancia de dar y recibir actualizaciones.

¿Ha detectado que la gente le teme al cambio?

Sí. Una vez estaba haciendo una consultoría para una compañía y un señor de unos 50 años se me acercó para decirme: “Ingeniero, ¿usted me podría conseguir un trabajo donde no hubiera tanto cambio? Es que aquí a cada rato modifican operaciones, tecnología y hasta la forma de administrar”. Le contesté que con mucho gusto, pero que tuviera en cuenta que esa otra empresa sería como embarcarse en el Titanic, porque terminaría hundiéndose.

¿Ese temor es exclusivamente de la gente adulta o es general?

Se da en todas las edades. Incluso hay “jóvenes viejos” que se acomodan en lo que hacen y, quizás por miedo, no se van a otra empresa ni se actualizan. Mi libro Frente al espejo, 20 años después se enfoca  precisamente en esas personas que se han quedado estancadas; básicamente trato de que reaccionen y que se den cuenta de que pueden conseguir más y mejores cosas. En la edición de 1992 me centré en preparar a la gente para su jubilación y de incentivarlos a que mantuvieran metas de vida.

¿Piensa jubilarse?

No. La jubilación es buena para aquellos que pierden sus capacidades. Al contrario, como le acabo de mencionar, hay que seguir activo y con objetivos.

¿De qué trata su otra obra En el umbral del mañ?ana?

Doy consejos para prepararse para la vida familiar y la carrera profesional; va dirigido a jóvenes y maestros.

Tengo entendido que planea escribir otro libro.

Estoy en proceso de edición. Se va a llamar De mis noches oscuras al plenilunio;  es más un proyecto personal, pues, en verso y prosa, narro cómo fui de joven y cómo soy ahora.

En ese momento toma un cuaderno de hojas amarillentas que está sobre su escritorio y lee un poema  que escribió hace muchos años:
“Cuando mi mente se llena de turbulentos pensamientos, mi vista se nubla, mi corazón palpita, mi garganta se anuda, y solo a través de mi negra pestaña, logro percibir la lejanía, el centellar de la ilusión que tú me brindas”.
Esas líneas, por supuesto, las incluirá en su nueva obra.
En su oficina también se observan objetos de todo tipo: libros, lapiceros, lápices, reglas, papeles, una radio y un televisor antiguos y, claro, pinturas.

¿Usted las pintó?

Aquel cuadro sí —señala uno que está frente a él y que tiene la imagen del lago de Güija—. Este no —apunta al que está a su derecha y que tiene a una mujer desnuda—.

¿De quién es?

Del ecuatoriano Oswaldo Cercado, quien fue un gran amigo. De hecho, fue mi maestro de pintura. Sobre él escribí una semblanza, pero no la he podido publicar.

¿Cuándo empezó a pintar?

Alrededor de 1978. Cercado me invitó a su taller, que lo tenía en la zona 10. Me sacó a la calle Real de la Villa, actual Diagonal 6, y me puso a dibujarla. Yo, como ingeniero, hice trazos en perspectiva. Así seguí y un día me dijo: “Sabes dibujar, pero no puedes manejar los materiales”. Fue entonces que me invitó a que llegara una vez a la semana a su lugar de trabajo y que, por Q25 mensuales, me iba a enseñar a pintar.

¿Llegó?

Sí. A los tres meses nos hicimos muy buenos amigos y ya no me cobró —ríe—. Congeniábamos porque en esos tiempos nos íbamos de parranda; éramos como uña y mugre.

Acerca de la obra de Baeza Gámar, el crítico de arte Juan B. Juárez escribió: “(sus pinturas) son intimistas, subjetivas y poéticas. Más que la realidad, domina en ellas el acervo personal que recrea no tanto los lugares visitados como las emociones experimentadas (…) Decididamente romántica, la pintura de Baeza oscila entre la nostalgia y la pasión”.

¿Su obra se centra en algún tema específico?

Hay de todo, aunque tengo mucho paisajismo. Hay colecciones tan variadas como sus títulos: Casas de marimba, En el umbral del mañana o Viejos activos y productivos. Lo más bonito es que las vendo —bromea—.

¿Cuántos cuadros ha pintado?

Son unos mil óleos. He tenido 25 exposiciones individuales y alrededor de 150 colectivas. Ahora tengo un proyecto de pintar 60 retratos.

Cuénteme sobre su faceta como capacitador y motivador.

Me abrió la mente Og Mandino —autor del best seller El vendedor más grande del mundo—. La motivación que recibí me dio empuje para hacer más proyectos. Comencé asesorando e impartiendo cursos, sobre todo de producción y mercadeo. En la Asociación de Gerentes de Guatemala y en las diversas cámaras, así como en empresas, he brindado conferencias, asesorías y consultorías sobre logística, inventarios, compras, producción y planeación estratégica; actualmente me enfoco en el área medioambiental, liderazgo, coaching y asertividad en la comunicación.

¿Cómo le da tiempo a hacer tantas cosas?

La clave está en la organización y la disciplina.

“Dame unas letras de graffiti, ponlas en una polera, escribe Banksy y ya está listo. Ya se puede vender. No le quiero faltar el respeto a Robert, creo que es un artista brillante. Creo que le ha dado la vuelta al mundo del arte”, dijo Goldie durante una entrevista en Podcast.

Al darse cuenta de lo que había hecho, Goldie continuó con la entrevista, cambiando de tema abruptamente. El agente de Del Naja, presionado por los medios británicos, se ha negado a confirmar si el músico es realmente Banksy.

La música de Massive Attack ha sido empleada en diversas películas y series como The Matrix, Dr. House, Snatch: cerdos y Diamantes, El Vuelo del Fenix, entre otras.

No es la primera vez que Naja ha sido señalado de ser el autor de tan emblemático arte, la posibilidad se ha analizado por las autoridades desde 2013, luego de que expusiera su segunda colección de obras como el artista de grafiti de Bristol.

Su primera exposición la hizo en 2010 y dio a conocer que tuvo problemas para pintar porque es daltónico.
“Por esto tuve que marcar los sprays porque no podía saber de qué color era cada uno”, dijo entonces.

El festival de arte, inaugurado el 12 de mayo, incluyó el pabellón de Guatemala, en el que se difunde el arte y la cultura del país centroamericano.

En la Bienal participan los artistas guatemaltecos César Barrios, Lourdes de la Riva, Arturo Monroy y Elsie Wunderlich, así como los artistas italianos El Círculo Mágico: Andrea Prandi y Erminio Tansini.

La muestra estuvo bajo la curaduría del profesor Daniele Radini Tedeschi, con la colaboración administrativa de Stefania Pieralice y el gobierno de Guatemala.

Uno de los temas que es visible dentro de las presentaciones de los artistas es los daños a la naturaleza y las áreas forestales del país.

“Me siento feliz. Un artista, cuando termina un proyecto, siente una misión cumplida”, dijo Elsie Wunderlich. “Para mí es importante lograr un vínculo entre la obra, el artista y el público”.

La obra de Wunderlich hace una crítica y una observación a la deforestación, y busca generar una reflexión en el cuidado del medio ambiente.

“Mi obra trata el tema de las cenizas y el carbón, que es lo que está quedando de nuestro paraíso”, explica Arturo Monroy sobre su obra, llamada Cenizas del paraíso. 

La muestra, ubicada en el Palazzo Albrizzi-Capello 4118, Cannaregio, Venecia, permanecerá abierta hasta el 20 de noviembre de este año.

En el pabellón de Guatemala también se incluyen datos para dar a conocer sucesos históricos de Guatemala. José Luis Chea Urruela, ministro de cultura y deportes, acompañó la inauguración. 

El destino de los restos del escritor será el Cementerio Civil de Larache, donde está enterrado un escritor que Goytisolo admiraba, el francés Jean Genet, como él mismo homosexual declarado, enamorado del mundo árabe y con un aura de escritor maldito en las letras francesas.

Goytisolo sufrió un ictus el pasado marzo, que se añadió a una fractura de fémur sufrida el año anterior, lo que le hizo perder mucha movilidad en los últimos tiempos, en los que solamente salía de su casa en la medina (ciudad antigua) para tomar un té en la plaza Yamaa al Fna que tanto ayudó a dar a conocer en el mundo.

Goytisolo vivía en una casa antigua de la medina, que como es corriente en la ciudad disponía de un patio interior donde crecían un naranjo y un limonero que proveían sombra. Bajo su copa se sentaba el escritor; en el piso de arriba, disponía de una enorme biblioteca personal y una oficina donde escribía.

Pero en los últimos años, Goytisolo ya casi no podía escribir, y en sus colaboraciones periodísticas o literarias era ayudado por Ricard Parise, un amigo personal también residente en Marrakech y que hoy fue el primero en transmitir la muerte del premio Cervantes.

“La ciudad ha perdido a un gran escritor, que eligió vivir entre nosotros, y los marrakechíes estaban contentos de tenerlo como vecino”, dijo a Efe el alcalde de Marrakech, Mohamed Belqaíd.

“Desgraciadamente, la ciudad no dispone de un ‘cementerio compartido’, por lo que tendrá que ser enterrado fuera de la ciudad”, añadió el alcalde.

Efectivamente, Goytisolo, descreído declarado de todas las religiones, había dejado clara su voluntad de ser enterrado en Marruecos, pero no en un camposanto católico. Eso dejaba muy pocas opciones, pues casi todos los cementerios son musulmanes o judíos, y algunos pocos cristianos.

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Sin embargo, en Larache existe un Cementerio Civil, que la familia de Goytisolo ha considerado que será “la mejor opción” para que reposen los restos del escritor, según dijeron a Efe las fuentes consulares.

Así, el cadáver del escritor catalán saldrá en la mañana por la mañana desde Marrakech para recorrer los más de 500 kilómetros hasta Larache, donde el Cementerio Civil se levanta en una colina que mira al océano Atlántico.

El alcalde de Marrakech lamentó no haber podido ofrecer un homenaje en vida a alguien que “conocía tan bien el patrimonio material e inmaterial de la medina”.

Era más que eso: fue su empeño personal el que hizo que la famosa plaza de Yemaa al Fna, centro geográfico, espiritual y mágico de la ciudad, fuera declarada Patrimonio cultural inmaterial de la humanidad por la UNESCO en 2001.

Goytisolo era muy apreciado en la medina de Marrakech, y cuando salía de su casa era saludado efusivamente por sus vecinos, que sí sabían cuánto debían al escritor.

Sin embargo, estaba muy alejado del ruido mediático y del bullicio que acompaña a la ciudad más turística de Marruecos, que cada año visitan cerca de cinco millones de personas.

El nuevo Marrakech de boutiques “fashion”, de galerías de arte, de grandes hoteles y de discotecas a la última moda no tenían mucho que ver con Goytisolo, que prefirió compartir su vida con el Marrakech más auténtico de la medina, que también está siendo invadido por los turistas gracias a los numerosos “riads” rehabilitados.

Sentado en una silla de ruedas, bajo la sombra del naranjo y el limonero, Goytisolo ha consumido los últimos días en el lugar que él eligió. En su última visita al hospital, y contra la opinión de los médicos, exigió regresar a su propia casa. Quería morir en paz.

Despertarse al pie de la majestuosa obra del ilustre pintor holandés en el museo era algo que nadie hasta la fecha había podido disfrutar. Recibido con gran pompa, como a una estrella, este apasionado del arte tendrá difícil volver a la realidad tras este “sueño inolvidable”.

“El visitante número 10 millones del Rijksmuseum ganó la única oportunidad de pasar la noche, por primera vez en la historia, entre tesoros holandeses”, declaró satisfecho el director del museo, Taco Dibbits.

Just ran into #StefanKasper; @rijksmuseum 10.000.000 visitor; he did really sleep here and turned out the light himself #sweetdreams pic.twitter.com/0uqo4tv6qk

— Cecile vd Harten (@CVMvanderHarten) June 2, 2017

El feliz elegido compró la “entrada de oro” durante una excursión con sus alumnos del instituto de secundaria Montessori de Aerdenhout, cerca de Ámsterdam.

Todavía en una nube, Stefan Kasper aseguró que había estado completamente solo en la habitación: “No había guardias, ¡o estaban muy bien escondidos!”.

Sabiendo esto, se puso cómodo. Se hizo selfis y se “paseó en calzoncillos y calcetines por las habitaciones, completamente vacías” antes de degustar un gazpacho y una carrillada servidas por el reconocido chef Joris Bijdendijk.

Beste Stefan, houd jij vannacht de wacht?#nachtwacht #rembrandt #Riijks10mio pic.twitter.com/5UJqsGs4Ce

— Rijksmuseum (@rijksmuseum) June 1, 2017

“Incapaz de dormirse”, el profesor, que no era un fanático de la obra de Rembrandt, tuvo tiempo para “ver el cuadro con otros ojos”.

“He descubierto personajes que no había visto antes, cobraban vida delante de mí. Es una experiencia grabada para siempre en mi memoria”, insistió.

Su estudio está rodeado por cientos de acetatos y discos compactos de música clásica, blues, jazz, reggae, rock y con los sonidos tradicionales de diversas partes del mundo. De las paredes cuelgan fotografías de su autoría en las que se observan los suaves y ágiles movimientos de bailarinas de ballet. Sobre una repisa hay varios modelos de aviones a escala. Por otro lado, una computadora y una enorme impresora.
Este es el sitio de trabajo del experimentado fotógrafo guatemalteco Rogelio Clará (31 de enero de 1955), quien, además de dedicarse a este apasionante oficio es ilustrador, piloto aviador, periodista y licenciado en Filosofía y Letras. De hecho, en su apartamento guarda decenas de libros de temas variados, pues, afirma, la lectura lo relaja a la vez que alimenta su intelecto.
Empezó con la fotografía en 1979 por casualidades de la vida. “Tenía una cámara Nikon F y, en cierta ocasión, alguien me pidió que cubriera un evento. Ese fue mi sencillo comienzo”, explica con la seriedad que le caracteriza. “Tuve que aprender solo, porque en esos tiempos en Guatemala no había ningún sitio dónde aprender”, agrega.
Por aquella época conoció a Eric Bonduel, un destacado fotógrafo y publicista, quien le cedió un espacio en su estudio. De esa forma, Clará comenzó con una dilatada carrera profesional que lo llevó a trabajar con prestigiosas agencias publicitarias. “Fueron casi 30 años que estuve en eso, pero la era digital llegó alrededor del 2008 y el negocio cambió por completo”, indica. “Ahora, con los programas de computadora, existe la posibilidad de hacer más cosas de formas más sencillas. Antes había que ser más ingenioso al momento de captar una imagen; la exigencia era mayor”, asegura.

—Entonces, ¿considera que cualquiera puede ser fotógrafo? —le pregunto.
Con una sonrisa espontánea, responde: “Cualquiera con una cámara cree que lo es”.
—“Cree” —replico.
—Sí. Mire, es bueno que haya mucha gente interesada, pero también es vital que cuenten con una buena preparación, que entiendan cómo trabaja la luz, que sepan cómo funciona el equipo o que puedan dominar las distintas técnicas; en resumen, lo que marca es la experiencia.
—¿Es perfeccionista?
—Sí, a mí me gusta que todo esté nítido. Carlos Gálvez, dueño de Foto Europa, solía calificarme de “purista” —ríe—.
—¿Qué equipo usa?
—He tenido Nikon, Hasselblad, Leica o Sony, pero como le acabo de mencionar, lo que importa es el ojo y las técnicas del fotógrafo, quien, dicho sea de paso, debe tener intuición para detectar el momento justo para inmortalizar una imagen.

Fine art

Rogelio Clará empezó a fotografiar danza en 1980, pues creía que a través de ella podía hacer que la gente viera su trabajo como un arte, lo cual no se consideraba como tal hasta entonces. Luego de muchos años ha logrado que lo suyo entre en la categoría de fine art (arte fino).
“En cierta ocasión imprimí una serie de imágenes en papel acuarela; esto se expuso en Rhode Island, Estados Unidos, y uno de los curadores se refirió a esa colección como ‘pinturas’. Eso fue bueno para mí, ya que significó que había alcanzado lo que quería: escalar de un plano fotográfico a uno pictórico”, dice.

Lo que los campesinos habían hallado resultó ser uno de los mayores descubrimientos arqueológicos del siglo XX: miles de guerreros de terracota de tamaño natural y hábilmente esculpidos en el siglo III a. C. bajo el reinado de Qin Shi Huang, el primer emperador de una China unida.

Tal vez fue una suerte que este ejército subterráneo fuera descubierto al final de la Revolución Cultural de Mao Zedong.

En 1969, los Guardias Rojos habían incursionado en la tumba subterránea del emperador Wanli (1563-1620) de la dinastía Ming, en las afueras de Pekín.

Los esqueletos del emperador y dos de sus emperatrices fueron arrastrados a la puerta de la tumba, y quemados públicamente.

El descubrimiento de legiones de guerreros de terracota de tamaño natural entusiasmó a China y el mundo.

Los soldados de Qin Shi Huang marcharon al Museo Británico en septiembre de 2007. Durante los seis meses siguientes, más de 850.000 visitantes fueron a conocerlos.

Sólo los Tesoros de Tutankamón en 1972 atrajeron a una multitud más grande.

Originalmente pintados en rojo brillante, azul, rosa y oro, hoy los guerreros de Qin Shi Huang carecen de color.

El tiempo y los estragos de la naturaleza también los privó de las verdaderas armas que alguna vez portaron.

Cuidado con entrar

Curiosamente, el gran número de guerreros y su arsenal sugiere que se esculpieron a través de una forma temprana de producción masiva.

¿Debíamos haber esperado algo menos de Qin Shi Huang, el dinámico joven rey que unió a China en 221 ANE y forjó su vasto imperio mediante la imposición de sistemas únicos de escritura, dinero, peso y medidas junto con canales y caminos?

Cuando murió a los 39 años, presumiblemente por envenenamiento por mercurio, Qin Shi Huang había completado su colosal tumba subterránea.

La escala del mausoleo del emperador chino, del tamaño de una gran ciudad antigua, sigue siendo impresionante. Su núcleo es una pirámide que alguna vez alcanzó 100 metros.

Ladrones de tumbas

En cuanto a los 8.000 guerreros de terracota -de pie en formación vigilando la tumba- están allí para salvaguardar los secretos del imperio subterráneo de Qin Shi Huang.

Y seguirán siendo secretos, quizás por muchos años, porque la tumba sigue sellada.

Arqueólogos y museólogos de todo el mundo están de acuerdo en que abrir la tumba sería un desastre, ya que la exposición al aire la dañaría irremediablemente.

En excavaciones tempranas para descubrir a los guerreros de terracota, la laca debajo de sus caras pintadas y uniformes se encrespó después de sólo 15 segundos.

Pero además, según el historiador Sima Qian del siglo II ANE, cuya descripción del mausoleo ha demostrado ser mucho más exacta de lo que creían los historiadores modernos, ríos de mercurio rodean la cámara funeraria del emperador.

Estudios científicos recientes han demostrado que aquí el suelo contiene concentraciones inusualmente altas de mercurio, aunque sigue siendo una pregunta sin responder si los sirvientes del emperador podrían haber producido tanto metal líquido.

Si nadie está dispuesto a entrar, o incluso a sondear la tumba por temor a causar daño a los tesoros que seguramente se encuentran dentro, hay otras razones para mantenerse bien lejos.

Según Sima Qian, ballestas mecánicas resguardan entradas y pasillos.

¿Existen? ¿Se han descompuesto o, al estar cromadas, podrían enviar todavía flechas mortales silbando a través de la oscuridad hacia los torsos de carne y hueso de los Indiana Jones modernos?

La conexión griega

Hasta que se descubran nuevas técnicas, los secretos de la tumba de Qin Shi Huang seguirán siendo un misterio inquietante.

Mientras tanto, el ejército de guerreros de terracota que se encuentra más allá, también está rodeado de varias especulaciones.

Los soldados de infantería conocidos por tantos visitantes de todo el mundo se han unido desde entonces a arqueros de pie y arrodillados, carruajes con lanzas, hombres fuertes, acróbatas, bailarines, músicos y exquisitas esculturas de bronce de cisnes, patos y grullas.

Las muestras de ADN tomadas de una serie de esqueletos sugieren que algunos miembros de la enorme fuerza laboral del emperador eran de origen europeo.

¿Habían mostrado los antiguos griegos a los chinos cómo esculpir figuras y caballos tan magníficamente como había hecho Fidias en su estudio cuando talló el friso del Partenón en el siglo V a. C. en Atenas?

• ¿Ayudaron los griegos a esculpir los Guerreros de Terracota de China? La teoría que puede cambiar la Historia

Ciertamente nada como los guerreros de terracota o sus caballos había sido visto en China antes de la construcción del mausoleo de Qin Shi Huang.

Un descubrimiento que no dejó nada

Yang Zhifa, sus hermanos y Wang Puzhi descubrieron las esculturas hace 43 años.

Los agricultores obtuvieron poco o nada de su descubrimiento.

En tres años, Yang Wenhai y Yang Yanxin, desempleados e incapaces de pagarles a los médicos, murieron a inicios de sus quintas décadas de vida.

En 2007, Liu Xiquin, esposa de Yang Quanyi, cuya casa familiar había sido demolida, dijo al South China Morning Post que su marido temía que él y sus hermanos “pudieran haber traído mala suerte de alguna manera, y todavía se pregunta si tal vez los soldados debían haberse quedado bajo tierra”.

• Lee la historia original en inglés en BBC Culture

La combinación deja ver la influencia mutua y la rivalidad de ambas figuras (Fotografías cortesía de LACMA).

El mexicano Diego Rivera y el español Pablo Picasso fueron artistas contemporáneos, competidores pero también admiradores de sus respectivos trabajos, igualmente ambiciosos y prolíficos, de fama internacional y muy conscientes de sus exuberantes personalidades. (Obra: “América prehispánica”, óleo sobre lienzo, Diego Rivera, 1950).

El Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (Lacma, por sus siglas en inglés) propició un original diálogo entre los dos genios por medio de la exhibición conjunta de más de 150 pinturas, grabados y antiguos artefactos de sus respectivas colecciones. (Obra: “Estudio con cabeza y brazo de yeso”, óleo sobre lienzo, Pablo Picasso, 1925).

Diego Rivera nació en Guanajato, México, en 1886. El hecho de ser unos años más joven que Pablo Picasso, que nació en Málaga, España, en 1881 hizo que se diera por hecho que el español era el mentor y el mexicano el alumno. Pero como se ve en esta exhibición, la realidad fue más compleja. (Obra: “Autorretrato”, óleo sobre lienzo, Diego Rivera, 1906).

Ambos artistas demostraron su talento desde temprana edad. Se conocieron a principios de 1914 y forjaron una amistad que se basó en valores estéticos comunes y un mismo idioma. (Obra: “Autorretrato”, óleo sobre lienzo, Pablo Picasso, 1906).
Exhibición conjunta de cuadros de Pablo PicassObra: “Día de flores”, óleo sobre lienzo, Diego Rivera, 1925o y Diego RiveraLACMA

La exposición presenta momentos de intersección en la formación del modernismo tanto en Europa como en América Latina y se pregunta cómo estas dos figuras sobresalientes del siglo XX se dejaron atrapar por sus respectivos mundos: el antiguo Mediterráneo y la América precolombina. (Obra: “Día de flores”, óleo sobre lienzo, Diego Rivera, 1925).

La exposición compara sus trayectorias partiendo de su formación académica similar pasando por su inmersión en el Cubismo y su retorno a un compromiso con la antigüedad desde los 1920 hasta los 1950. (Obra: “La flauta de Pan”, óleo sobre lienzo, Pablo Picasso, 1923).

La amistad se quebró en agosto de 1915 después de que Rivera acusara a Picasso de usar una técnica que el mexicano había utilizado anteriormente para su cuadro “Paisaje zapatista”. (Obra: “Retrato del escultor Elie Indenbaum Hombre del cigarrillo”, óleo sobre lienzo, Diego Rivera, 1913).

“Picasso probablemente robó la idea, porque lo hacía con todo el mundo. Tuvo amistades y rupturas todo el tiempo, como le pasaba a todos los artistas”, opina uno de los curadores de la exposición, Michael Govan, quitándole importancia al desencuentro. (Obra: “El poeta”, óleo sobre lienzo, Pablo Picasso, 1912).

Sin duda, los murales de Rivera sirvieron de inspiración a Picasso para su obra más emblemática, el Guernica, que el artista malagueño pintó en 1937 como reacción al bombardeo de Gernika, en el País Vasco, por fuerzas alemanas e italianas. (Obra: “La creación del universo”, acuarela, Diego Rivera, 1931).

La exposición está abierta hasta el viernes 7 de mayo. Dese prisa si está en Los Ángeles o aledaños. (Obra: “Estudios”, óleo sobre lienzo, Pablo Picasso, 1920).

En ese edificio Francisco de Goya pintó las escenas que sirvieron para confeccionar tapices destinados a los palacios de la monarquía española.

Pero todo ha cambiado para el heredero de Van der Goten, Livinio Stuyck, a quien le han comunicado que ocupa de forma ilegal el palacio, situado en el centro de Madrid.

Stuyck, sin embargo, se niega a abandonar su lujoso apartamento, ubicado en las dos últimas plantas del edificio.

Se trata de una decisión que le puede costar decenas de miles de euros en concepto de multas.

Vivir gratis en un palacio

La disputa entre Stuyck y el gobierno español se remonta a mucho antes de la crisis económica del 2008, que golpeó con dureza a España y provocó una caída del 9% del PIB en cinco años.

• ¿Qué significan las figuras del cuadro Guernica, la obra maestra de Pablo Picasso?

Livinio Stuyck fue el último propietario privado de la Real Fábrica de Tapices.

El negocio pasó de generación en generación desde que Jacob van der Goten fuera traído a España desde Amberes por el rey Felipe V en 1720.

En 1997 el taller entró en bancarrota.

El gobierno español y las autoridades de la ciudad de Madrid se unieron entonces e inyectaron de forma conjunta cerca de €2 millones para tratar de salvar la fábrica.

La Real Fábrica de Tapices pasó a ser de titularidad pública y Stuyck quedó al frente de la resultante Fundación Real Fábrica de Tapices.

Sin embargo, parece que nadie se dio cuenta de que el heredero de Van der Goten siguió viviendo de forma gratuita en el apartamento de 700 metros cuadrados y elegantes balcones situado en el palacio.

• La sarga de Villoslada: la enorme tela del siglo XVI que hace de espectacular decorado en una inusual obra sobre la pasión de Cristo en España

A pesar de que en 2002 la fábrica volvió a quebrar y Stuyck fue despedido como dirigente de la fundación, se quedó a vivir en el palacio.

300 años de la Real Fábrica de Tapices

1720: El maestro tapicero Jacob van der Goten y sus seis hijos son contratados en España por Felipe V.

1775-1792: Francisco de Goya pintó más de 70 cartones para tapices. Muchos de ellos están expuestos hoy en día como cuadros en el Museo del Prado de Madrid.

1931: Cuando se declaró la Segunda República, el taller perdió la protección de la corona y negoció su futuro con el presidente Niceto Alcalá-Zamora.

1936: Con el estallido de la Guerra Civil Española, Gabino Stuyck buscó refugio en la embajada de Bélgica y movió temporalmente su taller fuera de Madrid.

1997: Livinio Stuyck, novena generación de herederos de la Real Fábrica de Tapices, traspasó la propiedad al gobierno español.

2002: Stuyck es cesado como director de la Fundación Real Fábrica de Tapices.

“Esto es una anomalía histórica y ha llegado el momento de ponerle fin”, dijo un portavoz del ministro de Cultura a la BBC.

“Este personaje ha disfrutado de un edificio público como su espacio personal durante 20 años sin pagar un centavo”.

Desde el Ministerio aseguran que en dos ocasiones se pidió amablemente a Stuyck que abandonara el edificio. Ante la negativa del heredero, el Ministerio decidió sancionarlo económicamente con el objetivo de que abandone el palacio.

A partir de ahora, Stuyck tendrá que pagar semanalmente el 5% del valor de la propiedad si no se muda.

Las autoridades calculan que la multa será de €75.000 a la semana.

Cuando la orden de desalojo fue emitida a finales de marzo, el director de la Fundación Real Fábrica de Tapices, Alejandro Klecker, explicó que, a pesar de la larga historia de su familia en el edificio, Livinio Stuyck no tiene ningún derecho legal para seguir viviendo allí.

“Se hizo una búsqueda de títulos de propiedad que apoyara la idea de que tenía derecho a usar el apartamento. No se encontró ninguna”, asegura Klecker.

Stuyck, sin embargo, ve las cosas de manera diferente.

“Mi familia ha vivido aquí durante 300 años. Yo nací aquí y he vivido en esta casa durante 71 años. Es mi hogar”, dijo a un reportero del periódico español El Confidencial.

La BBC trató sin éxito de contactar con Livino Stuyck a través de sus familiares.

El conflicto sorprendió desde el principio al gobierno de izquierdas que dirige el Ayuntamiento de Madrid desde 2015.

“El ayuntamiento está negociando con él. Tenemos planes para usar todo el espacio del museo“, dijo una portavoz de la alcaldesa Manuela Carmena.

“En su momento preguntamos por qué este caballero ha estado viviendo en el palacio sin que nadie haya hecho nada al respecto. Es algo inexplicable y la policía ya ha sido informada de la situación”.

La experiencia de tatuarse es satisfactoria para quien acude a un lugar adecuado y  sigue las instrucciones del artista.

Juan Salvatierra, tatuador del estudio Soul’s Anchor, asegura que es importante tener una idea clara del diseño que se desea y  presentar referencias al artista.

A criterio del tatuador Joel Mazariegos, es necesario conocer al artista y asegurarse que trabaja de forma profesional, es decir, con higiene y calidad.

El equipo -cables de la máquina, y la superficie donde se apoya la parte que se tatuará— debe estar cubierto con plástico y el material —agujas y guantes- deben ser nuevos y desechable.

Mazariegos y Salvatierra recomiendan ver la patente de comercio del lugar y buscar las redes sociales del tatuador para conocer su portafolio y saber si es capaz de crear el diseño deseado, ya que existen diversos estilos —realistas, japoneses, en blanco y negro y 3D, entre otros— y algunos artistas tienen más habilidades para crearlos.

“Es muy común que las personas vengan a cubrirse tatuajes anteriores, ya sea porque se lo hicieron bajo efectos del alcohol, se tatuaron el nombre de una expareja, el tatuaje es de mala calidad o porque ya no les gusta”, comenta Mazariegos.

Riesgos

Si el estudio o el tatuador no tiene las medidas necesarias existe el riesgo de contraer alguna enfermedad como  Vih, hepatitis o una infección que llegue a la sangre.

Además, se sugiere evitar la actividad física intensa o ejercicio por un mes porque el sudor puede dañar el tatuaje y los roces, lastimar la zona que aún está sensible.

Los tatuadores comentan  que es difícil estimar el número exacto de centros, ya que no hay una ley que los regule. Esto ha provocado que surjan estudios de tatuajes que no cumplen con las medidas higiénicas adecuadas.

Artistas destacados

• Allan Wong

No pertenece a ningún estudio, trabaja por su cuenta y es el más destacado en el estilo de tatuaje japonés.

Instagram: @allanwongtattoo

#allanwongtattoo #progress

Una publicación compartida de Allan Wong (@allanwongtattoo) el 13 de Mar de 2017 a la(s) 9:16 PDT

#allanwongtattoo #ryutattoo #dragontattoo #irezumi #japan #japanesetattoo

Una publicación compartida de Allan Wong (@allanwongtattoo) el 11 de Mar de 2017 a la(s) 1:21 PST

• Juan Salvatierra

Su especialidad es el estilo neotradicional y forma parte de estudio Souls Anchor.

Instagram @salva.t_

Últimamente me han pedido bastantes tattoos tradicionales y la vdd es bien alegre este estilo. Gracias de nuevo Lancelot por confiarme algo tan importante como la mano

Una publicación compartida de Juan Salvatierra Leal (@salva.t_) el 1 de Abr de 2017 a la(s) 6:21 PDT

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Una publicación compartida de Juan Salvatierra Leal (@salva.t_) el 8 de Mar de 2017 a la(s) 4:32 PST

• Rubén Barahona

Se le reconoce como uno de los mejores tatuadores de los estilos realistas a color y black and grey —en escala de grises—. Trabaja en el estudio Graveyard.

Instagram @rubenbarahona

A better photo of Capt I did on @jmawarrior , still in progress can’t wait to finish! ? Booking @gritnglory May appointments Call the shop or email me??

Una publicación compartida de Ruben Barahona (@rubenbarahona) el 19 de Abr de 2017 a la(s) 8:16 PDT

I have space open @gritnglory For tattoo or consultation email ?rubentattooartist@gmail.com 186 Orchad St NYC @painfulpleasures @worldfamousink @cheyenne_tattooequipment #newyorktattoo #newyorktattooartist #nyctattoos #nyctattooist #nyctattooartist #nyctattoo #NEWYORK #skinartmag #nyctattooer #tattoos #tat #inked #tattooed #tattoist #design #instaart #instagood #tatted #instatattoo #bodyart #NYC #tats #amazingink #tattedup #inkedup #nytattoo #TATTOOISTARTMAGAZINE #rubenbarahona #painfulpleasures

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• Iñaki Sagastuy

Es cofundador del estudio Classic Cobra y es un referente en el estilo tradicional.

Instagram @classiccobratattoo

Por @inaki.cobratattoo

Una publicación compartida de Classic Cobra Tattoo (@classiccobratattoo) el 28 de Mar de 2017 a la(s) 2:49 PDT

Por @inaki.cobratattoo

Una publicación compartida de Classic Cobra Tattoo (@classiccobratattoo) el 9 de Nov de 2016 a la(s) 4:56 PST

• Jonathan Noé

Es un artista destacado en los estilos blackwork —predomina el color negro— y puntillismo. No pertenece a ningún estudio.

Instagram  @jonnathannoe

Cover up ? #coverup #tattoocoverup

Una publicación compartida de Jonnathan Noe (@jonnathannoe) el 16 de Oct de 2016 a la(s) 7:43 PDT

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Una publicación compartida de Jonnathan Noe (@jonnathannoe) el 4 de Sep de 2016 a la(s) 7:36 PDT

Una amante de los tatuajes comparte su experiencia

Yessica Miranda es una aficionada al modelaje que atrae las miradas de las personas debido a que ha transformado su cuerpo en un lienzo lleno de arte. Prensa Libre conversó con ella sobre su experiencia con los tatuajes.

Yessica Miranda asegura que tiene más de 50 tatuajes. (Foto Prensa Libre: Cortesía)
¿Cuándo empezó tu gusto por los tatuajes?

Me interesé en los tatuajes desde los 10 años. Todo empezó porque yo crecí en California, EE.UU. y vivía cerca de la playa. Siempre iba y veía personas tatuadas, se me hizo muy interesante la idea de plasmar en tu piel cosas que tienen algún significado en tu vida.

¿Cómo fue la experiencia de tatuarte por primera vez?

Lo había pensado desde hace mucho tiempo y fue lo primero que hice cuando cumplí 18 años. Estaba muy emocionada y recuerdo que ya le había dicho a mi mama con mucho tiempo de anticipación para que estuviera preparada –se ríe-. Recuerdo muy bien que fue ella quien me cuidó luego de que me lo hice.

¿Cuál fue tu primer tatuaje?

Me hice dos estrellas en el abdomen.

¿Cuántos tatuajes tienes?

Ya perdí la cuenta, solo sé que tengo más de 50.

¿Qué le dirías a alguien que quiere tatuarse por primera vez?

Que piensen bien en lo que se quieren tatuar, pues yo cometí varios errores con algunos que fueron mal y tuve que cubrirlos con otros diseños.

Además hay que pensar bien el área del cuerpo en donde se desea y tener en cuenta si se quiere que sea visible.

También es importante saber con quién tatuarse ya que actualmente hay muchas personas que dicen ser tatuadores y no tienen experiencia ni emplean los procedimientos correctos. Los tatuajes son caros, un buen artista no cobrará barato.

¿Los tatuajes requieren de mucho cuidado?

El cuidado no es complicado, hay que aplicarse bloqueador y mantener la piel hidratada. También es importante no exponerse mucho al sol, especialmente cuando es reciente.

En plena Guerra Civil Española, los aliados fascistas alemanes e italianos del General Francisco Franco hicieron su ensayo de guerra total contra una población civil.

Franco se había levantado contra la Segunda República Española en 1936. Tras derrotar a los republicanos en 1939, dirigió el destino del país hasta su muerte en 1975.

Picasso tardó poco más de un mes en plasmar sobre el lienzo las desgarradas figuras en blanco, negro y gris que conmueven, 80 años después, a quien observa una de las pinturas más famosas del mundo.

Alegato contra la guerra, símbolo del horror, del dolor… El Guernica representa todo eso.

Pero si bien el propio Picasso quería dejar abierta la lectura de su obra y nunca quiso definir el simbolismo de cada una de sus figuras, críticos y expertos han intentado desentrañar su significado a lo largo de los años.

Con motivo de los 80 años del bombardeo a Gernika y de la creación del cuadro que lleva su nombre en español, Rosario Peiró, Jefa de Colecciones del Museo Reina Sofía de Madrid (donde se exhibe el Guernica) compartió con BBC Mundo algunas de estas interpretaciones. 

Video producido y realizado por Natalia Pianzola, Carol Olona Ferrer e Irene Hernández Velasco.

• Por qué el bombardeo a Gernika es considerado el primer ensayo de guerra total de la Historia
• Los latinoamericanos que buscan a sus familiares desaparecidos en la Guerra Civil española

La AEI es una entidad autorizada en el 2007 para la recolección de cuotas a discotecas, restaurantes, radios, canales de televisión y empresas por cable, con el argumento de que el 60 por ciento de los ingresos se convierten en regalías para los autores y compositores nacionales y extranjeros.

Dicha entidad debe ser fiscalizada por el Registro de la Propiedad Intelectual y se debe informar a los afiliados cuál es el destino del dinero.

Las quejas

Según algunos propietarios de restaurantes que han preferido omitir sus nombres, la AEI desde hace unos meses ha creado un  “acoso”, contra  ellos y se les cobra tarifas por cada tipo de aparato difusor de música, como rocolas, karaokes y televisores, sin importar si en estos últimos solo se transmite futbol.

“Afuera de los negocios ya casi nadie tiene publicidad sobre si tendrán música en vivo, porque la mitad de los ingresos que se obtienen de taquilla se lo debemos dar a la AEI”, manifestó uno de los inconformes.

Uno de los inconformes lamentó que en ocasiones no obtiene las suficientes ganancias para pagar los costos del bar y del personal, y aun así debe cancelar las cuotas del bar 

En ley

Margarita Mendoza, directora general de la AEI, reconoció que hay molestia de varios propietarios de negocios, aunque aseguró que el cobro es legal y las cuotas no se hacen por cada aparato difusor, sino con base en un tarifario, de acuerdo al tipo de negocio. La AEI cuenta con personal que llega a los negocios y monitorea las canciones que suenan.

Mendoza aseveró que los inspectores verifican que los negocios hayan pagado derecho de autor, y si  no cuentan con los permisos les notifican que deben reportarse ante la AEI, para saber cuánto deben pagar.

Según Mendoza, cada lugar paga según el tipo de negocio y por la cantidad de mesas que tenga, aunque la tarifa límite es de hasta 10 mesas.

Entre los beneficios que gozan los autores y compositores nacionales está un seguro de vida, clínica dental, servicio funerario, medicina, asesoría jurídica y para diciembre se les otorga una canasta navideña.

“Los inspectores permanecen unos 40 minutos en los lugares y anotan el nombre de las canciones que suenan”, refirió   
 Agregó que en el caso de los conciertos se sabe exactamente qué temas sonaron y el responsable del concierto debe pagar 10 por ciento a la AEI.

No pagan

Mendoza aseguró que en Guatemala solo el 30 por ciento de los negocios pagan derecho de autor

La actual junta directiva de la AEI está formada por Jorge Estrada, presidente; Ranferí Aguilar, vicepresidente; Francisco Urízar, secretario; Jesús Carrillo, tesorero;  y Sigfrido Chávez, vocal.
 

La música se cobra

1. La AEI cobra con base en el tipo de negocio y con qué fines se utilice la música.
2. Cuenta con inspectores que hacen un monitoreo de la música que suena en cada lugar. 
3. El 60 por ciento de lo recaudado en los negocios se distribuye entre el número de obras reportado cada tres meses.
4. El valor de una canción por cada vez que suena puede ser de Q200, Q300 o hasta Q600. Depende de cuánto sea lo recaudado cada tres meses.
5. Las regalías son distribuidas entre autores nacionales y extranjeros cada tres meses. Si el autor ya falleció, el dinero es entregado a los familiares.
6. La AEI clasifica la música como accesorio, para almacenes; necesaria, para bares; e indispensable, para discotecas.

Hace una década, en  la capital estaba la máxima exposición de murales en paredes, sin caer es la estigmatización de los gafittis de pandillas; sin embargo, la expresión a través del arte se puede observar actualmente en  Izabal, Quetzaltenango, San Marcos, Huehuetenango, Escuintla, Alta Verapaz, entre otras ciudades.

Artistas y estudiantes han sido los autores de los lienzos de colores plasmados en varios lugares como paredes, para embellecer el entorno.

Izabal

Como parte de un proyecto de embellecimiento de espacios públicos en Puerto Barrios, la municipalidad de Puerto Barrios y  el Instituto Guatemalteco de Turismo (Inguat), convocaron a un grupo de artistas y grafiteros para pintar murales.

“Actualmente, en la segunda fase del proyecto se pintaron murales en áreas adjuntas al aeropuerto y barrios turísticos de la localidad, esperamos que este sea un atractivo más para el turista y residentes de este bello puerto”, comentó Maritza Ávila, de la sección de Estudios y Proyectos del Inguat. 

Xela

Un grupo de muralistas pintaron 300 metros de la pared del Cementerio General de Xela, en la 4a calle de la zona 1. Plasmaron arte con criterio propio y  son parte de las 79 obras ganadoras del certamen de los Juegos Florales Hispanoamericanos de Quetzaltenango.

San Marcos

El 10 de marzo fue inaugurado el mural Flor de Retama, una obra de los estudiantes del Ejercicio Profesional Supervisado de la Escuela de Arte de la Universidad San Carlos de Guatemala.

Escuintla

La 1a. avenida y 4a. calle de la zona 1 de Escuintla es un lugar en el que se pueden observar murales en las paredes de la  Escuela Oficial para Niñas 15 de Septiembre. Los docentes del establecimiento periódicamente realizan actividades artísticas con los estudiantes, para que pinten murales.

Huehuetenango

Las paredes del  Instituto Normal Mixto Alejandro Córdova, en la zona 1 de Huehuetenango, son una galería de arte debido a los murales que pintaron los estudiantes de la Escuela de Arte Rafael Pereira.

Siendo muy joven ingresó al Taller de Gráfica Popular, donde participó de las actividades artísticas más importantes del país al lado de Leopoldo Méndez, Pablo O’Higgins, Alfredo Zalce, Ignacio Aguirre y otros maestros grabadores, refirió la institución en un boletín.

“Se trató de un artista comprometido con las luchas humanistas y las ideas libertarias de los pueblos latinoamericanos, cuya temática ha sido motivo de muchas de sus obras gráficas”, expuso.

Realizó importantes pinturas murales entre las que destacan “Pobladores de las Siete Regiones de Oaxaca”, fresco de 50 metros cuadrados en el Museo Nacional de Antropología, y “Cosmogonía de los pueblos indígenas del Estado de Oaxaca”, fresco de más de 120 metros cuadrados, en las escaleras monumental y lateral izquierda del Palacio de Gobierno de Oaxaca.

Una conexión inseparable con Guatemala

García Bustos formó en Guatemala el Taller de Grabado, donde realizó de 1953 a 1954 la serie Testimonios de Guatemala, con gran repercusión en América Latina. Al triunfo de la Revolución Cubana realizó una serie de aguafuertes con ese tema que le mereció varios premios.

El artista estaba casado con Rina Lazo, quien fue su compañera de vida por más de 60 años. Lazo es una artista visual que nació en Guatemala y desarrolló su talento visual en México, donde aprendió sobre muralismo junto a Diego Rivera.

Ahí fue donde García y Lazo se conocieron.

En el velorio de García Bustos, la guatemalteca relató los últimos momentos que vivieron juntos. “Estaba contento, pero luego en la noche (del jueves) estaba muy inquieto. En mis brazos empezó a sentirse frío, yo no sabía que era tan fácil morirse, ya no pude hacer nada, murió de un infarto”, declaró al diario Milenio.

En cualquier día de la semana los visitantes del Paseo de la Sexta pueden encontrar a los artistas de la marimba tocando melodías de Domingo Bethancuort, Rocael Hurtado, Salomón Argueta y Gumercindo Palacios.

Aníbal Paxtor aprendió a ejecuttar la marimba en 1989 en la Escuela Militar de Música. Hace dos años quedó desempleado y compró un instrumento para formar su agrupación y presentarse en el Paseo de la Sexta.

La marimba de Paxtor se llama Alba Leticia. Es el nombre de su esposa, quien padece diabetes.

“No tenía trabajo y el único talento que tengo es la marimba.  Entonces en el 2015 decidí presentarme con mi marimba junto a otros compañeros. Algo se gana. A mucha gente le gusta la marimba y las melodías los transportan”, señaló Paxtor.

Las melodías más solicitadas son Ferrocarril de Los Altos, Lagrimas de Thelma, Llegarás a quererme y Luna de Xelajú, cuenta Paxtor.

Recuerdos

Lilian Reyna, quien observaba las destrezas de Paxtor, Carlos Orozco y Julio García, dijo escuchar las melodías que tobacaban le trajo recuerdo: “En mi casa se escuchaba marimba y no había domingo sin marimba. Los jóvenes no aprecian esas melodías, pero son preciosas piezas que lo hacen a uno recordar”.

El Paseo de la Sexta cautiva con marimba a sus visitantes. | pic.twitter.com/xDdvxBuj9d

— Edwin Pitán (@Epitan_PL) April 4, 2017

En un recorrido efectuado en el Paseo de la Sexta se observó que los adultos son los que más gustan de los sonidos de las teclas de hormigo.

“La mayoría de nuestros seguidores son adultos. La marimba llama la atención, pero los jóvenes la conocen poco. No saben quién es Domingo Bethancourt, con eso ya fracasamos musicalmente hablando”, señaló Paxtor.

Rolando Escobar depositó Q10 en la canastilla que colocaron los artistas de la marimba Alba Leticia: “Quiero escuchar Llegarás a quererme”, solicitó.

Escobar explicó que la composición de Salomón Argueta le hace recordar cosas dolorosas de la vida. “No son recuerdos de amor, es el pasado de la vida. La Guatemala de antes duele y la de hoy también, eso puedo decir”, manifestó.

El Prado mostrará “más de 200 tesoros de la HSA”, dijo Codding, con obras de Goya, Velázquez, Murillo y El Greco, entre muchos otros.

Un lugar destacado en la exposición, que permanecerá abierta hasta el 10 de septiembre, ocupa un Mapamundi de Giovanni Vespucci, realizado en Sevilla en 1526, un documento de referencia para los navegantes que partían hacia el Nuevo Mundo.

Huntington en 1900, con la muerte de su padrastro, hereda una fortuna a sus 30 años de edad, lo que le permite impulsar su proyecto de “museo español”, abierto al público en 1908 en Manhattan.

Personaje particular para la época, Huntington valoró la herencia musulmana en España, llegando a aprender árabe, señaló Falomir.

Muestra de ello, en la exposición hay un “único ejemplar totalmente intacto” en lujosa seda del palacio de la Alhambra de Granada, elaborada hacia 1400, señala el director de El Prado.

La colección incluye objetos religiosos, como una escultura en madera policromada de San Martín de Tours, del siglo XV.
Asimismo, El Prado mostrará varios objetos de la colección que Huntington adquirió en América Latina, de la época del dominio español, entre ellas piezas de los mexicanos Joaquín Antonio Basarás y José Agustín Arrieta o del puertorriqueño José Campeche.

Un conjunto religioso de madera policromada, vidrio y metal titulado “Las postrimerías del hombre”, realizado hacia 1775 y atribuido al ecuatoriano Manuel Chili se muestra al público por primera vez.

Del Siglo de Oro español (1492-1681), resalta el óleo “Retrato de niña”, de Diego Velázquez, devuelto a “su esplendor original” por restauradores de El Prado, indicó Mitchell Codding.

Otra pintura restaurada especialmente para esta exposición, “La duquesa de Alba” de Francisco de Goya luce “como un cuadro recién pintado, de ahora”, afirmó Codding.

La visión que tenía Huntington de una España apasionante y luminosa se refleja sobre todo en los cuadros de su amigo Joaquín Sorolla, al que dio a conocer a los estadounidenses.

La exposición, financiada en parte por la fundación BBVA en España, partirá posteriormente de gira por Estados Unidos.
“Es la primera vez que una muestra tan amplia de sus colecciones se expone en España e incluso fuera de la HSA, y varias de las piezas abandonan por primera vez su sede de Nueva York”, señaló en la presentación de la exposición su director, Mitchell Codding.

Alejado del circuito de los museos de Nueva York, la sede de la HSA en el norte de Manhattan alberga la colección más importante de arte hispánico fuera de España, con obras que cubren desde la prehistoria hasta el siglo XX, y una biblioteca con decenas de miles de manuscritos y libros poco comunes.

Esta exposición “es importante por lo que nos cuenta de la personalidad de Huntington, sus gustos, sus deseos, su pasión por lo que era España, su cultura y su lengua, y por lo que cuenta de nosotros mismos”, dice Miguel Falomir, flamante director de El Prado.

Huntington tenía apenas 12 años cuando viajó por primera vez a Europa con su madre, también coleccionista, y quedó fascinado por los grandes museos. También fue marcado por una visita a México, antes de ir a España por primera vez en 1892.

Su padrastro, Collis Potter Huntington, fue un magnate de la construcción naval y ferrocarriles. Pero el joven Archer Milton no quiso seguir ese camino.